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NOMINADOS A LOS "OSCAR" 2011

2012-01-30T10:00:00.001+01:00

Acaban de proclamarse las candidaturas a los Oscar de Hollywood correspondientes a la producción del año 2011. Las nominaciones están encabezadas por La invención de Hugo, magistral película de Martin Scorsese, y The Artist, el entrañable homenaje al cine mudo.

La primera opta a once estatuillas doradas, y rinde homenaje al gran pionero del cine silente galo, Georges Méliès; mientras que la obra del también francés Michel Hazanavicius le sigue con diez nominaciones. Ambas películas pueden repartirse los premios.

En cuanto a los directores asimismo están bien clasificados Woody Allen (Midnight in Paris, nominado a la vez al Mejor guión original), Terrence Malick (El árbol de la vida) y Alexander Payne (Los descendientes). George Clooney sale como favorito por esta última película, y Brad Pitt por Moneyball, junto a la veterana Meryl Streep por su genial interpretación de Margaret Thatcher en La Dama de Hierro.

El cine español está representado por Chico & Rita, de Fernando Trueba y Javier Mariscal, como Mejor largometraje de animación, y el músico Alberto Iglesias, por su partitura en la británica El topo. Y el cine extranjero tiene como candidata -apeada Pa negre en la primera selección- a la iraní Nader y Simin: una separación, entre otros filmes aún no estrenados en nuestro país.

Steven Spielberg, con Las aventuras de Tintín, ha sido relegado a nominaciones técnicas; pero su War Horse está seleccionada como Mejor película; al tiempo que ha quedado fuera de las candidaturas el maestro Clint Eastwood, con J. Edgar, y su protagonista Leonardo DiCaprio, en el papel de Hoover, fundador del FBI.

En fin, el próximo 26 de febrero sabremos quiénes son los ganadores de los Oscar de Hollywood de 2011.

(Publicado en DE PELÍCULA, www.diarioya.es, 29-I-2012)

ADIÓS AL MAESTRO ANGELOPOULOS, UN HUMANISTA DE LA PANTALLA

2012-01-26T12:35:00.003+01:00

Este martes murió de accidente -fue atropellado por una moto cuando estaba realizando localizaciones para el final de su nueva trilogía- el gran cineasta Theo Angelopoulos, a quien conocí personalmente con motivo de su conferencia en el Centre de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB). Sirva esta semblanza como sencillo homenaje

Maestro del cine griego, Theodoros Angelopoulos había nacido en Atenas (17 de abril de 1935). Después de cursar Derecho, emigró a París para estudiar Literatura en La Sorbonne y Cine en el IDHEC. Crítico cinematográfico en el diario Democratiki Allaghi, pronto se introduce en la industria cinematográfica de su país como actor y director de producción. Realizador del premiado cortometraje Ekpombi, en 1970, tras el "golpe de los coroneles", debuta el mismo año como director con el largo La reconstrucción, que sería bien acogido en diversos festivales internacionales, donde ya se reflejaba la singularidad estética de este autor: la cámara se convierte en un testimonio impasible de la intimidad de los personajes.

Pero su reconocimiento mundial llega con su primera trilogía sobre la Grecia contemporánea: Días del 36, El viaje de los comediantes y Los cazadores (1972-1977), influida por el estilo didáctico de Bertolt Brecht, que resultó de una lectura difícil por su peculiar simbología crítica y su gran cantidad de alusiones políticas e históricas. En esta tríada fílmica, el maestro Angelopoulos bucea en la memoria colectiva de su país, oponiendo el pequeño grupo humano al héroe tradicional y la masa. A tal fin, utilizaría las posibilidades creadoras del plano-secuencia para superponer momentos históricos y pasar del mito a la realidad.

Su estilo épico-cultista, de gran belleza poética y virtuosismo de imágenes, bebe en las fuentes de la Tragedia griega. Asimismo, Theo Angelopoulos se cuestionaba la relación entre la Historia, el Tiempo y la Memoria. En sus más recientes películas, iría abandonando la carga política para insistir mucho más en la problemática social y existencial, a la vez que habñía condensado la complejidad estética y técnica de sus planos. Por ejemplo, su fábula onírico-filosófica Paisaje en la niebla (1988) refleja la crisis existencial de hombre de hoy, a través del itinerario físico-moral de unos niños griegos en busca de la libertad. Pero su magistral La mirada de Ulises (1995) es una de las obras más importante de la cultura del siglo XX, justo cuando el cine había cumplido sus primeros cien años de existencia.

Después llegarían La eternidad y un día (1998), nueva parábola sobre la emigración y las contradicciones existenciales de un poeta, plena de sugerencias e íntimamente relacionadas con los grandes clásicos griegos. Su nueva trilogía, iniciada con la también impresionante Eleni (2004) y continuada con I skoni tou hronou (20o8) -todavía sin estrenar en España-, no ha podido concluirse por esta muerte prematura a los 76 años.

El humanista Theo Angelopoulos era, sin duda, uno de los autores más reconocidos dentro del panorama cinematográfico internacional.

UNA JURISTA AL FRENTE DEL CINE ESPAÑOL

2012-01-23T10:00:00.006+01:00

El nuevo Gobierno del PP ha roto una tradición: acaba de nombrar Directora General de Cinematografía a una no profesional del sector. Se trata de la profesora Susana de la Sierra.

Los últimos años hemos tenido al frente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) a cinéfilos y especialistas como Pilar Miró, Fernando Méndez-Leite, Miguel Marías, José María Otero, Fernando Lara, Ignasi Guardans y Carlos Cuadros.

Pero hoy se encargará de gestionar la política del cine español la doctora De la Sierra, profesora titular de Derecho Administrativo y Directora del Centro de Estudios Europeos de la Universidad Castilla-La Mancha (Toledo), además de autora de un importante estudio titulado “Derecho del cine: administración cultural y mercado”.

No obstante, Susana de la Sierra Morón (Santander, 1975) es una profesional competente: habla cinco idiomas y ha sido profesora invitada en las Universidades de Oxford, Columbia y Nueva York, donde con una beca Fullbright completó esa investigación sobre la regulación de la cinematografía en Derecho comparado. Pero ahora deberá poner “el cascabel al gato”.

Especialista en Derecho de la Cultura, en particular del cine y su fiscalidad, ¿se atreverá -en esta época de crisis y recortes económicos- a acabar con las discutidas subvenciones a las películas autóctonas? O bien, ¿acometerá el final del doblaje de las películas extranjeras, para que no hagan una competencia desleal a las españolas? Desde esta tribuna, deseamos a esta jurista la mejor gestión.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es/, 22-I-2012)

DE PELÍCULA: VUELVE EL CINE MUDO y CANDITATOS A LOS "GOYA"

2012-01-17T12:40:00.008+01:00

Títulada DE PELÍCULA, publico desde hace casi un año un columna prácticamente semanal en el histórico Diario YA, que ahora se edita sólo digitalmente. Reproduciré en mi weblog estos artículos de actualidad, a partir del 2012, una vez hayan visto la luz en ese periódico

VUELVE EL CINE MUDO

No voy a hacer aquí una reseña de la aclamada película francesa The Artist, que acaba de obtener el Globo de Oro, precedentes a los Oscar de Hollywood; más bien comentar un fenómeno actual: la vuelta del cine silente.

La verdad es el que el Séptimo Arte nunca fue totalmente mudo. Hasta 1930 -cuando se generalizó el cine parlante-, las películas se “sonorizaban” a piano o con una orquesta. Pero en estos días, ha surgido en nuestras pantallas una serie de títulos que harán las delicias de los espectadores de ayer y hoy.

Aparte de ese nostálgico homenaje al cine mudo que es The Artist, del cineasta galo Michel Hazanavicius, con unos entrañables Jean Dujardin y Bénénice Bejo evocando a las “estrellas” de los años 20, el norteamericano Martin Scorsese estrena en color y 3D La invención de Hugo, donde rinde homenaje al maestro Georges Méliès -que encarna el actor Ben Kingsley-, uno de los grandes pioneros, creador del cine fantástico.

No obstante, ese “revival” también ha llegado a nuestro país: Pablo Berges está preparando una Blancanieves muda, en blanco y negro, cuya acción se trasladará a la España de principios del siglo XX, con Maribel Verdú, Ángela Molina e Inma Cuesta como protagonistas. La Verdú interpreta a la madrastra aristocrática del cuento de los Hermanos Grimm.

Por último, en este regreso al cine mudo, se ha estrenado una película noruega de 1921, La bendición de la tierra, de Gunnar Sommerfeldt, un relato épico -basado en una novela de Knut Hamsun, Premio Nobel de Literatura- sobre la colonización, que remite a los grandes western de Hollywood. Este filme mudo, restaurado, se exhibe con su partitura original.

CANDIDATOS A LOS "GOYA"

El pasado martes, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España ha anunciado las nominaciones a los más codiciados premios del cine español. El veterano Lluís Homar y la joven Inma Cuesta leyeron las candidaturas ante los medios de comunicación.

Cuatro películas autóctonas han acaparado la mayoría de los “Goya” de la temporada 2011. Se trata de Blackthorn. Sin destino, el western de Mateo Gil -el habitual guionista de Alejandro Amenábar-; La piel que habito, otro insólito melodrama de Pedro Almodóvar -ya comentado en esta sección, al “pinchar” en Estados Unidos-; No habrá más paz para los malvados, el sobrio thriller del vasco Enrique Urbizu; y La voz dormida, del andaluz Benito Zambrano, un polémico e hiperrealista testimonio de la represión durante la posguerra española.

También algunos de los protagonistas de estas cuatro películas han sido nominados: Antonio Banderas y Elena Anaya, por el filme de Almodóvar; la propia Inma Cuesta (en la foto, junto al catalán Homar), por la cinta de Zambrano; y José Coronado, por su sólida interpretación del “duro” policía de la obra de Urbizu; junto a Daniel Brühl y Luis Tosar, por Eva y Mientras duermes, respectivamente. Asimismo, son candidatas a la mejor actriz la joven Verónica Echegui, por Katmandú, un espejo del cielo, y la más veterana Salma Hayek, por La chispa de la vida.

Entre los nominados al Mejor director revelación, sobresale el autor de la citada Eva, Kike Maíllo; y en los cortometrajes, El barco pirata, de Fernando Trullols, que también son candidatos al “Gaudí” de la Acadèmia del Cinema Català. En fin, el próximo 19 de febrero, en la gala del Palacio de Congresos de la Comunidad de Madrid, dilucidaremos quiénes son los ganadores de la 26 edición de los Premios “Goya”.

(Publicado en Diario YA, http://www.diarioya.es/, 3 y 16-I-2012)

PELÍCULAS RECOMENDADAS PARA ESTAS FIESTAS

2012-01-01T15:11:00.003+01:00

- LAS AVENTURAS DE TINTÍN
- ALVIN Y LAS ARDILLAS (menores)
- ANOTHER YEAR
- ARTHUR CHRISTMAS: OPERACIÓN REGALO (menores)
- EL ÁRBOL DE LA VIDA
- THE ARTIST
- EL CASCANUECES 3D (menores)
- LA CONSPIRACIÓN
- CRIADAS Y SEÑORAS
- LA DAMA DE HIERRO
- UN DIOS SALVAJE
- EVA
- FLOQUET DE NEU (menores)
- UN GATO EN PARÍS (menores)
- EL GATO CON BOTAS (menores)
- EL HAVRE
- JANE EYRE
- KERITY Y LA CASA DE LOS CUENTOS (menores)
- MAKTUB
- MARGIN CALL
- MISIÓN IMPOSIBLE: PROTOCOLO FANTASMA
- NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN
- EL NIÑO DE LA BICICLETA
- LA NOCHE DE FIN DE AÑO
- PÁNICO EN LA GRANJA (menores)
- PINA
- REBELIÓN EN LA ISLA (menores)
- EL REY LEÓN 3D (menores)
- WICKY EL VIKINGO Y EL MARTILLO DE THOR (menores)
- WINX 3D. LA AVENTURA MÁGICA (menores)

¡Y Feliz Año, con Buen Cine!

CATALAN CINEMA IS ON PATH TO INTERNATIONAL RECOGNITION

2011-12-05T23:45:00.006+01:00

Catalan News Agency me entrevistó el 2 de diciembre y "colgó" en su web en inglés la entrevista grabada en vídeo (cfr. también Y0uTube, 3'22''). Reproducimos a continuación el reportaje escrito

By SARA GÓMEZ

Barcelona (ACN).- The release of Pa Negre (Catalan for Black Bread) in 2010 marked a turning point in the history of film creation and production in Catalonia. This popular outlook is a recent phenomenon. For decades, the Catalan film industry was not well known outside of its borders by anyone who was not a film lover. Always included inside the general concept of Spanish cinema, a Catalan production had to carry out a titanic effort to shine within the national market. However, Pa Negre’s recent nomination to compete as the Spanish candidate for Best Foreign Language Film Award at the 2012 Oscars has unleashed an impressive chain reaction that forecasts a new era for cinema made in Catalonia.

The key to this success is the subject of debate among experts, but a common belief leads them to speak about an improvement in production quality and the rise of a new generation of directors capable of creating industrial products without losing the essence of author cinema.

Another matter for discussion has been focusing on what should be considered Catalan cinema. Are Catalan movies only those shot in Catalan or those productions created with Catalan resources? Some make an analogy with literature, and consider the language a film is shot in to be the main element of classification. However, movie critic Josep Maria Caparrós considers Catalan cinema to be that which is “channelled in Catalonia and with a major Catalan production”, whether it includes films in Catalan or not. Esteve Riambau, Director of Catalonia’s Cinematheque, prefers to downplay the issue and firmly states that Catalan cinema “is that produced in Catalonia”. No more, no less.

THE CATALAN CINEMA'S TRIO OF ACES

Experts have defined the nature of Catalan cinema, the next step in the classification process is that film productions currently developed in Catalonia insert themselves in one –sometimes two– of three cinema genres that dominate the Catalan movie market: documentary productions, author cinema and industrial or genre films.

DOCUMENTARIES AS THE CATALYST FOR CHANGE

Documentary cinema was the first genre responsible for unleashing the transformation process of Catalan contemporary cinema in 1999, when the first feature film promoted by a university was shown at Sitges Film Festival. Mones com la Becky (Monkeys like Becky) by Joaquim Jordà and Núria Villazán converted documentary cinema into the starting point for experimentation methods that fiction had blocked. “It is a minority production that explores language”, says Esteve Riambau, Director of Catalonia’s Cinematheque. This tendency proved that quality cinema was possible outside robust industrial values and claimed a generational renewal.

Other key names from this trend are José Luis Guerín –with his film En construcción (Under Construction - 2000)–, Mercedes Álvarez –former film editor of Guerín that directed El cielo gira (The Sky Turns - 2005), awarded at the International Film Festival Rotterdam– or Carles Bosch and Josep Maria Domènech, whose Cuban Balseros (Rafters - 2002) achieved a nomination for the Academy Award for Best Documentary Feature in 2004.

RECOVERED AUTHOR CINEMA

Alongside Catalan documentary cinema, a second film genre has consolidated its place inside the field of fiction: the author cinema. Movie critic Josep Maria Caparrós defines this film genre as a movement that “analyses our surroundings”. But author cinema is also a branch that brings together two different nourishment sources.

On the one hand, this artistic product is represented by veteran directors that have adapted their styles to the new trends throughout the decades such as Ventura Pons, who has been a key figure of Catalan cinema since the beginning of the1980’s. His film career took off with a documentary production –Ocaña, retrat intermitent (Ocaña, Intermittent Picture - 1978). Pons took advantage of the liberal climate of the late 70's, 80's and early 90's to launch an irrelevant but funny series of comic movies full of spicy behaviour. Què t’hi jugues, Mari Pili? (What’s Your Bet, Mari Pili? - 1990), Aquesta nit o mai (Tonight or Never - 1991) or Rosita, please! (1993) are three examples from this period, which later gave way to more experimental and literary styled films such as Actrius (Actresses - 1997) or Morir (o no) (To die (or not) - 2000). The creations of Pons over the last few decades have shown a more realistic approach to everyday characters. This is the case for Anita no pierde el tren (Anita Does not Miss the Train - 2001), about a recently unemployed cinema ticket clerk that has a love story with a married man; Food of Love (2002), a Spanish-German film shot in English that was at the Official Selection of the Berlin International Film Festival the same year, or A la deriva (Drifting - 2010), shown at the 2010 Seattle International Film Festival.

Director, screenwriter and producer Pere Portabella is also part of the re-emergence of author cinema. Portabella, who lived through the difficult times of censorship in the Franco dictatorship and the establishment of Spanish democracy, sets himself as one of the most relevant figures of Catalan avant-garde cinema in the 1970's. Despite having broader film production experience in the field of short movies, Portabella’s experimental style also transcends his larger creations. His latest work Die Stille vor Bach (The Silence Before Bach - 2007), looks at the approach to music through the work of Johann Sebastian Bach, and was presented at the Venice International Film Festival. It is the embodiment of Portabella’s love for anecdotal absence.

THE NEW AUTHOR CINEMA

“A generation of new directors. A generation that couldn’t care less about the dramas of the past and that focuses on daily life and love and work relations”. With these words, professor and film critic Josep Maria Caparrós shapes the silhouette of the renewed Catalan author cinema. This latest trend started back in the decade of the 90's and is characterised by “the eruption of young people as the result of the great work of the ESCAC –Cinema and Audiovisual University School of Catalonia–“, explains a smiling Caparrós, who teaches there.

ESCAC’s production company, Escándalo Films, has been crucial in the expansion of Catalan cinema. Since its birth in 1999, Escándalo Films has had a clear purpose of fostering the incorporation of young artists to the film and audiovisual industries. Features such as the futuristic Eve (2011), fresh and delightful Blog (2010) or Mar Coll’s intimate drama Tres dies amb la família (Three Days With the Family - 2009) are examples of the success of the company, which includes the production of more than 200 short films that combine over 400 awards.

THE FRENCH LAUNCHING PLATFORM

The Festival de Cannes has served as a springboard for many of these revelation directors. Albert Serra’s Honor de Cavalleria (Knighthood Honour - 2006) achieved great reviews at the French Festival, a well as his El cant dels ocells (The Song of Birds - 2008), a story that revolves around the story of the Three Wise Men in the Bible. The autobiographical Marc Recha film Pau i el seu germà (Pau and His Brother - 2001) entered the Cannes Official Selection in 2001, whereas his collage of daily stories Les mans buides (The Empty Hands - 2003) was chosen for the festival’s section ‘Un certain regard’ in 2003. Jaime Rosales is the third name that completes this list of Catalan directors that looked for their lucky star at the French Riviera city with titles like Las horas del día (The Hours of the Day - 2004) or La soledad (Solitary Fragments - 2007).

A LONG WAY FROM RECOVERING FIRST PLACE IN THE CINEMA RACE

All these successful international films produced in Catalonia, represent what Caparrós sees as the attempt by Catalan cinema “to spread its idiosyncrasy and language”. Caparrós remembers the times when Catalonia was Spain’s main cinema production centre, before Franco’s dictatorship centralised the entire film industry in Madrid after the Spanish Civil War. In the 1960's, the so-called ‘School of Barcelona’, a group of intellectuals and directors from the Catalan bourgeoisie (including Pere Portabella), made an unsuccessful attempt to produce films far from Spanish mainstream movies. The winds of change eventually came after Franco’s death in 1975. For the past twenty years, the Catalan cinema sector has sought to recover its place at the top with the resurgence of revelation directors. Now it is time for the Catalan public to live up to the open challenge of consuming their own home grown cinema, exhorts Caparrós.

GENRE FILMS: CATALAN CINEMA'S INDUSTRIAL WILL

Not all Catalan cinema productions belong to the border territories of documentary or author cinema. Esteve Riambau, Director of Catalonia’s Cinematheque, believes that the film industry of Catalonia has an “industrial determination”. This refers firstly to the consolidation of the successful field of horror movies, also promoted by the Sitges International Film Festival, the first fantasy film festival in the world. Following this trend we find Catalan directors that have caused interest in the American market. Jaume Balagueró started his career at the Sitges Film Festival with Els sense nom (Nameless - 1999) and since then has continued to dazzle the film market with Darkness (2002), shot in English, or the unusual Rec (2007) –codirected with Paco Plaza–, a zombie movie shot as a television reality show that had its own American-remake. El Orfanato (The Orphanage - 2007), José A. Bayona’s opera prima, also generated international attention. .

The “industrial will” has a second important projection when referring to Catalan production companies. The Mediapro group, founded in 1994 in Barcelona, has helped to strengthen the presence of Catalan cinema among Spanish films. Salvador (2006), a film by Manuel Huerga based on the life of a young Catalan anarchist executed in the final years of Franco’s dictatorship, and Isabel Coixet’s last film, Mapa dels sons de Tòquio (Map of the Sounds of Tokyo - 2009), are two examples of Mediapro’s activities.

The case of Barcelona born director Isabel Coixet is of special interest to the cinema world as she first started in the advertising industry as a filmmaker specialised in advertisements for several international brands before making the leap into feature films. Although her first movies did not have the expected international impact, she eventually achieved worldwide projection thanks to Mi vida sin mí (My Life Without Me - 2003), a discovery of the appetite for life. The secret life of words (2005) and Elegy (2008), starring Tim Robbins and Ben Kingsley respectively, have earned her the recognition of foreign critics. However, Coixet’s films are mainly produced outside Catalonia and shot in English, and thus could not be considered as Catalan cinema, despite the filmmaker’s origins.

PA NEGRE'S BET FOR THE MIDDLE ROAD

When asked to summarise Catalan cinema today in one sentence, Esteve Riambau is clear: “The consolidation of two models, apparently antagonists, but complementary in reality”. Riambau talks about the addition of minority cinema –represented by documentary and author cinemas–, and industrial productions –horror movies and wider public addressed films–. And in the middle of all this is Pa Negre (Black Bread - 2010), a film by Agustí Villaronga based on the novel of the same name by Catalan writer Emili Teixidor. The Director of Catalonia’s Cinematheque believes that Villaronga’s creation gathers elements from both branches, a statement that explains its great impact. “Pa Negre is an example of author cinema that has reached the public, and with subsequent international success”, says Riambau.

According to Riambau, Pa Negre’s resonance means “that people now watch Catalan cinema not because it is Catalan, but because it is good cinema”. And in the same line he added that: “Good cinema has no sense if it does not reach the public”. The Spanish candidate for the Academy Awards is a film entirely shot in Catalan, which had great results at the box office. It has achieved the double objective of reaching the public –whether it is Catalan, Spanish or foreign– and, at the same time, has opened a small gap inside a tough market run by the American majors.

A DIFFICULT CHALLENGE FOR THE FUTURE OF CATALAN CINEMA

Catalan cinema now faces its next challenge: how to fit into the international market. The main problem, says Caparrós, is that “international critics maks no distinction between Catalan and Spanish cinema”. “The concept of Catalonia is not fully understood abroad”, complains the film critic, who stresses the search for “quality cinema” as a lighthouse for new generations of professionals. And he adds: “If we produce by-products, it won’t work. Films like Torrente only prove the intellectual crisis our country is going through”. Caparrós concludes that maintaining “good scripts, actors and directors” is important for Catalan cinema because it is the path it must follow.

Esteve Riambau, Director of Catalonia’s Cinematheque agrees with Josep Maria Caparrós when he says that “Catalan cinema has been under suspicion for a long time”. Luckily, he points out, “the situation has shifted for the better” and Catalan cinema “must continue its production with Pa Negre’s lesson learned and with no intention of cloning the same product”.

More on: Catalan Cinema / Catalan Film /Catalan Movie Cinema / Cinema Industry / Cinematheque of Catalonia/ ESCAC/ Esteve Riambau / Jaume Balagueró / Josep Maria Caparrós / Movies Oscars / Pa Negre / Sitges Film Festival

(Publicado en http://www.catalannewsagency/, 2-XII-2011)

NUEVA LISTA DE PELÍCULAS RECOMENDADAS

2011-11-09T00:00:00.018+01:00

He aquí otra relación de filmes de estreno, que vale la pena visionar:

- ANOTHER YEAR

- THE ARTIST

- LAS AVENTURAS DE TINTÍN

- LA CONSPIRACIÓN

- CONTAGIO

- CRIADAS Y SEÑORAS

- UN DIOS SALVAJE

- EL ILUSIONISTA

- JANE EYRE

- MARGIN CALL

- NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN

- NANNERL, LA HERMANA DE MOZART

- EL NIÑO DE LA BICICLETA

- PINA

- SON OF BABYLON

- TENTACIÓN EN MANHATTAN

"LA PIEL QUE HABITO", LA NUEVA FÁBULA DE ALMODÓVAR

2011-10-10T18:44:00.013+02:00

Toledo, 2012.Un prestigioso biólogo, el cirujano Robert Legard, que perdió a su mujer tras un accidente y después a su hija —se suicidió al poco de ser violada—, quiere vengarse del joven que abusó de ésta, Vicente, secuestrándolo y cambiándole el sexo. No obstante, al inventarle una piel transgénica y crear un ser muy parecido a su fallecida esposa —quien se fugó antaño con el hermanastro de Robert—, acaba enamorándose de Vicente, ahora llamado Vera. Termina en tragedia.

Posiblemente, estamos ante el filme más pretencioso de Pedro Almodóvar. Calificado como morboso y retorcido por un sector de la crítica —la más dura vino del titular de El País, que lo denominó "La piel que evito"— y defendido por otros colegas, la última propuesta del más célebre cineasta español de la democracia es una mezcla de géneros: se mueve entre el cine de suspense, el thriller, la ciencia-ficción y el film noir, para concluir con un melodrama psicológico de autoafirmación sexual. El mismo director manchego, en su presentación en el Festival de Cannes’2011, manifestaría que se había inspirado en los clásicos de Fritz Lang, en Frankenstein, en Los ojos sin rostro de Georges Franju, o en el giallo de Dario Argento. Su filme recuerda también algunas cintas de David Lynch, Claude Chabrol y David Cronenberg, hasta Victor o Victoria y al Kill Bill del inefable Quentin Tarantino.

Película visceral y perturbadora, con elementos sadomasoquistas próximos al terror gore, La piel que habito es una adaptación libre de la obra de Thierry Jonquet, Tarántula, que Almodóvar acariciaba desde hace una década. Con cierta reflexión autobiográfica, en ese famoso certamen —donde se fue de vacío—, declararía ante la prensa internacional: "Hay una parte muy importante de mi trabajo que proviene del inconsciente. Hay muchas cosas de las cuales no soy totalmente consciente, que son irracionales y están en la película. No sé si me ha servido para hacer un exorcismo. Es, eso sí, una película muy deseada, mimaba el proyecto desde hace diez años. La he deseado profundamente, he disfrutado y estoy muy orgulloso. A la gente transexual no le voy a recomendar que la vea, porque la transexualidad está aquí utilizada como una sofisticada forma de venganza. Lo más terrible que existe es que te quieran cambiar, arreglar un error que ha cometido la naturaleza. Hay algo, que se llama, no sé, lo que sea, digamos alma, espíritu, algo intangible y muy difícil de definir a lo cual la ciencia no va a llegar".

Sin embargo, no todo el mundo ha visto igual la película. El ensayista cinematográfico Julio Rodríguez Chico, antropólogo del Séptimo Arte, la valoraría en estos términos: "En su nueva propuesta, Almodóvar arriesga y continúa moviéndose entre las formas esteticistas de unos interiores de exquisita decoración y una temática en que la pasión sexual o la violencia sádica se hacen tan enfermizas como explícitas y excesivas. Sin duda, sus mayores logros están en el apartado artístico y visual, con toda la fuerza de la música de Alberto Iglesias que se impone al resto de elementos a la hora de dar dramatismo a la cinta, junto a un diseño de producción que aporta un atrezzo y unas pinturas de significado metafórico, y a una fotografía de José Luis Alcaine que encuentra en los tonos fríos el caldo adecuado para servir una historia de dolor y venganza. El guión juega con varias líneas temporales para recomponer la tragedia familiar y dosificar la información que se da al espectador, y la historia discurre de manera clara a pesar de lo alambicado de una trama oscura que quiere atar todos sus cabos hasta rayar en lo imposible. En ese sentido, choca la esperpéntica subtrama carnavalesca, impostada y excesivamente forzada en su intento de apuntalar la tragedia, y que desentona respecto al tono grave y carente de humor del resto de la cinta. Guiños a la ideología de género y a la búsqueda de afectos donde los haya, superficial acercamiento a las cuestiones de bioética —con Prometeo en el horizonte y un científico que, de nuevo, quiere ser Dios— y a una identidad personal que se simplifica en lo físico y lo pasional, y obsesiva mirada a un mundo machista de padres frustrados y ausentes y madres sufridoras y luchadoras: nada nuevo en el mundo almodovariano. Con todo, el desenlace nos demuestra que el director ha permanecido en un terreno superficial, en la piel que recubre y en la que habita la película, pues esa fuerza íntima que clama venganza termina por imponerse a cualquier otra manifestación de afecto y humanidad —no sabemos si por culpa del yoga o del esteticismo—: en el dilema entre forma y fondo, triunfa lo superficial y lo visual frente a la hondura antropológica y humana, y nosotros nos quedamos tan fríos como esos cadáveres calcinados —o deprimidos— que nuestro protagonista no supo digerir, y que terminaron por encerrarle en una cárcel de autodestrucción".

Obviamente, Pedro Almodóvar juega con la fría interpretación de Antonio Banderas —el latin lover que lanzó hace años— y la elegancia de Elena Anaya, así como con la veterana profesionalidad de Marisa Paredes y la intensidad del joven Jan Cornet, para montar su nueva fábula. Pero todo ello no justifica un filme que atraganta el ánimo del espectador más indulgente y con un estómago acostumbrado a las películas indigestas.

De hecho, la Academia Española no envió La piel que habito a Hollywood para la selección del Oscar del presente año (prefirió Pa negre), y el sufrido público español le ha dado bastante la espalda.

Poco después del estreno en España, presentó la cinta en el Festival de Cine de Nueva York, donde también fue acogida con frialdad. Es más, el crítico del The New Yorker, David Denby se refirió a ésta como “un manual de técnica expositiva, todo artesanía y brillo, la menos disfrutable de sus obras, un film que es serio sin ser inteligente”; al tiempo que definía a Pedro Almodóvar como “el más espontáneo de todos los artistas de cine, pero que esta vez ha sucumbido al arte y los resultados son un plomo”. Mientras David Edelstein, de New York Magazine, opinaba que la cinta era “todo superficie”, añadiendo que “no es la peor de Almodóvar, pero la única en que el sentimiento, emocional o sexual, no envuelve la imagen y mantiene unido el destartalado melodrama”. Asimismo, Karina Longworth, del Village Voice, dijo que “se ha embarullado en la reinvención posmoderna del thriller y mata los placeres básicos del género”.

NUEVA LISTA DE PELÍCULAS RECOMENDADAS

2011-09-03T16:04:00.009+02:00

Estrenos:

- EL ÁRBOL DE LA VIDA
- CONFUCIO
- EN UN MUNDO MEJOR
- HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE 2
- INSIDE JOB
- MIDNIGHT IN PARIS
- EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS
- SUPER 8
- 13 ASESINOS (cinéfilos)

Especial menores:

- ANIMALS UNITED
- ARRIETTY Y EL MUNDO DE LOS DIMINUTOS
- KUNG FU PANDA 2
- PHINEAS Y FERB: A TRAVÉS DE LA 2ª DIMENSIÓN
- LOS PINGÜINOS DEL SR. POPPER
- LOS PITUFOS

DVD:

- DE DIOSES Y HOMBRES
- EL DISCURSO DEL REY
- ENCONTRARÁS DRAGONES
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SESIÓN DE TARDE CON FRANCO

2011-08-21T17:58:00.009+02:00

Nuevas revelaciones confirman la pasión cinéfila del dictador - Vio más de 2.000 películas en pases privados en El Pardo, entre ellas algunas censuradas

Por CARLES GELI

"Programa de Cinematógrafo que se proyectará ante Sus Excelencias el día 6 de enero de 1946. Noticiario español número 157-B. Imágenes número 53. Descanso. El sargento inmortal. Interpretado por Henry Fonda y Maureen O'Hara. Director: Jhon (sic) Stahl. Producción y distribución: FOX". Con esta pompa se anunció en el palacio de El Pardo la primera sesión de cine documentada de la que hay noticia. La costumbre, que se repetiría varias veces a la semana hasta la muerte del caudillo, ilustra hasta el detalle la secuencia de la que fue una de sus grandes pasiones: el cine.

El catedrático de Historia Contemporánea y Cine Josep Maria Caparrós Lera iba a la caza de indicios que demostrasen la supuesta faceta de Francisco Franco como crítico de cine (bajo seudónimo) en una revista militar cuando se topó con el día a día del cine en El Pardo.

En los archivos de la residencia del dictador, Caparrós se encontró con un fascinante material de estudio que confirma la leyenda urbana sobre la pasión cinéfila del dictador: 2.094 programas de cine correspondientes a otros tantos largometrajes que el dictador, en compañía de su esposa, familiares y amigos selectos, fue visionando en privado a lo largo de las tres últimas décadas de su vida. "Un pozo sin fondo, que nos dirá mucho sobre los gustos y costumbres del Franco cinéfilo", explica este miembro del Centre d'Investigacions Film-Història de la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad de Barcelona.

El archivo de visionados no arranca hasta el 6 de enero de 1946. El balance de películas proyectadas arroja una media de dos a la semana. Los domingos era día fijo de sesión. Y agosto, el único mes que queda siempre limpio en esos 31 años de cine doméstico.

El ritual, como se ve, era serio y fiel a los cánones de la exhibición del momento. Franco había habilitado el teatro de los Reyes de El Pardo para las proyecciones, que se hacían siempre por la tarde y empezaban con el inefable Noticiario español, un NO-DO que Caparrós tiene pendiente revisar. "Es muy posible que le pasaran sobre todo aquellos en los que él aparecía". Tampoco sería muy difícil: la presencia del dictador en el tristemente ideologizado informativo se ha cuantificado en 1.376 veces, es decir, en un 34,2% de los programas producidos.

El noticiario podía ir acompañado -o ser sustituido en algunas sesiones- por una entrega de Imágenes, aquellos grandes reportajes monográficos producidos por el No-Do. En ocasiones podían proyectarse cuatro, como el 11 de enero de 1950: En estos años de paz; Veraneo 1947; Montería en El Pardo y Pesca deportiva del salmón. Su final marcaba el obligado descanso antes de proyectar el filme. "¡Eso quiere decir qué pasaba más de media tarde dos días a la semana dedicado al cine!", exclama sorprendido Caparrós.

Tan sorprendente resulta el primer análisis de la calidad de los filmes de un programa que, en su opinión, confeccionaban su amigo, el productor Cesáreo González (Suevia Films), y su misma esposa, Carmen Polo. "Para Franco el cine era un hobby, una manera de pasar el rato, y eso explica que la mayor parte de lo que vio fuera de género, comercial, con mucha comedia, pocos musicales y bastantes western y filmes de aventuras. A falta de un estudio en mayor profundidad, es posible establecer algunos porcentajes: unas tres cuartas partes (1.500) son producciones extranjeras -"casi todas de Hollywood; hay muy poco cine europeo y no he visto ninguna rusa"-, y apenas unas 500 son españolas. Entre ellas, mucho James Bond (Desde Rusia con amor incluida), Los Diez Mandamientos; Ben-Hur; El Padrino y Cabaret. Solo hay tres de Hitchcock.

Todo lo veía doblado al español, y las películas de culto que consumió en todos esos años se pueden contar con las dos manos: El manantial de la doncella, de Bergman; Las noches de Cabiria, de Fellini; El mensajero, de Joseph Losey; El Gatopardo y Luis II de Baviera, de Visconti, y Rashomon, de Kurosawa.

En muy menor medida, también se exhibieron, porque así consta en el estado de los cartoncillos de los programas, películas sin censurar. Apenas un 0,5%. Nueve en total: No hay tiempo para amar (Mitchell Leisen) y Loquilandia (H. C. Potter), ambas vistas en 1946; Alma en suplicio (Michael Curtiz, 1948); Carrusel napolitano (Ettore Giannini) y Ulises (Mario Camerini), las dos exhibidas en 1954; Fedra (Manuel Mur Oti, 1956); Feliz año, amor mío (Tulio Demicheli, 1958); Labios sellados (Karl Malden, 1959), y, cómo no, El Cid (Anthony Mann, 1961). En los tarjetones de los años setenta aparecen clasificadas con las categorías del momento: "Tolerada", "18 años...". Como mínimo, Caparrós ha encontrado una en la lista que estaba prohibida entonces: Cristóbal Colón, con Fredric March, que se exhibió en El Pardo en 1950. Con cinco años de retraso con relación a su estreno internacional, el 12 de enero de 1947, se pasaba Casablanca, a pesar de las referencias a la Guerra Civil española... Con los años, se aventura el investigador, "las películas eran más fuertes". "Están las del comunista Juan Antonio Bardem como Muerte de un ciclista, Calle Mayor y Cómicos, y también otras bastante polémicas, como Furia española, Pepita Jiménez...".

Los filmes llegaban a El Pardo enviados por las propias distribuidoras. "Facilitada por deseo expreso de Walt Disney para ser proyectada a SS EE", se lee en la tarjeta de la sesión del 26 de enero de 1952, la del filme La Cenicienta. Los dibujos animados del creador norteamericano eran cita obligada en las sesiones especiales que el caudillo montaba cercana la efeméride de su nieta María del Carmen, hija de los marqueses de Villaverde, como la que realizó el 26 de febrero de 1955, con siete películas de animación, entre las que estaban las aventuras de Tom y Jerry. El interés por el género del caudillo era muy grande. Como podría demostrar un comentario de Orson Welles -quien en una ocasión aseguró haber visto alguna-, Franco habría realizado películas domésticas de dibujos animados.

Otra sesión muy especial fue la del 3 de diciembre de 1950, donde el No-Do presentaba, por un lado, Marcha nupcial (Boda de la hija de S. E. el jefe de Estado) y, por otro, Viaje a Italia. Realizado por la Excma. Señora doña Carmen Polo de Franco, demostrando que la esposa también tenía veleidades cinematográficas. Amén de las correspondientes imágenes caseras, tras el descanso ese día se proyectaba La máscara de los Borgia, de Leisen, con Paulette Goddard.

De la logística de llevar y devolver las bobinas se encargaba personal del No-Do, de donde provenían también los operadores de la cabina, "que nunca fueron más de tres: Carlos Suárez, Antonio Ravenga (ambos fallecidos) y Jorge Palacio, aún vivo, pero muy mayor", contextualiza Caparrós. En cualquier caso, el estudioso es consciente de que Franco también debía mirar, solo, filmes delicados. Lo hace sospechar que entre los 2.094 largometrajes estén dos de Berlanga: ¡Bienvenido Mister Marshall! (este, sin estrenar, lo vio el 10 de febrero de 1952) y Calabuig. No aparece, sin embargo, El verdugo, que "consta que vio y le molestó sobremanera". Algo parecido sucedió con Viridiana, de Buñuel.

Es 1954 fue cuando la familia Franco vio más películas, 79, según el cuadro que ha confeccionado ya Caparrós y en el que se detecta un paulatino bajón en el número de proyecciones a partir de la década de los sesenta, que atribuye al impacto de la televisión. Aun así, en 1975, el año de la muerte de Franco, en El Pardo se proyectan 44. En la última sesión, del 26 de octubre, a menos de un mes de su fallecimiento, el documental ("en color") es Pasaporte para la paz, y el filme, El veredicto, de André Cayatte, con Sofhia Loren y Jean Gabin. ¿Un guiño de película?

(Publicado en El País, 21-VIII-2011, pp. 45-47)

CLINT EASTWOOD, EL ÚLTIMO CLÁSICO DE HOLLYWOOD, UN CINEASTA ACTUAL

2011-08-08T21:00:00.004+02:00

De actor de primera fila, Eastwood ha pasado a ser reconocido como uno de los directores de cine más importantes del momento, ofreciendo en plena madurez verdaderas obras maestras. Su filmografía, más allá del impacto comercial y con algunas excepciones, explora una amplia temática que no obvia la referencia a las cuestiones morales y trascendentes

El hecho de haber sido una estrella durante muchos años tiene
una gran ventaja para mí como director: no sentir la necesidad de estar
ante la cámara, de que el público me aprecie.

(Clint EASTWOOD, 2000)

Eastwood significa una gran esperanza para nosotros, los directores más jóvenes, porque ha hecho sus mejores películas tras cumplir los setenta años.

(Steven SPIELBERG, 2006)

El pasado 31 de mayo, Clint Eastwood cumplió 81 años. Nacido en San Francisco (1930), es el último clásico de Hollywood. Y, junto con el maestro Manoel de Oliveira (102 años), es uno de los cineastas más veteranos del Séptimo Arte.

Como el portugués Oliveira, quien acaba de estrenar la magistral El extraño caso de Angélica y que en sus postreros años ha realizado las mejores películas, Eastwood ha dado a luz en este nuevo milenio algunos de los grandes filmes de su dilatada carrera. Al mismo tiempo, este maestro norteamericano sigue siendo un cineasta actual. Pero repasemos antes su trayectoria artística.

Clinton Eastwood Jr. tiene sangre británica en sus venas: su padre era de procedencia escocesa; su madre, irlandesa. De familia modesta y religión protestante, sufrió la Depresión de los años 30, ejerciendo los mil y un oficios antes de encaminarse a la Meca del Cine. Eastwood comenzaría a trabajar en papeles menores con la Universal, hasta destacar en la serie televisiva Rawhide (1958-64), donde su apuesta figura (1,93 metros) se hizo popular. Sin embargo, no llegó al estrellato mundial hasta que emigró a Europa y protagonizó una trilogía paradigmática a las órdenes de Sergio Leone: los spaghetti-westerns rodados en Italia y España, Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), con la inolvidable melodía de Ennio Morricone.

Su papel de mercenario impasible y exterminador le dieron fama entre el gran público. De ahí que al regresar a Estados Unidos fundara su propia compañía: Malpaso Productions, con la cual también ofreció oportunidades a cineastas jóvenes (por ejemplo, Michael Cimino). No obstante, hasta que formó tándem con Donald Siegel, Clint Eastwood no alcanzó el reconocimiento internacional, con thrillers de la categoría de La jungla humana (1968), Harry el sucio (1971) y Fuga de Alcatraz (1979), junto a parodias western como Dos mulas y una mujer (1970), con Shirley MacLaine como antagonista. Sería Don Siegel quien le ayudó a modelar su célebre personaje –el “duro” inspector de policía Harry Callahan tuvo dos secuelas, Harry el fuerte (1973) y Harry el ejecutor (1976)–, que, en palabras del especialista Michael Henry, es “un individualista total, incluso bajo el uniforme de la ley y el orden, Eastwood revela por su violencia los impulsos de un ‘sistema’ tan hipócrita como podrido”.

De ideas conservadoras y acusado de neofascista en aquellos primeros años por su defensa a ultranza del American Way of Life y de los valores patrióticos estadounidenses –con la utilización enfática de la bandera–, así como por su anticomunismo explícito (Firefox, 1982), Clint Eastwood continuaría impertérrito su carrera profesional. Y el año 1971 debuta como director con un thriller muy original: Escalofrío en la noche, producido por Malpaso, al que siguió un western crepuscular: Infierno de cobardes (1973), barroca parábola sobre el poder no exenta de violencia. Estilo creador que tendría su culmen en la década siguiente, con El jinete pálido (1985), revisitación de un clásico de George Stevens, Raíces profundas (Shine, 1953), con reconocimientos a Sergio Leone, que produjo, realizó e interpretó con suma brillantez. De esa época es también su homenaje al músico de jazz Charlie Parker, que encarnó Forest Whitaker en Bird (1988); y su evocación del rodaje de La reina de África (1952), de John Huston, en Cazador blanco, corazón negro (1990). Pero en esos años, el hoy desaparecido maestro Orson Welles, declararía sobre su colega estadounidense: “Creo que Clint Eastwood actualmente es el director más menospreciado del mundo. Es tan sumamente auténtico en su rol de héroe/divo misterioso que no le toman en serio como director. Ante él, me quito el sombrero” (Orson Welles, 1982).

Con una filmografía muy extensa y algunas obras menores, que con todo consolidaron su presencia “física” entre sus numerosos fans, a pesar de su imagen algo estereotipada y decadente, en la década de los noventa Eastwood sorprendió con películas discutibles pero muy sólidas como realizador y actor: Sin perdón (1992), que intentó recuperar el género western homenajeando otra vez a Leone y a su maestro Donald Siegel y con la cual consiguió el primer Oscar de su carrera; Un mundo perfecto (1993), con Kevin Costner como coprotagonista; En la línea de fuego (1994), con John Malkovich como antagonista; la romántica Los puentes de Madison (1995), con Meryl Streep como partenaire... o los nuevos thrillers, por no seguir más, Poder absoluto (1997), para el que compondría la música, Ejecución inminente (1999), Deuda de sangre (2002) y Mystic River (2003), donde acomete el trágico tema de la pederastia, indaga en la inocencia perdida y bucea con crudeza sobre la gangrena de la violencia en la sociedad norteamericana, con la ambigüedad y el fatalismo que asimismo le caracterizan como autor. Protagonizada por Sean Penn y Tim Robbins, ambos ganarían los Oscar de interpretación.

En esa nueva época, Clint Eastwood tomaría partido por los soñadores –ya lo vimos mucho antes en sus cintas de espionaje (las comerciales El fuera de la ley y Ruta suicida), por aquellos “perdedores y marginados que huyen con la imaginación del fracaso de todos los valores” (Michael Henry, 1986), es decir, muestra el desengaño del American Dream.

Por tanto, será entre ese año 2003 y el 2010 –era ya septuagenario–, cuando Eastwood dirigir obras maestras como la citada Mystic River, ahora sólo detrás de la cámara, y Million Dollar Baby (2004), con la que ganó el segundo Oscar de Hollywood como director. Este filme hay que contemplarlo como una pieza artística de categoría, un clásico perfectamente realizado en sobrias imágenes, que juega con el corazón, el coraje y la experiencia que da la madurez, el cual dirige, interpreta y escribe nuevamente la partitura musical. Basado en un relato de F. X. Toole y con un milimetrado guión de Paul Haggis (Crash), Clint Eastwood vuelve a indagar en las heridas humanas y su persistencia con el tono atormentado y pesimista que también le singulariza: seres errantes, con amores no correspondidos, luchadores encadenados a un destino fatal, aspirantes a una vida mejor y siempre losers (“los ganadores están simplemente deseando hacer lo que los perdedores no hacen”, dice en el filme). Se trata de una amarga cosmovisión, donde encajan las heridas de los protagonistas, ésas que –como dirá asimismo Scrap (Morgan Freeman)– “nunca llegan a cerrar”: la ausencia del cónyuge en Frankie, que encarna el propio Eastwood (¿abandono o viudedad?, sólo sabemos que sigue rezando por su mujer); el olvido deliberado de su hija –(“¡cómo pesan los cientos de cartas devueltas, que nunca serán leídas!”); el casi irracional, escéptico y contradictorio refugio en el catolicismo como único asidero, plasmado en las conversaciones con el párroco (23 años asistiendo a misa); o el triste pasado que sufre la boxeadora Maggie (la “oscarizada” Hilary Swank), con el egoísmo y mezquindad de su familia. En fin, un panorama desolador del que esta pareja de solitarios mendigos de amor se rescatará mutuamente, siendo él el padre que ella hubiera deseado; y ella la hija que él añora. Destaca también en la película la amistad entre Scrap y Frankie, dos hombres que se quieren y se comprenden con solo una mirada. El tema de la eutanasia, que se plantea en el último tercio del relato, no cae aquí en la apología: Clint Eastwood pone las cartas boca arriba y nos plantea la situación con toda su crudeza, mostrando las consecuencias morales de su decisión, el dolor y la culpa que se desprende de ese condenable acto, así como la situación angustiosa y desesperada que puede llevar a tomar tal decisión, pero nunca intenta justificarla. Es más, en las entrevistas por la polémica generada, Eastwood se manifestó contrario a la eutanasia.

Seguidamente, este veterano maestro daría a luz una nueva lección de cine: su gran díptico bélico Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima (2006), que sin duda figurará entre las mejores películas del género. En el presente período, Clint Eastwood ya había evolucionado ideológicamente –hoy es un liberal estadounidense– y como exalcalde de Carmel (California), con estas dos grandes películas sobre la histórica batalla de Iwo Jima (acaecida en febrero-marzo de 1945) critica la política belicista del entonces presidente Bush. Aunque algunos entendidos han considerado superior artísticamente la visión japonesa del evento, personalmente me parece de mayor calado la primera parte. En Banderas de nuestros padres, Eastwood brinda una puesta en escena próxima a Salvar al soldado Ryan (1998), casi homenajeando a su productor, Steven Spielberg, pero sin incidir tanto en las escenas bélicas. Arranca con la famosa foto de Rosenthal, colocando en la bandera en la colina, y muestra como ese Premio Pulitzer del fotoperiodismo fue manipulado y utilizado en una operación de marketing para vender bonos de guerra y levantar el ánimo de los estadounidenses durante la segunda conflagración; un pueblo que tenía que sufragar los gastos bélicos y un gobierno que debía justificar sus héroes muertos (entre heridos y desaparecidos, 25 mil), que concluiría con la resistencia fascista del Frente del Pacífico, precisamente con las dos bombas atómicas que pusieron fin a la II Guerra Mundial.

En la segunda parte, Letters from Iwo Jima, en cambio, se explica la batalla desde la perspectiva japonesa: el Imperio nipón perdió en ese enfrentamiento 22 mil hombres, sólo sobrevivieron 216. Perfectamente fotografiada, casi en blanco y negro, con planos apagados para ofrecer las explosiones y el fuego impactante en todo su colorido, Clint Eastwood parece más abierto aquí a la esperanza del futuro, con esta revisión y evocación crítica del pasado. Y vuelve a interrogarse sobre temas muy presentes en la opinión pública: ¿Está justificada la guerra? ¿Nos hace mejores la confrontación bélica y la violencia?

Con todo, todavía más perfecta resulta El intercambio (2008), una de las obras mayores del maestro norteamericano. Basada en otra historia verdadera (un suceso acaecido en Los Ángeles a finales de los años 20 y mitad de los treinta), combina el melodrama criminal con el cine de acción judicial, la intriga policíaca con adecuadas dosis de suspense dentro de la mejor narrativa clásica, heredada de sus maestros John Ford y Howard Hawks.

Magistralmente interpretada por Angelina Jolie –Eastwood vuelve a estar sólo detrás de la cámara y cuida la composición musical–, ofrece un agudo estudio de mentalidades y de la misma sociedad estadounidense, al tiempo que toca problemas como la lucha individual, la corrupción de los organismos de poder, el abuso de menores, la demencia y la pena de muerte, por otra parte constantes de su cine. Sin caer en el efectismo emocional de otras películas ni el la ambigüedad moral que le singulariza, opta por una puesta en escena clásica, academicista, perfecta formalmente, logra una intensa atmósfera dramática y una espléndida recreación histórica de ese período retro, a la vez que pone de manifiesto toda la crisis de valores sociales y morales (es importante aquí el personaje que interpreta John Malkovich), paralela a la Gran Depresión económica que ocasionó el crack del 29.

Aun así, el mismo año 2008 Clint Eastwood anunció su despedida como actor. Y dirigió e interpretó por última vez otro filme significativo: Gran Torino. No tan redonda como la anterior, esta película es una revisión crítica –o autocrítica, mejor– de su popular personaje: Eastwood parece ajustar cuentas con el pasado de su biografía cinematográfica a través de este relato de perdedores, que precisamente ha sido su filme más taquillero, debido a su valentía y franqueza en tocar temas de gran hondura humana y existencial. Su nuevo fresco sociopsicológico y moral, a modo de parábola, trata de la identidad de los individuos, de los grupos y de los pueblos, por medio de la tragedia del protagonista, el inmigrante polaco Walt Kowalski –otra vez un católico descreído–, obrero jubilado y viudo, que se refugia en el pasado histórico (ahora la Guerra de Corea, 1950-53) y no comprende el cambio multicultural de su barrio de Detroit, invadido en este milenio por orientales, latinos y afroamericanos. Acaso su personaje evoca cómo hubiera sido el 'duro' Harry Callahan de viejo, y hace examen de conciencia, se inmola y pide disculpas también al espectador. Dos años antes de realizar este filme, el propio Eastwood manifestaría: “No estoy haciendo penitencia por todos los personajes de películas de acción que he interpretado hasta ahora. Pero he llegado a una etapa de mi vida, hemos llegado a una etapa de nuestra historia, en la que creo que la violencia no debería ser una fuente de humor o entretenimiento.” (Clint Eastwood, 2006).

Gran Torino trata, con enorme realismo y cierta crudeza no exenta de sentido del humor, temas tan trascendentes como la redención y la necesidad de perdón, el choque cultural y el cambio de costumbres, las relaciones familiares dificultosas, la violencia de las pandillas o bandas de inmigrantes. Todo ello a través de un análisis de mentalidades muy bien dibujadas –también en personajes secundarios–, con un ritmo ágil pero no trepidante, para que el espectador viva y se integre en la historia; una historia que tiene visos de universalidad. Pero el maestro Eastwood también se redime con respecto a su antigua actitud sobre el gobierno de su país: cuando se confiesa al final, sólo se acusa de infidelidad a su esposa, de no haber sabido educar a sus hijos y engañado una vez al fisco. Pero no se acusa de haber matado en la guerra, porque fue el Pentágono quien le mandó ir a combatir en Corea.

A esta película testamentaria le seguiría el biopic sobre Nelson Mandela, Invictus (2009), de nuevo Morgan Freeman como el líder anti-apartheid, y la también trascendente Más allá de la vida (2010), con Matt Damon como protagonista, que apunta tímidamente la existencia del Más allá.

En definitiva, este gran actor, director y productor, además de compositor, está dando en plena madurez una lección del mejor cine. Clint Eastwood es, sin duda, un self-made man, que no sólo sigue en forma como autor, sino que con sus películas ofrece un profundo estudio de mentalidades y retrata con creces la sociedad estadounidense de ayer y hoy. Por eso, a los 81 años y con 73 películas en su haber, es un cineasta totalmente actual.

(Publicado en Nueva Revista de Política, Cultura y Arte, núm. 134, 2011, pp. 175-184)

EL CINE ESPAÑOL DURANTE LA GUERRA CIVIL

2011-07-18T10:00:00.000+02:00

Este 18 de julio se cumple el 75 aniversario del estallido de la Guerra Civil española (1936-1939). La Universidad de Barcelona lo ha conmemorado con un curso de verano dedicado al cine

De 1936 a 1939, la cinematografía española estuvo marcada por los acontecimientos políticos y bélicos que se desarrollaron en nuestro país. Ahora que se cumplen setenta y cinco años del comienzo de la Guerra Civil, resulta oportuno ofrecer un balance de esta evolución del cine tanto en el bando republicano como en el nacional.

Cuando estalló la guerra, la cinematografía gozaba en España de una época de cierto esplendor. A lo largo de las temporadas 1934-35 y 1935-36, durante el bienio radical-cedista y el Frente Popular, se había dado la denominada “edad de oro” del cine español.

Sin embargo, la división del país en dos zonas acabaría con la naciente industria cinematográfica española –levantada por la iniciativa privada y sin ayuda de los diversos gobiernos de la II República, que la gravaron con cargas fiscales–, al imponerse los intereses partidistas por encima de los artístico-culturales. El cine se pondría al servicio del conflicto bélico, y los filmes serían utilizados por los partidos políticos y las centrales sindicales para la difusión de sus idearios.

La producción no paró durante los años bélicos; pues, aunque hubo una tremenda disminución en torno a los largometrajes –de mayor costo y dificultad productiva por la guerra–, no fue así en relación con los documentales y noticiarios, los cuales ofrecían mayores posibilidades de propaganda y facilidades creadoras.

Con todo, las productoras tradicionales siguieron funcionando, no sólo en la llamada España nacional, sino en el extranjero; especialmente en la Alemania nazi. Mientras que en la denominada zona roja, se lanzaron a la realización de un cine proletario, producido bajo el auspicio económico de los sindicatos y de los partidos o grupos políticos republicanos y con los programas de cada cual. Una labor que, por supuesto, sería “contestada” fílmicamente por sus antagonistas del Gobierno de Burgos. Tales producciones, tan breves como directas, prolíficas y de fácil efecto en el público, abundaron por las pantallas españolas, a modo de cuñas propagandísticas de diversos colores. Los máximos productores republicanos fueron la CNT-FAI, el PCE y la Generalitat de Catalunya.

Por tanto, en este período bélico se consolidó el movimiento documentalista de la preguerra; cuyas producciones, si bien adolecían en su mayoría de falta de calidad estética –dado el inmediato utilitarismo político–, testimoniaron con creces una situación extrema y límite de nuestra historia.

Constatamos aquí los datos establecidos por el especialista Magí Crusells (La Guerra Civil española: cine y propaganda, Barcelona, Ariel, 2000, p. 56), basado en el catálogo de Alfonso del Amo, donde se ofrecen unas cifras aproximativas de las películas documentales y de ficción producidas durante el conflicto: 1936: 66 películas producidas en la zona republicana; 11 películas en la zona nacional. 1937: 210 zona republicana; 25 zona nacional. 1938: 80 España republicana; 22 España nacional. 1939: 4 republicanas; 35 nacionales. Total: 360 filmes republicanos; 93 filmes nacionales.

Al término de la Guerra Civil española, cuando el Ejército franquista alcanzó sus últimos objetivos militares, en el mundo del cine también se produjo un movimiento migratorio hacia otras naciones. Exilio que influiría en el cambio de perspectivas entre la preguerra, los años 1936-39 y la época posterior.

De ahí que la industria cinematográfica española empezara a resquebrajarse y se desmantelara con la primacía de la contienda fratricida; ya que la política de partidos del período 1936-1939 sólo pensó en utilizar los filmes como medio de influencia ideológica y de propaganda política. Con ello, no pudo consolidarse la infraestructura del cine español, a fin de que nuestra incipiente industria perdurase tras la Guerra Civil, “ganara” quien ganara.

(Publicado en ABC, 18-VII-2011; http://www.abc.es/especiales/guerra-civil/reportajes/cine.asp)

14 PELÍCULAS RECOMENDADAS PARA ESTE VERANO'2011

2011-07-04T00:21:00.003+02:00

Como todos los años, ahí va la lista de filmes que recomiendo para disfrutar en la época estival (clasificados por orden alfabético):

El castor (USA, 2011). Dtora.: Jodie Foster, con Mel Gibson y Jodie Foster. Color - 91 min.
Nueva realización de la actriz y directora Jodie Foster, muy bien interpretada por un recuperado Mel Gibson. Plantea temas de gran calado moral y existencial. Es un drama intimista, que reivindica el cariño familiar.

De dioses y hombres (Francia, 2010). Dtor.: Xavier Beauvois, con Lambert Wilson y Michael Lonsdale. Color - 120 min.
Una de los más importantes filmes religiosos de esta temporada, que ha batido récords en el país vecino. Narra el histórico asesinato de siete monjes cistercienses en la Argelia contemporánea por un terroristas islámicos, en 1996. Gustará más al público mayor.

El discurso del rey (GB, 2010). Dtor.: Tom Hooper, con Colin Firth y Geoffrey Rush. Color - 118 min.
Otra modélica película histórica británica, que relata un episodio de la vida del rey Jorge VI, y de cómo superó la tartamudez al llegar al trono. Gran interpretación. Obtuvo los principales Oscar de este año.

Encontrarás dragones (España-USA-Argentina, 2011). Dtor.: Roland Joffé, con Charlie Cox y West Bentley . Color - 117 min.
Original biopic de los primeros años de San Josemaría Escrivá, ambientado en la Guerra Civil española y en la época actual. Muy bien interpretado y dirigido, trata primordialmente del tema del perdón.

En un mundo mejor (Dinamarca, 2010). Dtora.: Susanne Bier, con Mikael Persbrandt y Trine Dyrholm. Color - 113 min.
Esta impresionante película obtuvo el Oscar de Hollywood al Mejor filme de habla no inglesa. La antigua directora del movimiento Dogma 95 ha realizado una pieza de hondura sociopsicológica, que hará reflexionar al público intelectual.

El estudiante (México, 2009). Dtor.: Roberto Giraud, con Jorge Lavat y Norma Lazareno. Color - 95 min.
Se trata de una simpática comedia mexicana, que ha batido récords de taquilla y premios en su país. Con grandes valores humanos, toca temas de candente actualidad. Espléndida interpretación del septuagenario Jorge Lavat.

Más allá de la vida (USA, 2010). Dtor.: Clint Eastwood, con Matt Damon y Cécile de France. Color - 129 min.
Nueva realización del maestro Clint Eastwood, ahora sólo detrás de la cámara, que apunta tímidamente la existencia del Más Allá. Es otro thriller perfectamente dirigido por el último clásico de Hollywood.

Midnight in Paris (USA-España, 2010). Dtor.: Woody Allen, con Owen Wilson y Marion Cotillard. Color - 100 min.
Magistral película de Woody Allen, coproducida por Mediapro y rodada en la capital francesa, que evoca también el París de los años 20 del siglo pasado y la Belle époque. Gustará más a los fans del cómico norteamericano y a los cinéfilos.

El rito (USA, 2009). Dtor.: Mikael Hafström, con Anthony Hopkins y Colin O’Donoghue. Color - 114 min.
Impactante thriller demonológico, basado en hechos y personajes reales. Es una película sobria -lejos del estilo del célebre El exorcista-, que pone en evidencia la existencia del diablo.

También la lluvia (España, 2010). Dtora.: Icíar Bollaín, con Luis Tosar y Gael García Bernal. Color - 104 min.
Importante película autóctona -sin duda, la mejor del pasado año-, que evoca la Colonización española a través del rodaje de un filme en Bolivia, en plena Guerra del Agua (enero de 2000).

El último bailarín de Mao (Australia-USA-China). Dtor.: Bruce Beresford, con Chi Cao y Bruce Greenwood. Color -117 min.
Brillante biopic del bailarín Li Cunxin, que reconstruye la Dictadura comunista China, la época post-Mao y la América capitalista actual. Bien interpretado, posee escenas de ballet fascinantes.

Valor de ley (USA, 2010). Dtores.: Joel y Ethan Coen, con Jeff Bridges y Matt Damon. Color - 110 min.
Remake de un clásico del Oeste, de Henry Hathaway (1969), que había proporcionado el Oscar de Hollywood a John Wayne. Ahora es el hoy veterano Jeff Bridges quien incorpora el ex pistolero del ojo tapado. Para amantes del género western.

Vivir para siempre (España, 2010). Dtor.: Gustavo Ron, con Alex Etel y Ben Chaplin. Color - 95 min.
Segundo largometraje del cineasta español Gustavo Ron (Mia Sarah), rodado en Gran Bretaña y con actores ingleses. Trata con gran originalidad el tema de la muerte de un niño afectado de cáncer. Obtuvo el Premio Cinematográfico “Familia” 2010.

Wall Street: El dinero nunca duerme (USA, 2010). Dtor.: Oliver Stone, con Michael Douglas y Josh Brolin. Color - 127 min.
Segunda parte de Wall Street (1987), del mismo Oliver Stone, ahora centrada en la crisis económica y moral de nuestros días. Resulta bastante ilustrativa sobre el funcionamiento de las finanzas en este nuevo milenio. Para los más cinéfilos y economistas, cabe recomendarles también el documental Inside Job.

¡Y buen verano, a mis seguidores en este blog!

EL CINE, FOTO DE CAMPAÑA

2011-06-27T10:00:00.003+02:00

Los llamaron los actores “de la ceja”, los “amigos de Zapatero”. Mucho se dijo de todos ellos cuando en 2008 apoyaron la candidatura del actual presidente mediante una icónica campaña de gestos y símbolos –‘la ceja’ entre ellos– y todavía hoy se recuerda con admiración, desdén y humor a partes iguales. Es el posicionamiento político de los artistas españoles, una práctica común y humana que no siempre tiene el visto bueno de la audiencia

Con este texto comienza su artículo de Cynthia M. Price, estudiante de Periodismo de la Universidad Miguel Hernández, quien me ha vuelto a entrevistar para la revista digital InCinema. Cine desde dentro, ahora sobre un tema de actualidad política, junto a otros especialistas españoles. Reproduzco las respuestas completas al cuestionario que me envió esta colega.

Por C. M. PRICE

- Durante las generales de 2008 muchos artistas españoles apoyaron a un determinado bando político. ¿Cómo cree que puede afectar esto a la campaña del partido?

- No me parece que el apoyo a determinado bando político -los artistas habitualmente son de izquierdas- pueda afectar a la campaña del partido, en este caso el PSOE.

- ¿Cómo cree que puede afectar a la carrera o consideración del profesional?

- Como los artistas -léase cineastas, actrices y actores- no son nada conservadores, ese apoyo no afectará a sus respectivas carreras.

- En la época franquista el posicionamiento político de actores y directores de cine ya existía, aunque en un ámbito y de una forma completamente distinta. ¿Cómo afectaba o qué cambiaba en aquel entonces el que un profesional del cine hiciese pública su opinión política? ¿Cómo se compara este efecto al de hoy día?

- Durante la Dictadura franquista, la mayoría de profesionales del cine era gente afecta al régimen, si querían trabajar. Y si hacían pública su opinión política, siempre era a favor del sistema. Además, contaban con las subvenciones del Estado. Un “mal endémico” que no se ha corregido en la España democrática; pues las películas las “pagan” también los ciudadanos españoles.

- ¿Por qué se posicionaba un actor o director antes, en comparación al por qué lo hacen ahora?

- La Guerra Civil había “marcado” hondamente al país. Por tanto, había que estar al lado de los “vencedores” -léase Movimiento Nacional, Falange Española-. Ahora se pueden criticar los defectos de la democracia, y no pasa nada.

- Tras salir de la dictadura, muchos artistas se prestaron a hacer público su apoyo político a un determinado bando, mediante mítines o anuncios en televisión.

- ¿Por qué lo hicieron? ¿Era una forma de decir que ya no había represión o una forma de publicitar los nuevos partidos de la democracia?

- La oposición -que también existía antes, en forma de disidencia interior- pudo hablar sin temor a ser encarcelada o marginada por desafección al régimen de Franco. Se inició, pues, una etapa de libertades, donde cada uno podía hablar libremente sobre lo que pensaba. Por ejemplo, Juan Antonio Bardem -el tío del famoso actor, Javier Bardem-, que había pertenecido al Comité Central del PCE, realizó películas políticas tan “comprometidas” como Siete días de enero, sobre la matanza de Atocha de abogados laboralistas por parte de la ultraderecha. O el también desaparecido Luis García Berlanga -asimismo con problemas de censura durante la dictadura- pudo realizar “sátiras democráticas” sobre cierta realidad española.

- En aquel momento muchos actores se posicionaron por igual a favor de bandos completamente distintos. No obstante, en el presente, parece que sólo uno de todos los partidos recibe el apoyo de los artistas. ¿Es porque realmente dicho partido es el único al que son afines los artistas españoles o porque existe un cierto temor a revelar que se opina diferente o se pertenece a uno de tantos otros partidos en España?

- No es del todo verdad que muchos actores o profesionales del cine se posicionaran por igual a favor de ambos bandos. Como he dicho antes, la mayoría están sólo a la izquierda. Y el tema de las subvenciones es general para todos -mientras se cumplan unos trámites burocráticos-; pues éste es uno de los grandes “males” del cine español, que ha heredado la actual democracia. Es posible que funcionen los “amiguismos” o simpatías ideológicas en este tema, como funcionaron antaño en la época dictatorial.

- ¿Qué visión considera que tiene el público sobre los actores que muestran una determinada preferencia política?

- El gran público tiene el concepto -heredado de la Guerra Civil y de la derecha- de que todos los actores son “rojos”. Y eso tampoco es del todo verdad. Son gente que no comulga con determinada forma de ver la vida, o con la política conservadora. Nada más.

- En otros países, como EEUU, este apoyo político sucede de forma constante pero en especial durante las últimas elecciones. De este modo, a veces son los propios artistas quienes financian o empujan la campaña de un candidato. ¿Cree que en España nos hemos “copiado” un poco de este fenómeno estadounidense? ¿o es característico de nuestra propia cultura?

- La realidad española es tan distinta de la norteamericana, que en rigor no cabe -o así me lo parece- esta comparación. Ellos son demócratas de toda la vida; nosotros, de anteayer.

- En marzo de 2010 el actor Willy Toledo hizo declaraciones sobre su apoyo al gobierno cubano, aludiendo a los presos políticos como delincuentes – incluyendo a Orlando Zapata, fallecido en una huelga de hambre. Este apoyo suscitó una fuerte polémica y un linchamiento mediático del actor. ¿Cual es o fue su opinión al respecto de este caso?

- Hace tres años, estuve en La Habana como miembro del Jurado del Festival de Cine Iberoamericano, y fui “espiado” por el Gobierno castrista. No digo más.

- ¿Considera que hay apoyos políticos inapropiados o apoyos de los que no se debería hablar aunque se crean?

- Ahora bien, en Cuba tienen “apoyos” que han dado lugar a una de las mejores escuelas de cine del mundo, en San Antonio de los Baños, que me mostraron amablemente los directivos del Festival.

- Para cerrar, un pronóstico: ¿Qué cree que puede pasar en las próximas elecciones generales en cuanto a este tema?

- Como no soy profeta, no puedo aventurar nada. Pero como España está arruinada por la crisis económica -que también es ética-, es posible que se rebajen las subvenciones estatales; sobre todo, si la derecha llega al Gobierno. Aun así, pienso -como gran parte de la opinión pública- que se producen demasiadas películas autóctonas, las cuales no siempre se estrenan; ya que las pantallas están “colonizadas” por el cine estadounidense.

(Cfr. el artículo completo, en InCinema, 10-VI-2011).

¿ES EL CINE UN TESTIMONIO DE LA HISTORIA?

2011-06-16T22:41:00.005+02:00

Si le preguntamos a José María Caparrós Lera, profesor de la Universidad de Barcelona desde 1982, Doctor en Filosofía y Letras, Catedrático de Historia Contemporánea y Cine, la respuesta será: “Por supuesto, pues las películas reflejan las mentalidades contemporáneas y son un retrato de la sociedad del tiempo en que han sido realizadas”

Por C. M. PRICE

Hablamos, pues, de mentalidades y retratos, de fotogramas que expresan y testifican por la historia de un país al que la gran pantalla llegó en 1896 – un año después de la proyección de los hermanos Lumiere, la primera de la historia.

El cine en España es un documento histórico que representa más de un siglo de su historia, sociedad y cultura – desde las humildes proyecciones del cine mudo hasta las grandes producciones que pasan por la actual alfombra roja. Hemos tenido tanta historia como cine y tantas películas como testimonios que contar.

Nos remontamos a 1896, año en el que no sólo se proyectaron las primeras exhibiciones cinematográficas, sino que también se rodó la primera película española (Salida de la misa de doce de la Iglesia del Pilar de Zaragoza). Es desde este año hasta 1914 que España ve florecer su industria cinematográfica, ampliamente basada en Barcelona y Madrid y donde empiezan a destacar las adaptaciones de obras teatrales y zarzuelas.

No obstante, en 1931, el cine español sufre un traspié causado por la llegada de las producciones sonoras extranjeras. Puestos a no sufrir el descalabro, Manuel Casanova funda la Compañía Industrial Film Española (CIFESA) – la que será la productora más importante del país. Ese año se ruedan 6 películas y para 1934 se habían rodado 21 películas, incluyendo el éxito La verbena de la Paloma (ver fotograma).

“Como defendí en mi tesis doctoral en 1980, el cine de la Segunda República española constituyó la época dorada del cine español. Porque conectó con la gente del período y reflejó bastante bien la problemática de los años treinta. Además, coincidió con el principio de cine sonoro y fue el nacimiento de la industria (luego, prácticamente frustrada) en nuestro país,” comenta José María Caparrós. Y es que por mucho que digan algunos, la cinematografía de la Segunda República prometía muchos más éxitos de no haberse abortado esta evolución al comenzar de la Guerra Civil.

Como en todos los conflictos, durante la Guerra Civil española el cine se utilizó como una herramienta de propaganda y una vez dentro del nuevo régimen, se añade a la propaganda la que será la lacra que retrase al cine hasta los años de la democracia: la censura.

Se censuraron las películas con destape o con temas no afines al régimen y se impuso la obligatoriedad de traducir al castellano todas las producciones extranjeras. El cine español se convirtió en una forma de legitimar un régimen que se había instaurado a la fuerza y había que demostrar, de algún modo, que no había muerto lo que empezó en la Segunda República.

“El cine de la Segunda República española constituyó la época dorada del cine español”, afirma Caparrós. En su propia forma de evolución, el cine español pasó por varias etapas: “El largo túnel de la Dictadura franquista tuvo varias etapas: la autarquía, donde se realizó un cine de propaganda y exaltación nacional; los años 50, que tuvo lugar un giro social a través de las películas de los maestros Berlanga y Bardem; la década de los sesenta, cuando nació un movimiento renovador llamado Nuevo Cine español –aunque promovido desde el Gobierno de la España del Desarrollo–, si bien de alcance más costumbrista que político. Y se cerró con la crisis del los últimos años del sistema, con el fenómeno del “destape” y la denominada tercera vía, junto al cine crítico de algunos autores (Carlos Saura, Víctor Erice, Jaime de Armiñán)”

Añade Caparrós que pese a que durante estos años se perdió la frescura y la popularidad del período anterior, también se ganó, en algunos casos, en reconocimiento internacional, con premios en festivales más allá de las fronteras españolas.

Y bien es cierto, ya que, irónicamente, es durante el franquismo que surgen algunas de las iniciativas más notables – y perdurables – del cine español: en 1953 nace el Festival de Cine de San Sebastián y en 1956 tiene lugar la primera Semana Internacional de Cine de Madrid. Seis años más tarde, en 1962, José Mª García Escudero ocupa de nuevo la dirección general de Cine, desde donde impulsa la Escuela Oficial de Cine – centro del que saldrán varios directores de renombre e inclinaciones izquierdistas.

En relación a esto, José María Caparrós afirma que estas iniciativas vinieron del ánimo de abrirse al exterior y, también, de la denominada “izquierda del franquismo”, que estaría representada en la cinematografía por el referido García Escudero, un general y jurista del Ejército, que intentaría “democratizar” el cine español de la Dictadura.

“Este entendido -continúa Caparros, refiriéndose a García Escudero- fue llamado por segunda vez a colaborar desde la Dirección General, y se le considera el “padre” de la nueva ola española –el antes mencionado Nuevo Cine español de los 60–, también impulsando a la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC), de Madrid, de donde salieron bastantes directores opositores al franquismo. Ese llamado “despotismo ilustrado” sería clave para dar una imagen de apertura de cara al extranjero, ya que asimismo estableció unas normas de censura más abiertas que las arbitrarias de los años anteriores.”

Con dicho despotismo ilustrado se llegó a la democracia y con ella a la supresión de la censura. Fue a partir de este momento cuando el cine español aceleró su proceso evolutivo, aunque quizá no siempre en la mejor dirección.

“En los primeros años se realizó un cine revanchista, sin matices, para pasar a un cine del desencanto en la primera etapa socialista,” dice Caparrós sobre un cine que hasta ahora, con el creciente fenómeno del cine español, no ha sabido bien cómo conectar con las preocupaciones de los españoles.

Con la democracia se abandona el cine al servicio del sistema y se empiezan a ver películas de diversas lenguas, más variadas y ricas en matices. Se empiezan a conocer nuevos artistas y directores, se hacen colaboraciones extranjeras y, por supuesto, se comienza a recibir premios y galardones bien merecidos por el cine nacional.

De hecho, en el presente, España es el país no-estadounidense que más galardones ha obtenido desde 1978. Una buena señal para el cine español que, sin embargo, y según José María Caparrós, no consigue despegar.

“Aquí hay menos dinero y, acaso, talento. Y la posición que ocupamos en el mundo –pese al prestigio de España– es pobre, ya que estamos “colonizados” por el cine norteamericano,” afirma el historiador.

No ayuda a esta empresa la extendida concepción social de que el cine español es siempre “guerra-civilista” o de “humor barato” – un concepto en el que Caparrós se pone de acuerdo con el público.

“Se ha abusado en estos años de democracia del tema de la Guerra Civil española –una herida todavía sin curar– y de la comedia barata. El espectador quiere que se le hable de temas con enjundia, y no de un trauma del pasado, ni de las frivolidades de cierta vida cotidiana. Los cineastas tendrían que apuntar más alto, y no tratar al público –como hace la Televisión– como subnormal,” sentencia, firme.

No es, quizá, lo mejor que ha dejado la historia española en el cine actual, lo cual no resta, de ninguna forma, el legado que dejaron las películas creadas en aquel tiempo. Como dice el historiador, resultan más interesantes, como fuente histórica, las películas producidas en el período que reconstruyen –rodadas en su tiempo– que las actuales. “Por la sencilla razón de que las primeras no tenían intención de “hacer Historia”, y con el tiempo son fuentes de gran valor sociológico y antropológico; mientras que las de reconstitución están mediatizadas por la visión de la época en que han sido realizadas, y muchas veces son poco o menos rigurosas.”

Con todo, el cine español tiene un porvenir difícil, lleno de retos y de la necesidad de renovarse, de encontrar mejores fuentes de financiación y de competir en un mercado dominado por los Estados Unidos.

Cuestionado sobre el futuro del cine nacional, José María Caparrós hace una reflexión poco optimista pero esperanzadora:

“El año 2010 ha bajado mucho la taquilla. Y el 2011, subirá enteros por Torrente 4 en 3D. Ahora bien, hay firmas de categoría y un público joven e intelectual que le respalda y aún confía en él. Además, para eso estamos los historiadores del cine español de nuestros amores (y dolores). ¡Y vosotros, los buenos aficionados!”

Habrá que sentarse en la butaca y esperar a ver.

(Publicado en InCinema. Cine desde dentro, http://revistaincinema.wordpress.com/)

WOODY ALLEN, FASCINADO POR PARÍS

2011-05-21T14:32:00.009+02:00

El más famoso cómico neoyorquino, acaba de estrenar su última película, Midnight in París (2011), que ha sido recibida con enorme éxito aquí, en Estados Unidos y allende las fronteras

Francamente, me ha encantado esta nueva comedia romántica de Woody Allen, otra vez solo detrás de la cámara. Si con Vicky Cristina Barcelona (2008), se estrelló artísticamente, con la presente realización ha confirmado su maestría como autor. Se nota que entiende más y ha captado mejor a los parisinos que a los barceloneses.

No obstante, como en aquel primer filme coproducido por Jaume Rores (Mediapro), Allen ofrece más la visión que tienen los norteamericanos de la cultura europea y de sus gentes; al tiempo que evidencia los defectos de sus compatriotas. En Midnight in Paris hace hincapié en los años 20 del siglo pasado y, al final, en la Belle époque. La capital de Francia –que ya había “protagonizado” su película Todos dicen I love you (1996)– sale mucho mejor retratada que la Ciudad Condal; aunque también se ofrezcan “tarjetas postales” animadas en su prólogo, pero que sirven para introducir al espectador en la fábula.

Aun así, sólo ha hecho una concesión: la intervención de la hoy primera dama Carla Bruni como figurante, en ese pequeño pero logrado papel (3 minutos) de guía turística.

Con todo, dejemos que nos hable el propio Allen sobre su voluntad de expresión: “Disfruto mucho presentando París al público tal y como la veo. Como con Nueva York, que yo la presento de una forma y otros directores de otra, alguien podría venir y rodar París de forma completamente distinta. Yo quiero presentarla a mi manera, proyectando mis sentimientos sobre ella. Supongo que siempre habrá temas oscuros en mis películas –añadió el cineasta estadounidense–, pero en esta película, la verdad es que no los trato, son temas menores. El tono y el énfasis de Midnight in Paris es más romántico y ligero”.

Ciertamente. Pero también toca como de pasada dos de las tres constantes que le obsesionan sobremanera: la muerte-Más allá y el sexo-amor; mostrando una vis más cómica que trascendente –dentro de un tono hedonista, nostálgico y sentimental–, si bien puede lograr la reflexión íntima del espectador intelectual; especialmente, con el discurso de Hemingway en el coche, donde habla de la perduración de la vida a través del amor. Porque, ante todo, su nueva obra es un filme intelectual, que gustará no solo a los fans de su cine, sino también al gran público más agudo.

Calificada por algunos colegas como una obra menor, no me parece acertada esta calificación. Para mí se trata de una de las películas más entrañables, inteligentes y originales que Woody Allen ha realizado en este nuevo milenio. Igual se manifestaría un exigente colega catalán: “El tono ligero y sin pretensiones y la originalidad de la idea (que da juego a muchos gags) convierten a Midnight in Paris en uno de los mejores filmes del director neoyorquino de los últimos años.” (Bernat Salvà, “Embruixat per París”, en Avui, 12-V-2011).

Perfectamente protagonizada por Owen Wilson –nuevo alter ego de Allen, a quien saca enorme partido– y Rachel McAdams, cuenta con una gran creación de la “oscarizada” Marion Cotillard (La vie en rose), en el papel de Adriana –la antigua modelo de Picasso– y un sinfín de interpretes que encarnan a personajes tan célebres como Gertude Stein, Salvador Dalí, Francis Scott Fitzgerald y su esposa Zelda, Ernest Hemingway, Joséphine Baker, Man Ray, Pablo Picasso, Cole Porter, Matisse, Gauguin, Toulouse-Lutrec, el torero Belmonte o Luis Buñuel. Sobre éste, Woody Allen concibe un gag muy ingenioso cuando el protagonista le sugiere el argumento de El ángel exterminador y el maestro del surrealismo en imágenes no entiende el porqué.
Asimismo, en su homenaje a la histórica capital europea, también pone en tela de juicio la idealización y el escapismo hacia el pasado al que tendemos las personas. Pienso que Allen es un gran conocedor de los sentimientos y de la psicología humana.

Rodada en escenarios naturales tan representativos como la librería Shakespeare & Co., los jardines de Monet en Giverny, el palacio de Versalles (jardines y Salón de los Espejos), los museos de l’Orangerie, Rodin y de las Artes Feriales, el mercado Paul Bert, la calle Montagne de St. Geneviève, la plaza del Jardín de Notre-Dame, el muelle de la Tournelle, el puente de Alexandre III, Maxim’s o los restaurantes Le Grand Véfour, Les Lyonnais y Vapérouse, por no citar más, que son una gozada para el espectador, pues evocan el esplendor y la vida de otros tiempos. Se trata, como ha declarado el propio director y guionista, una “carta de amor a París”.

En fin, que vale la pena deleitarse contemplando esta penúltima y surrealista cinta de Woody Allen, próxima al estilo onírico de La rosa púrpura de El Cairo (1985); pues el cineasta de Manhattan ya prepara otra película en Europa, ahora en Roma y con Penélope Cruz como intérprete, junto a Roberto Benigni, Alec Baldwin y Ellen Page. A sus 75, continúa en plena forma como autor.

NUEVO CATEDRÁTICO DE CINE EN LA UB

2011-05-05T10:22:00.012+02:00

José María Caparrós Lera -informa el boletín de CinemaNet- acaba de ganar por oposición la cátedra de Historia Contemporánea y Cine de la Universidad de Barcelona.

Desde CinemaNet queremos felicitar con todo cariño a nuestro vicepresidente por esta cátedra, que viene a reconocer años de esfuerzo y trabajo en favor del cine

Un tribunal formado por cinco catedráticos de distintas Universidades españolas otorgó por unanimidad la cátedra de Historia Contemporánea y Cine de la Universitat de Barcelona al historiador José María Caparrós Lera, profesor de la UB desde 1982 y que ejerció la crítica cinematográfica desde el año 1965.

Discípulo de Miquel Porter –primer catedrático de cine en la UB–, Ángel Luis Hueso y Marc Ferro, creó la asignatura “Història Contemporànea i Cinema” en el curso académico 1995-96, aprovechando un cambio del plan de estudios del Ministerio de Educación y Ciencia. Esta nueva asignatura fue modelo para otros centros universitarios españoles y extranjeros (Universidad del País Vasco, Universidad de Granada, Universidad de Santiago de Chile), que siguieron el esquema del profesor Caparrós en base a su manual “100 películas sobre Historia Contemporánea” (1997). De ahí que ese mismo año, la revista “Anthropos. Huellas del conocimiento” publicase un monográfico sobre su trabajo como pionero en las relaciones Historia y Cine.

José María Caparrós Lera (Barcelona, 1943) es doctor en Filosofía y Letras, director del Centre d’Investigacions Film-Història del Departament d’Història Contemporània de la Facultat de Geografia i Història de la Universitat de Barcelona desde 1983 y editor de la revista “Filmhistoria” desde 1991. Autor de numerosos libros especializados, cabe destacar “Arte y Política en el cine de la República” (1981, que fue su tesis doctoral), “El cine español bajo el régimen de Franco” (1983), “El cine español de la democracia. De la muerte de Franco al cambio socialista” (1992), “La guerra de Vietnam, entre la historia y el cine” (1998), “Breve historia del cine americano. De Edison a Spielberg” (2002), “La cuestión irlandesa y el IRA: una visión a través del cine” (2003), “La Pantalla Popular. El cine español durante el Gobierno de la derecha” (2005) y sus manuales “Historia del cine español” (2007) e “Historia del cine mundial” (2009), y también abundantes prólogos.

Entre 1987 y 1993, sería vicepresidente de la International Association for Media and History (IAMHIST, Oxford) y, becado por el Gobierno norteamericano y la Unión Europea, impartió cursos sobre cine español en Estados Unidos y Gran Bretaña. En febrero de 1992, fue el Director científico del Congreso Internacional sobre Guerra, Cine y Sociedad, organizado por la propia UB. Durante estos años académicos, ha dirigido 13 tesis doctorales.

El Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC, Madrid) le otorgó en el año 2007 la Medalla a la Mejor Labor literaria y periodística por toda su trayectoria profesional. Recientemente, el profesor Caparrós también ha sido comisario de dos exposiciones: “Cinema en temps de guerra, exili i repressió” (Memorial Democràtic de la Generalitat de Catalunya), con el historiador y discípulo Magí Crusells; y “La mirada del samurái: los dibujos de Akira Kurosawa” (Alhóndiga Bilbao y Museo ABC), como director en España del Año Kurosawa 2010.

Miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España y de la Acadèmia del Cinema Català, tiene una voz dedicada en la Enciclopedia Espasa y una calle a su nombre en Banyeres del Penedès (Tarragona), en cuyo Ayuntamiento ha impartido tres cursos sobre la Historia Contemporánea y el Séptimo Arte.

Es vicepresidente 1º de CinemaNet desde su fundación.

(Publicado en http://www.cinemanet.info/, 5-V-2011)

MI EXPERIENCIA CINEMATOGRÁFICA

2011-04-29T10:15:00.008+02:00

Impresionante plano de El gran combate

El proyecto pedagógico de Alain Bergala, que fusiona cine y escuela, gana importancia a medida que pasa el tiempo, así que hemos decidido hablar de él de una forma muy especial. En primer lugar con dos entrevistas, una al propio Bergala y otra a Núria Aidelman, que lleva a la práctica las ideas del teórico francés en institutos catalanes, dice el Editorial del último número de la revista Contrapicado.
En segundo lugar, proponemos un pequeño homenaje a lo que Bergala llama “la primera revelación cinematográfica”, aquel momento de infancia o primera adolescencia en el que el cine nos atrapó, nos subyugó, nos ató para siempre con su haz luminoso. Por eso hemos pedido a redactores y amigos que nos contaran cuál fue su primera revelación cinematográfica, esa experiencia original personal e intransferible.

De ahí que personalmente contestara la propuesta que me hizo el especialista Albert Elduque

Como tantos otros profesionales del cine, yo también he tenido una experiencia como Alain Bergala. Las películas significaron para mí, cuando era pequeño, un “soñar despierto”, una ventana abierta al mundo: cada semana, con mi amigo y vecino Ramón, veía un programa doble en un cine de barrio. Y después comentábamos o jugábamos a lo que habíamos visto y vivido en alguno de aquellos filmes.

El recuerdo más antiguo que tengo es de la película que habré visionado más veces: Solo ante el peligro (High Noon, 1952), que íbamos a ver repetidamente, buscando en salas apartadas donde la proyectaban. Y su protagonista, Gary Cooper -que no el director, Fred Zinnemann- era mi ídolo. Me fascinaban su personaje e interpretación. Y me dediqué en aquellos años adolescentes a ver todas sus películas. Tanto es así que mi amigo y familiares me llamaban “el Gary”. Yo quería ser actor, como él.

Seguí viendo cine, hasta seis películas por semana. Pero otro western me fascinó cuando ya era mucho más mayor: El gran combate (Cheyenne Autumn, 1964), de John Ford. Entonces sí me fijé en el director. La defensa de los pieles rojas -después de haber visto tantas películas en que eran los "malos"- me emocionó; así como la coherencia moral y estética de John Ford, la perfecta unidad entre fondo y forma. Y dije: Quiero dedicarme profesionalmente al cine.

Pero como no tenía cualidades para ser actor ni realizador, me hice crítico de cine. Empecé leyendo revistas y libros especializados, asistiendo a sesiones de cineclub, dirigiendo sesiones de cine-forum y comencé a escribir breves reseñas de las películas que iba viendo, hasta que conseguí que una revista de Zaragoza -Pantallas y escenarios- aceptara un artículo sobre El cardenal (The Cardinal, 1963), de Otto Preminger. Fue mi debut, en marzo de 1965, tres páginas en el núm. 46. Y a partir de esa fecha, no he dejado de escribir sobre cine: primero como colaborador de esa revista, después en el semanario Mundo y Cinestudio y finalmente escribiendo reseñas de estrenos que formarían parte de mis futuros libros.

Por esa época, tuve otra experiencia cinematográfica que marcó mi vida: pensé que para que el público apreciara el Séptimo Arte había que prepararlo desde la escuela. De ahí que me ofreciera a diversos colegios como profesor de esta materia. Impartí cursos de cine -teóricos y prácticos, con proyecciones de películas y realización de cortos en Súper 8 mm- en seis centros educativos de Catalunya. Fue un trabajo muy gratificante: todavía me encuentro antiguos alumnos que me paran en los aeropuertos, en el vestíbulo de una sala o por la calle y me agradecen que les enseñara a ver cine.

Eso me motivó a hacer la carrera de Filosofía y Letras. Y, conducido por mi colega y maestro Miquel Porter, hice una tesis doctoral sobre cine, que defendí en 1980. A partir de ahí, comprendí que tenía que dedicarme a la enseñanza universitaria, y gané una plaza como profesor ayudante de Historia del Cine en la Universitat de Barcelona. La publicación de libros, asistencia a congresos, dirección de tesis doctorales, impartición de clases, creación de un centro de investigación... llenaron mi vida hasta hoy, que acabo de obtener la cátedra de esta materia -Historia Contemporánea y Cine. Cinema en España y Catalunya- en la misma UB.

Mi vida, por tanto, es el Cine -con mayúscula-, ésa es mi estimada profesión. En dos entrevistas de La Vanguardia, me calificaron así: “A la vida por el cine” y “Un hombre de cine”. Y como enamorado del Séptimo Arte, espero acabar mis días.

(Publicado en la revista online Contrapicado. Escritos sobre cine, núm. 40, abril 2011, http://contrapicado.net/)

PERSPECTIVAS SOBRE EL CINE ESPAÑOL CONTEMPORÁNEO

2011-04-23T18:17:00.011+02:00

Icíar Bollaín, durante el rodaje de También la lluvia

Con este título -añadiendo "según José María Caparrós"-, el crítico de cine boliviano y doctorando en el Departamentro de Antropología e Historia de América de la Universitat de Barcelona, me entrevistó este mes para una revista especializada de su país. Reproducimos esta conversación.

Por ANDRÉS LAGUNA

Desde su invención, el cine ha sabido retratar con lucidez la idiosincrasia y la historia de los pueblos, ha sido un cronista privilegiado, un instrumento para la memoria colectiva. Eso es algo que sabe José María Caparrós Lera (1943), uno de los académicos españoles más respetados y prestigiosos en el estudio de la relación entre el Cine y la Historia. Doctor en Filosofía y Letras, miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España y de la Acadèmia del Cinema Català, antiguo crítico de cine (“Mundo”, “Cinestudio”), profesor titular de Historia Contemporánea y Cine, Director del Centre d'Investigacions Film-Història de la prestigiosa Universidad de Barcelona, Caparrós Lera es el gran especialista en el cine de la Segunda República, ha publicado más de cuarenta libros. Su trabajo ha inspirado e influido a un sinnúmero de otros estudiosos, por tanto, me es difícil pensar en alguien más lúcido, serio y apropiado para pedirle que haga un pantallazo de la actualidad del cine español. Infatigable, amable y con gran generosidad, respondió a una serie de preguntas que le realicé con la precisión y el tino que siempre lo han caracterizado.

- Andrés Laguna (AL): El cine español ha sido generoso con la humanidad, nos ha ofrecido un sinnúmero de obras maestras y autores fundamentales como Luis Buñuel, Luis García Berlanga, Carlos Saura, Jesús Franco, Pedro Almodóvar o Fernando Trueba. ¿Cree que el cine español contemporáneo está a la altura de sus grandes figuras históricas?

- José María Caparrós (JMC): Pienso que no. Pero hay una nueva generación –que yo he denominado en mis últimos libros Joven Cine Español– muy prometedora. Son aquellos cineastas, hombres y mujeres, nacidos después de la muerte de Franco o que no han padecido la dictadura, que están haciendo un cine más fresco y que sintoniza más con el público actual. No añadiré nombres, para no dejarme a nadie en el tintero.

- AL: Más allá de los nombres más célebres y mediáticos ¿Cree que hay un cine español propositivo e interesante?

- JMC: Por supuesto que sí. Hay un cine autóctono que conecta con la gente de hoy, pues toca temas cotidianos que interesan a todos. Ahora sí diré un nombre y un título reciente: Icíar Bollaín y su excelente También la lluvia. Se trata de una película valiente e innovadora, que merecía haber ganado todos los Goya este año. Sin duda, pasará a la historia como uno de los mejores filmes del cine español de la democracia.

- AL: Existe una serie de extraordinarios y jóvenes realizadores, pienso en Isaki Lacuesta, Marc Recha o Lluís Galter, que a pesar de haber logrado un considerable éxito de crítica todavía no han podido ganarse al público masivo, ni siquiera al público español ¿Cómo explica este fenómeno?

- JMC: Ciertamente, son algunos de esos nombres que no he querido citar antes. Lo que ocurre es que hacen un cine de autor muy innovador y, por tanto, minoritario, del que sólo gozan los entendidos y cinéfilos. Pero yo les animaría a seguir por ese camino, el cual ya ha sido andado por firmas como los vanguardistas José Luis Guerín o Albert Serra, y no les ha ido mal; pues han ocupado “covers” en revistas especializadas incluso extranjeras.

- AL: El reciente y arrasador triunfo de Pa negre de Agustí Villaronga en los Goya, además de reconocer a un cine español que no sólo habla en castellano, parece ser una declaración de principios, una manifestación muy política ¿se podría decir que el cine español está recuperando la pluralidad lingüística y cultural que perdió a partir de la dictadura de Franco?

- JMC: En efecto. Lo recuperó en la época de la Transición política, y ahora ha vuelto a recuperarlo con esta premiada película catalana. España es una nación plural, y debe respetarse la lengua autóctona de cada territorio histórico-cultural. De ahí que haya que celebrar la acogida de los miembros de la Academia Española a esta película pensada y hablada en catalán.

- AL: Salvo por las cintas de Pedro Almodóvar y de Alejandro Amenábar, es muy difícil que una película española sea estrenada en salas comerciales fuera de la Península ibérica ¿Cree que esa es una situación que se pueda revertir?

- JMC: Uno de los directores generales de cine del franquismo, el “progresista” José María García Escudero, siempre manifestó que al cine español le faltaba un pulmón: la exportación y exhibición de sus películas allende las fronteras. Pero esa situación no sólo es nuestra, sino de la mayoría de países –pienso ahora en Latinoamérica–; pues las pantallas mundiales están “colonizadas” por la industria de Hollywood.

- AL: Las nuevas tecnologías, como la utilización del video digital y de otros soportes mucho más baratos que el celuloide, han revolucionado la producción cinematográfica. ¿Qué efectos cree que ha tenido en el panorama español?

- JMC: Lo realmente importante de este nuevo fenómeno es la democratización del audiovisual. Ahora todo el mundo puede hacer cine…, no sólo los más poderosos económicamente. No me atrevo a vaticinar qué pasará en España, pero pienso que será para bien.

- AL: Se sabe que el 2010, desde un punto de vista meramente comercial, fue un año menos fructífero que el 2009. Es decir, el público fue menos a las salas de exhibición a ver cine español ¿Cuáles cree que fueron las causas.

- JMC: Según las últimas estadísticas, hemos bajado un 3,9% respecto al año anterior. Pero no ha sido una mala temporada, artísticamente hablando. Lo que ocurre es que la crisis económica ha afectado también a la asistencia en salas, pues el espectador se lo piensa más… Por otra parte, el fenómeno de la “piratería” puede haber influido sobremanera.

- AL: Ante el panorama actual ¿Cuál cree que es el rol que debe jugar el crítico de cine en España?

- JMC: He sido crítico cinematográfico durante muchos años (1965-1982), y tengo la convicción que no influimos demasiado. Así que no va a cambiar en el panorama actual. Como mucho, el público intelectual ya lee lo que escribe su crítico preferido, pero después va al cine igualmente; aunque sea para contrastar esa opinión con la suya.

- AL: Algunas de las publicaciones especializadas más prestigiosas, como Cahiers du Cinéma o Sight & Sound, han estado debatiendo con insistencia sobre la gran crisis que enfrenta la crítica de cine “profesional”, ¿cree que sucede lo mismo en España? ¿Se puede hablar de una verdadera crisis de la crítica de cine profesional?

- JMC: No sé si se puede hablar de crítica de cine “profesional”. Si bien los críticos la ejercen con seriedad, es muy difícil vivir de esta profesión. De ahí que uno la tenga que combinarla con otro trabajo. ¿Crisis? Puede ser. Pero yo me dedico ahora a la enseñanza de la Historia Contemporánea a través del Cine.

- AL: ¿Cómo ve el futuro del cine español?

- JMC: Bien. Se trata de dar más alas a los jóvenes. Y que los espectadores les apoyen. Mejor que el Estado. Por aquello que decimos los catalanes: Qui paga, mana (quién paga, manda).

(Publicada en Cinemacine. Revista on-line sobre cine boliviano e internacional - Edición 21, http://www.cinemacine.com/

"ENCONTRARÁS DRAGONES", DE ROLAND JOFFÉ, O LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA Y LA PERSECUCIÓN RELIGIOSA VISTA POR UN BRITÁNICO

2011-03-22T23:00:00.008+01:00

El viernes, día 25 de marzo, se estrena en toda España Encontrarás dragones,

una película que dará qué hablar. Aquí va mi amplia reseña crítica

Aunque There Be Dragons (2011) se sitúa en unos momentos tan polémicos como la Guerra Civil española (1936-1939), no deja ningún mal sabor de boca en el espectador sin prejuicios. Su coproductor, guionista y realizador, el británico Roland Joffé, ha visto este conflicto con ojos bastante imparciales, y también con gran acierto el compromiso espiritual y moral expuesto en la trama; pues trata de la persecución religiosa a través de la figura de san Josemaría Escrivá de Balaguer, pero no se propone hacer un diagnóstico del complejo problema político o social. Me explicaré más abajo con la sinopsis del filme.

UN CINEASTA DE CATEGORÍA.- Nacido en el seno de una familia judía, Roland Joffé (Londres, 1945) es autor de una premiada trilogía: Los gritos del silencio (1984), La Misión (1986) y La ciudad de la alegría (1992). Y cuenta en su haber con títulos tan acreditados como Creadores de sombras (1989), La letra escarlata (1995) y Vatel (2000). Ahora, tras realizar cintas menores y series para TV, ha vuelto a la pantalla grande con una película asimismo ambiciosa, ya que toca temas tan trascendentes como la libertad, el idealismo político, la persecución religiosa, el amor –divino y humano–, la amistad, el odio, la traición, los errores, la culpabilidad, el perdón, la reconciliación, el dolor, la paz; en definitiva, la búsqueda del sentido de la vida. Todo ello, en el marco de una historia épica, evocando hechos verídicos y un personaje real: el sacerdote español Josemaría Escrivá de Balaguer, que sería canonizado por la Iglesia Católica en el año 2002.

Un joven periodista, Robert, que tuvo una mala relación con su autoritario padre, Manolo Torres –quien durante la guerra civil fue un espía de los nacionales en las filas republicanas, y se prendó de una joven húngara de las Brigadas Internacionales, amante del líder anarquista Oriol–, investiga sobre el pasado de uno de los amigos de su padre, para escribir un libro. Éste es Josemaría, que había coincidido con Manolo en el seminario, y en 1928 fundaría el Opus Dei. A través de su denodada búsqueda, Robert dilucidará la actitud comprometida de ambos, descubrirá sus orígenes y se encontrará también a sí mismo.

El primer guión de esta película –original de la norteamericana Barbara Nicolosi–se había ofrecido antes a Alejandro González Iñárritu (Biutiful) y al cineasta británico Hugh Hudson (Carros de fuego). Pero al caer en manos de Roland Joffé, no sólo aceptó el proyecto sino que reescribió totalmente el guión y se hizo coproductor. Veamos, por tanto, cuál es su postura como autor, clarificando al mismo tiempo el enigmático título del filme: “Los mapas medievales calificaban los territorios desconocidos con las palabras Hic sunt dracones, ‘aquí hay dragones’. Cuando comencé a investigar sobre el tema y a escribir el guión, dado que realmente no sabía lo que me esperaba ni cómo acabaría, Encontrarás dragones me pareció un título apropiado. Era como si me saliera de mi mapa y me adentrara en un territorio inexplorado al tocar temas como qué es la santidad, temas de religión y de política del siglo XX, el pasado de otro país. Me había golpeado la afirmación de Josemaría: ‘A Dios se le encuentra en la vida ordinaria’, y esa vida ordinaria, en aquel momento, fue la Guerra Civil española. Me pregunté: ¿cómo es posible encontrar lo divino en la guerra? Pero la misma pregunta puede hacerse sobre los desafíos fundamentales de la vida, y sobre la manera en que los afrontamos: cómo respondemos al odio y al rechazo, o al deseo de venganza y justicia. Todos esos dilemas aumentan en tiempo de guerra. Estos dilemas son, en cierto sentido, los 'dragones' de la película, momentos de inflexión en nuestras vidas en los que afrontamos opciones decisivas. Opciones que afectarán a nuestro futuro”.

SANTIDAD EN LA VIDA ORDINARIA.- Asimismo, Joffé –que se manifiesta agnóstico, trotskista en su juventud y tres veces divorciado– ha remarcado que el cristianismo predica el amor y que las enseñanzas de san Josemaría fomentan una relación con Dios a través de cosas muy sencillas: cocinar, pasar el tiempo con la familia o, incluso, tener una discusión. “Ésta es una película sobre lo que significa ser santo hoy en día. La reconciliación importa. La vida es una oportunidad para amar. Es una elección, y en ella uno se hace libre. El odio no te hace más libre. Cuando amas de verdad, sientes como una bocanada de libertad; piensas: Dios mío, he elegido esto y es precioso”.

Rodado en inglés y en escenarios naturales de Argentina y España, el filme está perfectamente ambientado en tres épocas: principios del siglo XX, el período bélico y la década de los ochenta. Arranca con la muerte en Roma de Josemaría Escrivá (26 de junio de 1975), para en diversos flash-back narrar todo un apasionante relato. Una historia inspirada en hechos reales, pero un tanto novelada y con romances incluidos.

OTRA VISIÓN DE LA GUERRA DE ESPAÑA.- Como apuntábamos más arriba, el conflicto bélico español ha sido abordado con precisión por el cineasta británico. Por eso, pienso que vale la pena reproducir sus clarificadoras declaraciones: “La Guerra Civil española era también complicada de afrontar. Hubiera sido fácil tomar partido, pero de este modo hubiese traicionado el eje central de la actitud con que quería contar esta historia. La historia, como bien se sabe, es partidista, escrita por los vencedores y reescrita por los vencidos. Muchos creerán el rumor o la leyenda que les parecerá más agradable y estoy seguro que tendremos que afrontar ciertas opiniones sobre lo que es o era el Opus Dei, sobre quién era Josemaría, y sobre lo que realmente fue la Guerra Civil española. Quise mostrar lo que sucedió en España durante la guerra civil sin espíritu partidista. De hecho, España vivió, en un período de tiempo muy condensado, lo que Gran Bretaña, por ejemplo, experimentó y absorbió durante un centenar de años: Revolución industrial, ideología de lucha de clases, sin contar que España había perdido su Imperio y la estabilidad económica. Para la sociedad española, era muy fácil fracturarse y, según la mentalidad de la época, era muy fácil abrazar opiniones totalmente opuestas y radicales sobre la justicia social, el papel de la Iglesia, etc. Al final, según es propio de la naturaleza de estas tensiones sociales, las posiciones extremas comenzaron a marginar a las demás. Con la debilitación del centro, los dos polos opuestos empezaron a hacerse más fuertes. En la Guerra Civil española los dos bandos tenían ideales y su propio sentido de los valores. Como los movimientos políticos del resto de Europa, las personas de los dos lados de la demarcación política comenzaron a demonizar al otro campo. Pero las divisiones, que en Europa se convirtieron en divisiones nacionales, en España fueron fratricidas y dejaron heridas psicológicas profundas y difíciles de cicatrizar. Lo que sucedió en España fue una herida que realmente desgarró a familias de la manera más dolorosa y atroz. El hermano tomó una opción diferente a la de su hermano, ¿pero esto significa que ya no eran hermanos? Si esto significa que ya no eran hermanos, si queremos matar a nuestros hermanos a causa de aquello en lo que creemos, entonces, ¿no tendremos que preguntarnos por el valor de nuestras opciones?”.

Sin caer, pues, ante el fácil maniqueísmo ni en la parcialidad acostumbrada en estos temas, Encontrarás dragones es una película que hará reflexionar seriamente al espectador; a la vez que por su hondura y dinamismo –las secuencias bélicas son impresionantes– provocará también el interés del gran público.

UN BIOPIC EJEMPLAR.- Es más, posee un arranque francamente logrado, pues en dos trazos retrata a los personajes, al tiempo que nos introduce en el drama que después veremos. Además, las escenas íntimas resultan muy conseguidas –sobre todo, los pasajes de Barbastro y Madrid–, y nunca decae la acción, que mantiene en vilo al espectador. Se nota que hay un maestro tras la cámara: Roland Joffé, quien sin duda ha realizado una obra magistral, de la misma altura artística que The Killing Fields y The Mission. No me extrañaría que volviera a optar a los Oscar de Hollywood.

No obstante, parte de este mérito hay que atribuirlo también al sufrido cuadro interpretativo. Sin duda, protagonistas e intérpretes secundarios están espléndidos y dan perfectamente los tipos. Desde Charlie Cox, como Josemaría Escrivá, y Wes Bentley, como su amigo Manolo Torres, hasta Douglas Scott, como Robert, Rodrigo Santoro, como el miliciano Oriol, o la antigua “chica Bond” Olga Kurylenko, como la joven húngara Ildiko, pasando por Geraldine Chaplin, Ana Torrent, Jordi Mollà y Unax Ugalde, por no citar más, todos encarnan con credibilidad sus respectivos personajes. El diseño de producción del "oscarizado" Eugenio Zanetti, la dirección de fotografía de Gabriel Beristain, el vestuario de la también "oscarizada" Ivonne Blake y la música de Stephen Warbeck (asimismo Oscar de la Academia por Shakespeare in Love) son excelentes.

Personalmente, he de añadir que me ha encantado e incluso conmovido There Be Dragons; pues muestra la figura de san Josemaría Escrivá y su mensaje de santificación en medio del mundo, en la vida ordinaria, con mucho respeto y agudeza intelectual, sin atisbo de prédica e insistiendo con inteligentes metáforas y situaciones dramáticas en la idea principal que presenta el filme: el perdón. Más en esta sociedad contemporánea, que difícilmente perdona y olvida. Un tema que ya estaba presente, a modo de constante creadora, en la referida trilogía de Roland Joffé.

Se trata, en definitiva, de un biopic ejemplar, alejado de las biografías de santos a las que antaño nos tenían acostumbrados el cine español y también los filmes estadounidenses. Por tanto, ha tenido que ser un cineasta británico de origen francés quien nos aproximara con mayor rigor a un tema tan controvertido como la Guerra Civil española y la persecución religiosa que tuvo lugar dentro de ella. Ahora falta que el público mundial lo aprecie y responda ante su propuesta.

(Publicado en http://www.diarioya.es/, 21-III-2011)

Por eso les recomiendo encarecidamente la visión de esta gran película.
Y, en todo caso, espero sus opiniones en este weblog.

PELÍCULAS RECOMENDADAS (16)

2011-03-16T00:11:00.004+01:00

Nueva lista de filmes de estreno recomendables para todos los públicos y buenos aficionados (por orden albabético de títulos):

- BICICLETA, CUCHARA, MANZANA (documental)

- BIENVENIDOS AL SUR

- 127 HORAS

- COPIA CERTIFICADA (cinéfilos)

- DE DIOSES Y HOMBRES

- EL DISCURSO DEL REY

- ENCONTRARÁS DRAGONES

- ENREDADOS (menores)

- EL ESTUDIANTE

- MÁS ALLÁ DE LA VIDA

- EL OSO YOGUI (menores)

- RANGO (jóvenes)

- EL ÚLTIMO BAILARÍN DE MAO

- TAMBIÉN LA LLUVIA

- VALOR DE LEY

- WINTER'S BONE (cinéfilos)

LOS OSCAR DE HOLLYWOOD PARA "EL DISCURSO DEL REY"

2011-02-28T11:28:00.009+01:00

Colin Firth con su merecido galardón

Muy repartidas estuvieron los estatuillas doradas correspondientes a las películas del año 2010. Como ya han sido valoradas por todos los medios de comunicación, me centro más aquí en la película que triunfó

La 83ª edición de los Oscar de la Academia se recordará como aburrida, soporífera, discursiva y un tanto aburrida. Pero las películas premiadas aumentarán su recepción mundial y rendimiento en taquilla.

La principal vencedora de la gran noche de Los Ángeles ha sido El discurso del rey, el espléndido biopic británico de Tom Hooper, con las cuatro estatuillas más preciadas: Mejor película, director, guión original y actor protagonista.

Empatada con este filme, ha sido Origen, aunque que ha llevado Oscars más técnicos, seguida de La red social, con tres, y The Fighter y Alicia en el País de las Maravillas, con dos. Mientras el remake de Valor de ley se fue de vacío.

Pocos días antes de la concesión de los Oscar de este año, la SER me entrevistó a través de Ràdio Barcelona, sobre la película que previsiblemente iba a ganar. Éstas son las respuestas que di a la periodista MARIA MARTÍ, que reclamaba mi visión como historiador:

- The King’s Speech es rigurosa, pero se centra demasiado en el problema personal del futuro rey de Inglaterra. No obstante, el contexto sociopolítico de la época -el período de entreguerras- está bien evocado, así como los personajes principales y la ambientación en escenarios naturales británicos. Tom Hooper (nacido en Londres, en 1972) es un notable director, guionista y productor de TV, apenas conocido en la pantalla grande, que se consagrará en el cine si consigue los Oscars de Hollywood, gracias también a la gran interpretación del galán Colin Firth, como Jorge VI, y del veterano Geoffrey Rush, como el logopeda Lionel Logue (actor que ya había ganado la estatuilla dorada por Shine, encarnando la vida del pianista David Herlfgott).

- Jorge VI era el segundo hijo del Jorge V de Inglaterra y el sexto de la dinastía Hannover (que se inició en 1714), de la casa de Windsor. Bertie (Alberto, su primer nombre de pila) sucedió a su hermano Eduardo VIII, en 1936, cuando murió su padre y aquél renunció al trono (sólo estuvo 325 días reinando) para casarse con una plebeya, la Sra. Simpson, una norteamericana dos veces divorciada.

- Coronado en la Abadía de Westminster, en 1937, antes del estallido de la II Guerra Mundial, Jorge VI viajó a Estados Unidos y Canadà. Durante la gran conflagración bélica, pese a las recomendaciones del Gobierno, decidió permanecer en Londres, visitando las zonas afectadas por los bombardeos alemanes y a las tropas británicas en los frentes. Fue el último emperador de la India (1950) y rey de Irlanda (1949). Murió en 1952, a causa de un cáncer de pulmón, sucediéndole su hija mayor, Isabel II, hasta hoy. Había nacido en 1895.

- Tal como aparece en el filme, era tartamudo (como se comprobó en su pretendido discurso de las Olimpíadas de 1924, con el cual se inicia la película). Y existió realmente este logopeda y actor frustrado, que le ayudó y sería su amigo. Agradecido por sus servicios, el rey le nombró Lord. Lionel Logue consiguió aliviar su tartamudez -que Jorge VI padeció toda la vida-, que superara su complejo y recuperada la autoestima propia y de la misma nación, del Imperio británico.

- El discurso que titula la película fue real, y un rey tartamudo pudo hacer frente al miedo ante el nazismo -recuérdese que su hermano había simpatizado con el régimen hitleriano- e infundir moral y esperanza a su país en guerra.

Por tanto, si alguno no ha visto El discurso del rey, se la recomiendo encarecidamente.

"TAMBIÉN LA LLUVIA", DE ICÍAR BOLLAÍN, UNO DE LOS FILMES ESPAÑOLES MÁS IMPORTANTES DEL 2010

2011-02-14T10:30:00.017+01:00

La última película de la actriz y directora Icíar Bollaín no fue la gran triunfadora de la XXV edición de la sonada Gala de la Academia Española. Sólo tuvo tres "Goyas", pero en la opinión de muchos especialistas -entre ellos los miembros del Círculo de Escritores Cinematográficos, que recibió los principales galardones- es el mejor filme del pasado año. He aquí mi reseña crítica

Bolivia, año 2000. Un equipo cinematográfico español aterriza en este sufrido país andino para rodar un filme sobre la llegada de Colón. A tal fin, el productor –el duro y pragmático Costa– contrata a numerosos extras para interpretar a los nativos; mientras el director –el idealista y sensible Sebastián– se atreve a dar un papel principal al indígena Daniel, un luchador por las libertades de su pueblo. En pleno rodaje, en la localidad de Cochabamba estalla la famosa Guerra del Agua (a causa de la pretendida privatización de una multinacional), que pondrá en peligro la realización de la película. Pero Costa y Sebastián no podrán quedar al margen de la violencia gubernamental y se implican personalmente en el conflicto.

Cine dentro del cine, es la nueva realización de Icíar Bollaín. Una obra artística de categoría, que fue seleccionada por la Academia Española para representar a nuestro país en los Oscar de Hollywood 2010, pero que al final no sería nominada al Mejor filme de habla no inglesa.

No obstante, el libreto se debe a un cineasta extranjero: Paul Laverty –el habitual guionista de Ken Loach–, hoy unido sentimentalmente a la directora madrileña. Así relata Bollaín, ya lejos de su notable trabajo como actriz, la génesis de su sexta película: "El guión de También la lluvia ha seguido un camino largo, de varios años. Paul (Laverty) empezó escribiendo un argumento enteramente de época, que cubría los viajes de Colón, sus primeros años en el Nuevo Mundo, y después continuaba con Bartolomé de las Casas. Era un guión muy compacto y apasionante, pero Paul decidió traer esa historia al presente, y relacionar aquella explotación y resistencia indígena encontrada por los españoles en el siglo XVI con lo que ocurre actualmente en Latinoamérica.
La Guerra del Agua, ocurrida en el año 2000 en Cochabamba, era un buen ejemplo de resistencia civil ante la privatización de un bien tan preciado y vital como el oro: el agua. En el guión, Paul logra relacionar las dos cosas contando el rodaje de una película de época en Bolivia.
A mí, cuando lo leí, me pareció un enorme y apasionante reto, porque como directora tenía que contar de alguna manera tres películas en una: por un lado, rodar una película de época, por otro, contar el conflicto del agua y por último, narrar el rodaje y el viaje personal de los personajes principales, Sebastián y Costa, y las decisiones que van tomando a medida que se complican las cosas, ya que el conflicto va interfiriendo poco a poco en el rodaje de la película.
En medio de las tres historias, tanto en el montaje como en el rodaje, he intentado siempre encontrar aquellos momentos que mostraran la evolución del personaje. A veces era una mirada, otras veces un momento de soledad del personaje, y en ocasiones el silencio. Porque siempre tuve claro que el conflicto y la emoción de la película surgían del choque de estos dos personajes y de la percepción de Costa de otra realidad, mucho más cruda, mucho más dura: en esa realidad vive Daniel".

Francamente, Icíar Bollaín ha salido muy airosa de este gran reto. Con un montaje alternante y un ritmo dinámico –el espectador se siente en todo momento arrastrado por la trepidante narración–, logra implicar sentimentalmente al público en el drama íntimo de los protagonistas, a la vez que ofrece una reflexión nada maniquea de la Conquista de América.

Por un lado, a través de la historia del indio Hatuey –primer resistente a los conquistadores–, se muestra un triste episodio histórico del ejército colombino. Y por otro, se hace hincapié en el coraje de dos miembros de la Iglesia que denunciaron con la doctrina católica el maltrato y abuso de los indígenas; concretamente, la que hizo el padre dominico Antonio de Montesinos –primer misionero que se pronunció en defensa de los nativos, en 1511– y también la más célebre del ayer discutido Fray Bartolomé de las Casas –gran protector de los indios y precursor de los derechos humanos, hoy considerado uno de los fundadores del Derecho Internacional moderno–, quien evidenció la codicia y crueldad de los conquistadores, enfrentándose a todo un Imperio, y que actualmente está en proceso de beatificación.

Sin ningún aire feminista –tampoco lo había en la anterior obra de Bollaín, Mataharis–, la crítica de cine madrileña Ana Sánchez de la Nieta valoraría así un filme que califica de redondo y metacinematográfico: "Su trabajo roza la perfección, y lo que podría haber sido una acumulación de ideas, tramas y personajes se desarrolla en escena con la precisión de un reloj suizo. Hay frescura, naturalidad, vida, las historias que se cruzan y descruzan, la ficción y la realidad se confunden... Pero también hay líneas de dialogo ejemplares, reflexiones profundas, críticas afiladas y realismo, sin llegar nunca a caer en un planteamiento maniqueo que sobrevuela amenazadoramente la película. Hubiera sido fácil hacer una cinta de buenos y malos: de indios buenos y europeos malos, o al revés; de cineastas liberales y curas explotadores, o al contrario. Hubiera sido muy fácil, pero entonces no estaríamos ante una película tan notable que ya en su cartel (“Hay algunos que quieren cambiar el mundo. Pocos quieren cambiarse a sí mismos”) indica que para hablar de la Historia, de la pobreza, de la marginación, del choque cultural o de la conquista no se puede ser simplista. La realidad es más compleja, pero también mucho más atractiva y, como demuestra Icíar Bollaín, mucho más dramática y cinematográfica. La carrera de Icíar Bollaín es una de las más ejemplares del cine español. Cada película que rueda es mejor que la anterior. (Cfr. Aceprensa, 29 de diciembre de 2010).

Todo ello, secundado con una excelente ambientación e interpretación, a cargo de Luis Tosar, Gael García Bernal, Carlos Aduviri y Karra Elejalde -"Goya" al Mejor actor de reparto-. Y la siempre idónea banda sonora de Alberto Iglesias, quien, junto a la mejor dirección de producción, fue también premiada por la Academia Española.

En efecto, También la lluvia es uno de los filmes más importantes del 2010. Ganó por un "Goya" a Balada triste de trompeta, del dimisionario presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, el polémico Álex de la Iglesia, pero sería derrotado por Pa negre (véase reseña más abajo), que se llevó nueve estatuillas.

"VIVIR PARA SIEMPRE", PREMIO DEL CEC AL MEJOR GUIÓN ADAPTADO

2011-02-01T13:06:00.002+01:00

La última película de Gustavo Ron acaba de ser premiada por el Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC), de Madrid, al Mejor Guión adaptado.

Un mes antes había recibido el Premio Cinematográfico "Familia" 2010.

He aquí mi reseña crítica

Sam es un niño de doce años, que vive con sus padres y hermana pequeña, en Newcastle (Gran Bretaña). Enfermo de leucemia, los médicos le han vaticinado un año de vida. Consciente de su próxima muerte, afrontará esos últimos meses con la conciencia muy lúcida, al tiempo que se pregunta por qué tiene que morir tan joven. A tal fin, escribe un diario, filma vídeos sobre vivencias cotidianas y quiere ver cumplidos unos cuantos sueños. Le acompañarán en el deceso no sólo la sufrida familia, sino su amigo Félix –otro chico enfermo de cáncer, que conoce en el hospital y fallece poco antes– y la joven enfermera que le atiende en su domicilio.

Aunque el filme está ambientado en el norte de Inglaterra, toca un tema universal que nos afecta a todos. El cine español del período anterior ya lo trató en Planta 5ª (Antonio Mercero, 2003), pero con otro tono. Gustavo Ron, en su segundo largometraje (véase reseña de su excelente ópera prima, Mía Sarah, más abajo) ha avanzado mucho desde el año 2006, cuando debutó en el cine comercial. El aire de esta nueva película es indie, posee además una estética vanguardista y el atrevimiento de haberla realizado en inglés y con actores británicos, muy dirigida también al mercado internacional. De ahí el relativo éxito que lamentablemente ha tenido en España, aunque se ha vendido a todos los países de Latinoamérica y parte de Europa.

Así, sin abandonar ese toque de “realismo mágico” y surrealista que ya le caracteriza como autor, ni tampoco el estilo Capra que algunos críticos comentaron en su día (pienso ahora en la magistral ¡Qué bello es vivir!), Ron ha adaptado una novela de Sally Nichols –titulada en castellano Esto no es justo– de forma muy original, con dibujos, esquemas, anotaciones al margen, bocadillos escritos sobre el plano en pantalla y animación en un teatrillo digital. Veamos, con todo, su voluntad de expresión: "La película no va de la muerte, sino sobre la vida, de cómo aprovechar cada minuto. Si te quedan tres meses, son tres meses, pero los conviertes en algo maravilloso. Lo que te queda del libro, y espero que también de la película, es que va sobre aprender a vivir. Es el recorrido que tienen que hacer unos padres que saben que el hijo va a morir y el recorrido que debe hacer un niño que sabe que nunca va a ser adolescente. Yo estaba obsesionado con que la película no iba sobre la muerte, y quería que todo el equipo tuviera claro que el mensaje de fondo era cómo cumplir tus sueños. Por eso recopilé una serie de frases que se han dicho a lo largo de la historia sobre este tema, para que se viera que siempre ha estado presente. Vivir para siempre te habla de temas duros, claros, y que van directos a lo que todos somos.

En efecto, este planteamiento me ha recordado una célebre frase de El Gatopardo (Luchino Visconti, 1963), obra maestra que cada año proyecto en clase para explicar el Risorgimento italiano en la Universidad. Dice Don Fabrizio, el príncipe di Salina (Burt Lancaster) ante su sobrino Tandredi (Alain Delon) y la bella Angelica (Claudia Cardinale): “Los jóvenes nunca pensáis en la muerte; siempre se mueren los demás, es algo que les ocurre a los otros”.

Sin intelectualizar su obra, Gustavo Ron logra un relato intimista, muy real, nada dramático, incluso con sentido del humor, pero que emociona al espectador. Y evita la prédica fácil sobre el Más Allá; pues será el público agudo quien deducirá el sentido trascendente que posee su filme. Aun así, vi derramar lágrimas en la noche de estreno, pero la gente salía contenta de la sala.

Un crítico tan exigente como Jerónimo José Martín fue uno de los colegas que mejor trató tan atrevida y “comprometida” película; mientras otros colegas españoles la minusvaloraron o subestimaron injustamente. He aquí los últimos párrafos de su reseña:

"Como en Mía Sarah, destacan la música (César Benito), el montaje (Juan Sánchez), la fotografía (Miguel P. Gilaberte) y las interpretaciones, especialmente las de los jovencísimos Robbie Kay y Alex Etel, que a pesar del estirón que ha dado conserva la inocencia y el carisma que mostró en el papel protagonista de Millones. Por su parte, la hipnótica puesta en escena permite el salto fluido de la comedia más hilarante al drama contenido, y de éste a la tragedia, con momentos de enorme emotividad. Algunos quizá encuentren la película demasiado sentimental, pero otros agradecerán que ponga toda su carne en el asador cuando quiere hacer reír o llorar. Además, Vivir para siempre nunca se queda en los sentimientos: desarrolla una profunda reflexión, de clara inspiración cristiana, sobre el sentido de la vida, la muerte y el sufrimiento, así como una reivindicación de la alegría de vivir –en las antípodas del hedonismo materialista dominante– y una exaltación de la familia como núcleo de solidaridad. En este sentido, cabe destacar el arco dramático del personaje del padre, desde su incómoda pasividad inicial hasta el conmovedor desenlace". (Aceprensa, 6 de octubre de 2010).

Por eso, el Jurado de la Asociación Española CinemaNet le otorgó por unanimidad –ex aequo con el documental catalán María y yo (véase también reseña)– el Premio Cinematográfico “Familia” 2010, en su XV edición, por sus valores humanos, familiares y sociales. Y un mes más tarde, el Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC, Madrid) le ha concedido el premio al Mejor Guión adaptado. Esperamos tu próxima película, Gustavo Ron.

"PA NEGRE" SE LLEVÓ LOS PREMIOS "GAUDÍ"

2011-01-20T14:08:00.007+01:00

El lunes acudí a la gala de los Premios "Gaudí", otorgados por Acadèmia del Cinema Català, en una fiesta a la que asistió la profesión y los nuevos políticos de Catalunya. Aquí va mi reseña sobre la película que arrasó con 13 galardones

Cataluña, años 40. En la primera posguerra española, en una aldea de la comarca de Osona malviven personas que sufren la represión de la Dictadura franquista y la propia incomprensión de sus conciudadanos. Odios y venganzas, secretos y mentiras, agobian a una familia tachada de “roja”. Y las grandes víctimas, serán sus hijos pequeños. Acaba en tragedia.

Dura película del mallorquín Agustí Villaronga, que vuelve a insistir en las consecuencias de la Guerra Civil española (El mar, 2000), dentro del estilo un tanto morboso y obsesionado por la violencia que le caracteriza como cineasta (Tras el cristal, 1987; 99.9, 1997; Aro Tolbukhin. En la mente del asesino, 2002) y como director televisivo (El pasajero clandestino, 1995; Després de la pluja, 2007). Ahora toma pie en una novela de Emili Teixidor, Pa negre, y en otros relatos de este autor, para bucear en la miseria humana, la corrupción y lo abyecto, a fin de realizar una obra de arte feísta.

Villaronga (Palma de Mallorca, 1953) presentó su filme en el Festival de San Sebastián’2010, donde la protagonista Nora Navas obtuvo la Concha de Plata a la Mejor actriz. Algunos críticos han relacionado su áspera e intensa película con otros filmes sobre la corrupción de la inocencia infantil a causa de la violencia, como La noche del cazador (Charles Laughton, 1955) o Viento en las velas (Alexander Mackendrick, 1965); aunque también de le podría emparentar con El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973) o con sendas obras de Guillermo del Toro, El espinazo del diablo (2001) y El laberinto del fauno (2006).

Estamos, por tanto, ante una película cruda y amarga, triste y desoladora, donde apenas cabe un resquicio a la esperanza, la cual ofrece un retrato de la Cataluña profunda que difícilmente complacerá al espectador. Vemos, con todo, cómo se justifica el realizador, tras asegurar que las cintas citadas no son referentes que haya tenido presente: "Pero es cierto que también se trata de una historia de iniciación desde el punto de vista de un niño. La noche del cazador es una de mis películas preferidas, y Pa negre tiene en común una atmósfera mágica, sobre todo cuando los niños están a solas; cuando comencé a escribir el guión derivaba más hacia el género fantástico, pero poco a poco se fue desnudando y quedó en un ligero componente mágico ligado a la imaginación de las criaturas. Emili Teixidor me dio total confianza desde el principio. Como en el original tiene tanto peso la vida interior del niño, le propuse incorporar materiales de otras novelas suyas, para conseguir una narración más cinematográfica y que la historia se entendiera más por la acción externa. Cuando tuve el guión acabado le gustó mucho y estuvo unos días trabajando en los diálogos, para rebajar el tono literario y mantener el lenguaje de la época sin que resultara anacrónico. Hemos mantenido el título de Pa negre, ya que es un best-seller, pero es sobre todo una aproximación al universo de Teixidor".

Y sobre el ambiente claustrofóbico de Pan negro, concretaría con estos términos su voluntad de expresión: "Está presente a pesar de mí mismo, ya que hay bastantes exteriores; pero el bosque donde transcurre la acción acaba siendo un mundo cerrado y malsano. Hay muchos espacios diferentes, a diferencia de mis anteriores películas, pero se mete mucho en el interior de los personajes. La ambientación tiene un cierto aire intemporal. Está muy desnuda, los decorados tienen pocos muebles, todo son paredes secas, húmedas y polvorientas. Los personajes son un poco fantasmales, hemos evitado referencias políticas, ni hay ni el yugo y las flechas ni el retrato de Primo de Rivera. Esto hace que la historia de universalice, porque un drama de este tipo puede pasar en cualquier guerra. Es una historia sobre los ideales y la traición". (Cfr. sus declaraciones, en Avui, 15 de octubre de 2010, p. 32; la traducción del catalán es mía).

En efecto, Pa negre habla, ante todo, de los ideales traicionados, de la esperanza perdida, de la desconfianza y el desaliento, de la vergüenza propia y ajena, de odios y humillaciones, de la maldad humana y de la venganza, de la pobreza extrema y la explotación...; en fin, de la parte negra de la condición humana, sin arrepentimiento ni perdón.

Si la novela de Emili Teixidor cargaba las tintas, Agustí Villaronga parece recrearse en ese triste panorama. De ahí que el propio autor manifestara también sobre este entorno viciado y malsano: “A través de los personajes descubrimos las terribles consecuencias de la guerra, como si ilumináramos una fotografía antigua y en una esquina apareciesen desdibujados unos personajes grises y descubriésemos su vida íntima, llena de contradicciones y miserias cotidianas, alejándonos de la tentación de mitificarlos como a héroes y, sobre todo, de juzgarlos. No explica hechos sórdidos sino dramáticos; tan dramáticos como los que pueden haber pasado a muchas familias de este país. He huido del discurso ideológico, he preferido un discurso emocional”, concluye.

No obstante, el premiado cineasta mallorquín está más comedido aquí en sus concesiones que en las anteriores películas, y en su adaptación fílmica evita caer en el maniqueísmo –que no haya buenos y malos– ni en el fácil costumbrismo, o del cliché de los filmes sobre la Guerra Civil y la posguerra española, para incidir en ese cierto tono universal que, por otra parte, posee un grave inconveniente: el espectador queda bastante distanciado del relato, como un mero observador, sin apenas participar anímicamente en el drama.

Se trata, pues, de una película coral, cuyos personajes esconden unos hechos del pasado que les enredan como si fuera una telaraña, precipitándose un tanto en su explicación final. De ahí que el crítico Nando Sardà recriminara que “por momentos Villaronga se muestra como un narrador caótico: ocurren demasiadas cosas a la vez que, afortunadamente, no llegan a distraernos de las inquietantes cuestiones que Villaronga plantea acerca de la decencia humana”. (“Fantasmas de la guerra”, en El Periódico de Catalunya, 15 de octubre de 2010).

Aun así, Pa negre (título que hace referencia al pan que se comía en la España de la autarquía y el racionamiento) está muy bien interpretada –especialmente por el niño Francesc Colomer, si bien a veces se hace bastante difícil entender su cerrada dicción catalano-mallorquina–, con un plantel de intérpretes conocidos por las series televisivas, como los galadonados Marina Comas, Roger Casamajor y Nora Navas, secundados por actores tan famosos como Sergi López y el también premiado Eduard Fernández, en sus arquetípicos roles de alcalde y maestro del primer franquismo, respectivamente.

"HÉROES" Y "BRUC"; DOS DIGNAS PELÍCULAS COMERCIALES

2011-01-07T13:02:00.006+01:00

Siguen en la cartelera de estreno dos filmes catalanes que vale la pena visionar. He aquí, pues, mi reseña crítica de ambos

HÉROES, DE PAU FREIXAS

Cataluña, años 2000 y 1980. Un joven publicista, yuppie y bastante agresivo, sufre una broma pesada en la carretera por parte de unos niños, que le impide llegar a una importante reunión de negocios. Al poco, recoge a una chica trotamundos, y ambos rememorarán el pasado: la época más emotiva de su infancia, cuando pasaron el último verano con la pandilla en un pueblo la Costa Brava. Al tiempo que evocará un hecho trágico, que acaso le hará reflexionar sobre la vacuidad de su vida.
Insólita película catalana, realizada por Pau Freixas (Barcelona, 1973) en base a un guión original co-escrito con Albert Espinosa, que fue premiada en el Festival de Cine Español de Málaga’2010 y emocionó en el Festival de Sitges, Herois parece inspirarse de la épica de la infancia tan propia del tradicional cine norteamericano (Joe Dante, Robert Zemeckis, Steven Spielberg).
Aquí, el autor de Cámara oscura (2003) –su radical ópera prima– opta más por la sana comercialidad, a través de la nostalgia de un pasado que tiene mucho de autobiográfico. Acusado de sentimental, de haber realizado “otro” Verano azul o derivado a un desenlace un tanto empalagoso, se defendería así el día de su estreno en España: “Lo cierto es que en la primera versión del guión, la película llegaba al final más entera, pero es verdad que era blanda. De alguna manera le faltaba algo. Entonces, murió uno de mis amigos de la infancia, y me pilló un shock brutal. Pasamos el duelo juntos, la pandilla, y cuando lo exorcizamos sentí que debía haber otra cosa. Cambié el guión, y la película se volvió mucho más mía. Tengo la sensación de haberme despertado a los treinta años. (...) No soy ni un Peter Pan, soy aún un niño, y cuando el productor me dijo que pensara mi próxima película busqué algo que tiene que ver conmigo. Apenas recuerdo a mi padre y con mi padrastro tuve muy mala relación, como Xavi, incluso hay una escena en clase porque para mí era un tormento. El verano era mi salvavidas. El cine era mi otro consuelo, la desconexión me flipaba, aquellas películas de Zemeckis o de Spielberg... Hoy veo Cámara oscura y pienso: “Objetivo no cumplido”. Con Héroes he aprendido a hablar de lo que soy; en eso no me equivocaré más”. (Cfr. Pedro Vallín, “Entrevista con Pau Freixas”, en La Vanguardia, 22-X-2010).
Con todo, ese tono autobiográfico le da un carácter atractivo al filme, pues el público cuarentón puede identificarse con los niños y adolescentes protagonistas. Personalmente, aunque paso de los sesenta, también he visto bien evocada esa infancia, por tener muchas reminiscencias de las hemos vivido antes los más mayores. Aun así, el toque surrealista o la trampa temporal que posee la trama –“descubierta” al final por el espectador– le dan un aire algo engañoso en aras al impactante pero bien resuelto happy end al revés.
Herois es una película blanca, incluso naïf, que interesará al gran público poco exigente, aunque no desagradará a los cinéfilos. Pero, ante todo, resulta una obra sincera, simpática, llena de momentos inspirados, muy bien realizada e interpretada, con una notable banda sonora. Alejada del antes mencionado y popular serial televisivo de Antonio Mercero, ofrece frescura y alegría, ingenuidad e inocencia, apuntes socio-psicológicos agudos y un retrato humano que deviene en reconocible; además de brindar un homenaje al cine, la TV y la música de los años ochenta.
Película eminentemente catalana –rodada en Palamós (Girona), Gavà y Dosrius (Barcelona)–, la crítica de Madrid la ha acogido con respeto. Veamos, si no, lo que escribió Alberto Bermejo: “Casi todos los recursos son legítimos para intentar arrastrar al público a las salas, y Héroes es transparente en ese sentido, apela sin complejos a la nostalgia y a toda una serie de mecanismos de probada eficacia para provocar un nudo en la garganta de los espectadores predispuestos a dejarse llevar por sus afinidades personales con los personajes y por el recuerdo idealizado del paso de la infancia a la adolescencia o, forzando un poco más, de la inevitable pérdida de la inocencia a raíz de un acontecimiento traumático. (...) La corrección narrativa, el buen trabajo de los actores, de los adultos y los menores, y la sombra de sutiles apuntes sociológicos materializan las señas de identidad de esta propuesta más que previsible desde sus primeros giros argumentales, marcada por el espíritu, sobre todo cinematográfico, de la época, en especial de E.T. y Los Goonies, que se decanta por el humor blando, los guiños melodramáticos y las emociones musicales como contrapeso”. (“Mitificación de la infancia”, en Metrópoli, suplemento cultural de El Mundo, 29-X-2010).
Por eso, Pau Freixas reiteraría su arriesgada apuesta por este nuevo cine familiar con las siguientes declaraciones: “No hay nada como creer: creer que la amistad nunca se rompe, que el amor es para siempre y que el mundo entero está ahí para que nuestros sueños se cumplan. Y que todo tiene sentido. (...) La magia existe, pero es necesario saber verla, querer que se cumpla, y recordar que un día creímos y que ésos fueron los mejores años de nuestras vidas”.
Estamos, pues, ante un singular autor fílmico –ya acreditado por numerosas series televisivas– al que habremos de tener en cuenta. De momento, ha obtenido diez nominaciones a los Premios “Gaudí” de la Acadèmia del Cinema Català.

BRUC, DE DANIEL BENMAYOR

Guerra de la Independencia, 1808. En la sierra de Montserrat, las tropas napoleónicas son derrotadas gracias a un joven carbonero, Joan; pues el retumbar de su tambor, magnificado por el eco, les hacen creer que se enfrentan con un gran ejército, al mismo tiempo que provoca un desprendimiento de rocas en la montaña que aplastará a 300 soldados. Indignado el Emperador francés, enviará a un grupo de mercenarios para acabar con el muchacho –al que apodan Bruc– que había generado tal humillación. Y tras diezmar a los habitantes del lugar, se establece una persecución y un duelo a muerte.
Esta célebre leyenda está inspirada en hechos reales, aunque hay diversas interpretaciones de aquella gesta fechada los días 6 y 14 de junio de 1808, en la también llamada Guerra del Francés. En 1948, Ignacio F. Iquino ya realizó la primera película sobre el tema, bajo el título de El tambor del Bruch, con José Nieto y Ana Mariscal como protagonistas. Y en 1981, Jordi Grau volvió a llevarla a la pantalla en coproducción con México: La leyenda del tambor (El timbaler del Bruc, 1981), interpretada por el entonces niño Jorge Sanz y Mercedes Sampietro. Ahora, en el nuevo milenio, otro filme autóctono se ocupa libremente de la famosa batalla e imagina las consecuencias de aquel histórico enfrentamiento bélico.
Los autores del guión son Jordi Gasull –antiguo alumno mío y buen amigo– y el cineasta vasco Patxi Amezcua (25 kilates), quienes se han atrevido a rescatar un relato que es viene a ser un símbolo de la libertad y de nuestra lucha por la independencia.
Pero no piense el lector que Bruc. El desafío es una película política, que aprovecha la coyuntura del clima de autodeterminación generado tras el recorte del Estatut de Catalunya. Bruc. La llegenda –título original– es una cinta de aventuras, un filme épico, una digna obra comercial que bien podríamos calificar de western catalán.

No obstante, veamos la intencionalidad que expone su joven director, Daniel Benmayor: “Cada uno interpreta los valores de la película según su situación y estado de ánimo. Existen muchas leyendas similares a la de Bruc, pero lo que está claro es que el uso desproporcionado de la fuerza no consigue nada. Bruc es un antihéroe, es un tipo que se ve obligado por las circunstancias a defenderse, luchar y acabar con la amenaza. No funciona por venganza, sino por protección hacia lo suyo. Quizá dentro de cien años se hagan películas sobre conflictos de hoy en día y que apunten hacia la misma dirección”.
Y ante la acusación de que el protagonista parece un Rambo y los villanos perseguidores abusan de la violencia, el cineasta catalán se defendería así: “Hemos intentado ser secos y duros, pero no explícitos. La violencia es innata en la caza que sufre Bruc, pero siempre de manera psicológica más que física. Intentan no causar daños colaterales, pero al no conseguir su objetivo van cambiado de estrategia hasta que la moneda cambia y les toca sufrir en sus carnes mucho de lo que han hecho al pueblo”. (Cfr. sus declaraciones en La gran ilusión, núm. 157, diciembre 2010, p. 10).
Si algo destaca en la película es el enorme partido que Benmayor y su equipo técnico han sacado de los imponentes y bellos escenarios naturales de Montserrat y del parque de Sant Llorenç del Munt, sin caer en la tarjeta postal. Por tanto, se trata de buen cine-espectáculo, con un ritmo trepidante y una notable interpretación. Un reparto presidido por Juan José Ballesta (lejos ya de su debut con El Bola, y muy cerca de la actual Entrelobos, que incluso ha aprendido catalán) y el galán galo Vincent Pérez como el capitán Maraval, con el contrapunto romántico de la joven actriz Astrid Bergès-Frisbey (Piratas del Caribe) en el papel de la sacrificada novia de “héroe” Joan, quien tiene dedicado un monumento en aquellas montañas.
Aun así, el exigente crítico Lluís Bonet Mojica alaba el filme, a la vez que pone algunas pegas al segundo largometraje de este joven realizador: “Tras debutar en Paintball, una impactante muestra de terror con trasfondo bélico, Daniel Benmayor reafirma su habilidad para conseguir imágenes que golpean al espectador. Si bien aquí se deja llevar, en ocasiones, por lirismos visuales excesivos: reiterados planos aéreos, frecuentes flashbacks, agonías interminables... Pero es una película que agarra al espectador, ofrece lances inesperados y puede funcionar comercialmente. Además, se permite acrobacias de género como acabar convirtiendo al antiguo tamborilero del Bruc en una especie de tiznado Rambo, enfrentado a un duelo mortal. La acción trepidante acaba por engullirse historias paralelas como la amorosa, que va perdiendo fuelle, y –mediante una fotografía ciertamente soberbia– todo se centra en el antihéroe y sus depredadores. (“Entre lobos y galos”, en La Vanguardia, 22-X-2010).
Si bien hay que convenir que esta cinta de género posee reminiscencias de filmes como Acorralado (Ted Kotcheff, 1982) o, en su tramo final, Apocalypto (Mel Gibson, 2006), el propio Daniel Benmayor (Barcelona, 1973) destacaría la importancia del paraje natural para evocar la historia: “Montserrat es, sin duda, un marco genial para una película de aventuras. Tanto su exterior como sus cuevas son impresionantes. Eso fue algo que siempre había pensado. Se ha rodado anteriormente allí, pero nunca de la manera que lo hemos hecho con Bruc”.
En efecto, tuvieron que utilizar hasta burros para cargar con el material técnico, porque ni los quads ni los todoterrenos podían llegar a ciertos lugares. Y a tal fin, contarían también con el presupuesto y los medios necesarios para llevar a cabo una producción que posee ambición internacional. Han sido claves la inversión económica de Televisió de Catalunya y la compañía Telefónica, así como la distribución de Universal Pictures. De ahí que Bruc. El desafío se exhibirá en el extranjero, allende las fronteras. Y eso es un estímulo para el endémico cine catalán de nuestros amores (y dolores).

12 PELÍCULAS RECOMENDADAS PARA ESTAS NAVIDADES

2010-12-18T13:12:00.009+01:00

– ESPECIAL MENORES:

La Bella y la Bestia 3D (USA, 1991-2010). Directores: Gary Trousadale y Kirk Wise. Dibujos animados. Color – 88 min.
Reedición de un clásico de la factoría Disney, ahora en relieve, para el disfrute de grandes y chicos. Se trata de una inmortal historia de amor, ambientada en la Francia del siglo XVIII, que gustará más a los nostálgicos y a los niños fascinados por las tres dimensiones.

Las crónicas de Narnia 3D. La travesía del viajero del alba (GB-USA, 2010). Director: Michael Apted, con Ben Barnes, Tilda Swinton y Skandar Keynes. Color – 115 min.
Otra delicia para los seguidores de la saga de C. S. Lewis. Tras El león, la bruja y el armario y El príncipe Caspian, ahora se apuesta más por la espectacularidad de los efectos especiales también en 3D.

Gru, mi villano favorito (USA, 2010). Directores: Pierre Coffin, Chris Renaud y Sergio Pablos. Dibujos animados. Color – 95 min.
Estamos ante la primera producción del estudio Illumination Entertainment, realizada con ingenio creador. Desde que se estrenó este nuevo blockbuster, ya ha superado el millón y medio de espectadores.

Harry Potter y las reliquias de la muerte (Parte I) (GB-USA, 2010). Director: David Yates, con Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint. Color – 146 min.
La penúltima odisea del mago inglés y sus simpáticos amigos, ya crecidos, que cuenta con algunos de los escenarios más llamativos de la famosa saga. La esperada segunda parte del best-seller británico llegará el verano de 2011.

Megamind 3D (USA, 2010). Director: Tom McGrath. Dibujos animados. Color – 96 min.
La factoría DreamWorks vuelve a superarse con esta película en 3D, donde un villano –con voz de Will Ferrell– se convierte en el protagonista y derrota al héroe doblado por Brad Pitt. Se apuesta por el sentido del humor.

Los viajes de Gulliver 3D (USA, 2010). Director: Rob Letterman, con Jack Black, Emily Blunt y Jason Segel. Color – 120 min.
Nueva adaptación del clásico del siglo XVIII, original de Jonathan Swift, que asimismo sitúa al héroe de los liliputienses en la actualidad. Con efectos especiales en tres dimensiones, el célebre protagonista incluso toca la guitarra y canta un tema.

– OTROS FILMES PARA JÓVENES Y MAYORES:

Bruc. El desafío (España, 2010). Director: Daniel Benmayor, con Juan José Ballesta y Vincent Pérez. Color – 95 min.
La leyenda del tambor del Bruc ha sido resucitada en este western catalán. Perfectamente ambientado en nuestra Guerra del Francés y bellamente fotografiado en la sierra de Montserrat, gustará a los amantes de las historias nacionalistas y del cine de aventuras.

Copia certificada (Francia, 2010). Director: Abbas Kiarostami, con Juliette Binoche y William Shimell. Color – 106 min.
Primera película del maestro iraní Abbas Kiarostami rodada fuera de su país. Relata la singular relación entre un escritor inglés y una galerista francesa. Homenaje a un clásico de Rossellini, Te querré siempre (1954), y ambientado en los espléndidos escenarios de la Toscana, interesará más a los cinéfilos. Juliette Binoche ofrece un recital.

El discurso del rey (GB, 2010). Director: Tom Hooper, con Colin Firth, Helena Bonham-Carter y Geoffrey Rush. Color - 118 min.

Biografía del anterior monarca de Inglaterra, Jorge VI, que llegó al trono con una tartamudez que comprometía su figura. Espléndida película histórica -como es habitual en el cine británico-, que cuenta con una gran interpretación de Colin Firth como rey, seguro candidato al Oscar de Hollywood.

Entrelobos (España, 2010). Director: Gerardo Olivares, con Juan José Ballesta y Sancho Gracia. Color – 114 min.
Biografía de un niño cordobés que vivió entre lobos en pleno corazón de Sierra Morena. La historia arranca en 1954, y Gerardo Olivares –el debutante director– también saca gran partido de los escenarios naturales y de las fieras “domesticadas”.

Héroes (España, 2010). Director: Pau Freixas, con Ferran Rull, Eva Santolaria y Àlex Brendemühl. Color – 105 min.
Insólita película catalana, dentro de la digna línea comercial de Bruc, que evoca el verano de los años 80 desde el presente milenio. Con toques épicos y autobiográficos, es de un intento bastante logrado de cine familiar. Ha sido nominada a los Premios "Gaudí".

El último bailarín de Mao (Australia, 2009). Director: Peter Beresford, con Chi Cao y Bruce Greenwood. Color – 117 min.
Emotiva biografía del famoso bailarín Li Cunxin, actual director del Birmingham Royal Ballet, que abandonó la China de Mao para triunfar en Estados Unidos. Muestra, de forma crítica, el gran contraste entre el mundo comunista y la sociedad capitalista. Bello biopic, que rompe una lanza en favor de la libertad, gustará más a los amantes del teatro lírico.

¡Feliz Navidad y un Año 2011, con mejor cine!

PRESENTACIÓN DE LA EXPOSICIÓN "LA MIRADA DEL SAMURAI: LOS DIBUJOS DE AKIRA KUROSAWA", EN BILBAO

2010-11-18T16:25:00.028+01:00

El martes, día 16 de noviembre, tuvo lugar el acto inaugural de la anunciada exposición, que he comisariado en el nuevo museo de Alhóndiga Bilbao.

Este fue mi discurso de presentación

Inauguramos hoy, en este espléndido marco de Alhóndiga Bilbao, la exposición conmemorativa de los cien años del nacimiento de Akira Kurosawa (1910-1998). Bajo el título de La mirada del samurái: los dibujos de Akira Kurosawa, esta exposición es el evento más importante de la celebración del Año Kurosawa 2010, promovido por el Centre d’Investigacions Film-Història –que dirijo en la Universitat de Barcelona– y Casa Asia, con la valiosa colaboración de otras 26 instituciones que han desarrollado actividades en 12 ciudades del país. El ministro de Educación, Ángel Gabilondo, aceptó la presidencia de honor.

La exposición introduce al público en la obra cinematográfica de un autor oriental clave en la historia de la cultura occidental del siglo XX. El nuevo Centro de Ocio y Cultura Alhóndiga Bilbao presenta los storyboards originales de Kurosawa por primera vez a nivel nacional. Así, los dibujos utilizados como referencia durante el rodaje encarnan el imaginario visual de sus seis últimos proyectos: Kagemusha, la sombra del guerrero (1980), Ran (1985), Los sueños de Akira Kurosawa (1990), Rapsodia en agosto (1991), Espera un poco (1993) y El mar que nos mira (2002), este último llevado a la pantalla por su coguionista, Kei Kumai. Junto a la presente muestra de dibujos del maestro Kurosawa, se celebrarán también conferencias –una a cargo de Isabel Coixet–, talleres, exhibición del vestuario de Ran (Oscar de Hollywood) y de 25 pósters de sus obras, así como proyección de filmes en la misma Alhóndiga Bilbao, como verán en el programa.

Pero, ¿cómo imaginaba Kurosawa sus películas? Esta gran exposición propone un acercamiento novedoso a su cine a través de un mundo de referencias pictóricas y literarias: de Hokusai a Van Gogh, de Shakespeare a Tolstoi. Se trata, por tanto, de una aproximación explicativa y didáctica del complejo proceso creativo de este director universal. Por último, también presentamos la influencia de Akira Kurosawa en las obras audiovisuales contemporáneas y posteriores a su preciada filmografía: de La guerra de las galaxias de George Lucas al Kill Bill I de Quentin Tarantino, pasando por Cuatro confesiones de Martin Ritt, Los siete magníficos de John Sturges o Por un puñado de dólares de Sergio Leone, remakes de Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954) y El mercenario (1961), respectivamente.

120 dibujos originales –venidos especialmente desde Japón y reproducidos en un bello catálogo–, cuya exhibición ha sido posible por el esfuerzo de Alhóndiga Bilbao, la colaboración de HoriPro y el apoyo de Japan Foundation y Casa Asia, y el patrocinio de Infiniti. Dibujos realizados por el propio Kurosawa que son origen y síntesis constructiva de su obra cinematográfica: una partitura plástica que prefigura el rodaje de la imagen en movimiento, y que ahora ponemos al alcance y contemplación de los cinéfilos y del gran público nacional.

(Esta exposición especializada, y al mismo tiempo popular, tuvo gran acogida mediática en cadenas televisivas, radios y periódicos del país. AlhóndigaBilbao, Plaza Arriquibar, 4. Bilbao. De martes a domingo. Entrada: 3 €. Catálogo: 30 €. Estará abierta hasta el 30 de enero de 2011) .

LOS "STORYBOARDS" DE KUROSAWA, EN BILBAO

2010-11-15T22:12:00.012+01:00

(Kurosawa Production, bajo licencia exclusiva de HoriPro, Inc.)

Este año 2010 se conmemora el centenario del nacimiento de Akira Kurosawa (1910-1998). Con este motivo, se ha organizado en España una exposición titulada La mirada del samurái: los dibujos de Akira Kurosawa, en Alhóndiga Bilbao

Este nuevo Centro de Ocio y Cultura vasco quiere rendir homenaje al famoso cineasta japonés presentando una propuesta multidisciplinar, a través de la cual se dará a conocer todas las facetas artísticas de este gran referente del cine del siglo XX.

La exposición es una iniciativa del Centre d’Investigacions Film-Història (Universitat de Barcelona) –organizador del Año Kurosawa 2010– y de cultural affairs, con la colaboración de Casa Asia, HoriPro, Japan Foundation y el patrocinio de Infiniti y Ayuntamiento de Bilbao.

Denominado en su propio país “el Emperador” del cine japonés, Akira Kurosawa es el maestro que dio a conocer la cinematografía nipona en el mundo occidental. Nacido en Tokio, era descendiente de samuráis, estudió Bellas Artes en su ciudad natal y comenzó dedicándose a la pintura. En 1936 ingresó en los estudios cinematográficos Toho, donde comenzó a trabajar como guionista y más tarde ayudante de Kajiro Yamamoto. Debutó como realizador en 1943, en plena Segunda Guerra Mundial.La crítica ha reconocido en él a un gran creador, de eminentes cualidades formales y honda temática existencial. Su obra posee, en efecto, profundidad filosófica, una sólida y original construcción dramático-expresiva y un estilo riguroso accesible también para públicos no orientales. Esa singular distinción estética hizo de Kurosawa durante muchos años una de las cumbres del cine de su país, incluso tras la aparición de la “nueva ola” japonesa.

ADMIRADOR DE VAN GOGH
Aunque tachado en ocasiones de sentimental y reaccionario a causa de ciertos rasgos nacionalistas, el maestro nipón supo realizar una síntesis ejemplar de elementos plásticos y escénicos del teatro Noh y Kabuki con otros psicológicos y sociales. Estos elementos se caracterizan por sus vigorosos y fuertes concepciones pictóricas, que también nos da una pista de su admiración por Vincent van Gogh, a quien dedicó un homenaje en un episodio de Los sueños.

Si en buena medida Akira Kurosawa llegó a ser más universalmente reconocido que otros directores clásicos japoneses –Kenji Mizoguchi, Hiroshi Inagaki, Kaneto Shindo, Masaki Kobayashi, Teinosuke Kinugasa, e incluso Yasujiro Ozu– fue entre otras cosas por su excelente conocimiento de la técnica cinematográfica, con gran dominio del sentido del ritmo, del montaje corto, de la expresividad del blanco y negro y del color y de la propia tradición teatral. Su obra ha influido tanto a jóvenes autores japoneses como a los cineastas americanos (John Sturges, Martin Ritt, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Steven Spielberg, George Lucas) y europeos (Sergio Leone).
Su primera obra maestra, Rashomon (1950), que ganó el León de Oro del Festival de Venecia, tuvo un remake hollywoodiense en 1964 (Cuatro confesiones de Martin Ritt), supuso prácticamente la revelación de un gran cine japonés, al que hasta entonces se suponía sólo dedicado a historias de samuráis. Con Rashomon obtuvo también el Oscar de Hollywood a la Mejor Película Extranjera.
Llegarían después otros filmes que se hicieron populares en todo el mundo gracias a su genio creador: Los siete samuráis (1954), que volvió a ganar en Venecia y asimismo tuvo un remake norteamericano en 1960 –Los siete magníficos de John Sturges– igual que El mercenario (Yojimbo, 1961) lo tuvo con Por un puñado de dólares de Sergio Leone en 1964; Trono de sangre (1957), su adaptación de Macbeth; El infierno del odio (1963), que relata un drama urbano; y... Barbarroja (1965), interpretado por el gran Toshiro Mifune. Pero seguramente fue la magistral Vivir (Ikiru, 1952), soberbia meditación sobre la vida y la muerte, la que situó a Akira Kurosawa entre los grandes humanistas del cine (Chaplin, Orson Welles, Bergman, John Ford...). En esta obra, que en el referéndum de 1962 fue seleccionada entre las Diez Mejores de la Historia del Cine, apunta ya una visión desesperanzada de la condición humana, una postura existencial no trascendente que sin embargo reafirma el compromiso moral con los demás seres humanos.
El pesimismo que le atenazaba como autor acabaría conduciendo al maestro Kurosawa al callejón sin salida de Dodes’ka-den (1970), filme amargo cuya angustia comunica al espectador, o a un cierto panteísmo en el caso de Dersu Uzala (1975). En los últimos años de su vida, arruinado como productor, pareció haberse recuperado –también anímicamente– en una serie final de magistrales películas: Kagemusha. La sombra del guerrero (1980), producida por Francis F. Coppola y George Lucas –cuya Guerra de las galaxias (1977) está basada en La fortaleza escondida (1958), donde evocaba el Japón feudal del siglo XVI–; Ran (1985), su original adaptación de El Rey Lear shakespeariano; y el testamento cinematográfico que representa Los sueños de Akira Kurosawa (1990), coproducida por Steven Spielberg. En este prodigioso filme el maestro nipón acaso aceptó la Muerte como punto final, al tiempo que condenaba al Hombre por el Mal que había hecho al Mundo actual en nombre del Progreso. Por eso se aferró a la vida excluyendo otra clase de perpetuidad en la que no creía. Akira Kurosawa se movió, por tanto, dentro de una espiritualidad que combinaba el budismo zen con el sintoísmo. Aun así, antes de despedirse del cine, se abrió a cierta trascendencia al visionar la obra de otro maestro del Séptimo Arte, el iraní Abbas Kiarostami.

Por todo ello, con los especialistas Andrés Expósito, Carlos Giménez Soria y Jordi Puigdomènech, autores del libro Akira Kurosawa. La mirada del samurái (Madrid, Ediciones JC, 2010), editado también para ese evento, y el valioso asesoramiento de los historiadores James Goodwin y Aldo Tassone, tuvimos la feliz idea de organizar este Año conmemorativo sobre su entrañable figura, en el cual se han implicado 26 entidades y 12 ciudades españolas, con ciclos de conferencias y proyecciones de su filmografía. El ministro de Educación, Ángel Gabilondo, aceptó la presidencia de honor. Actividades nacionales que tienen su eje en la exposición de los dibujos del maestro Kurosawa.
Es una muestra excepcional que reúne storyboards de sus últimas películas, carteles, vestuario, conferencias, talleres y proyecciones de algunas de sus mejores obras. Comienza su recorrido en Bilbao, siendo la primera sede que acoge esta exposición. Bellos storyboards preparativos de sus últimos filmes que funden la compleja iconografía zen con las vanguardias artísticas occidentales de principios del siglo XX que tanto admiraba: Van Gogh, Renoir, Cézanne, Chagall.

120 dibujos originales de Akira Kurosawa –venidos especialmente desde Japón–, que son origen y síntesis constructiva del cine de Kurosawa: una partitura plástica que prefigura el rodaje de la imagen en movimiento, y que ahora ponemos al alcance y contemplación de los cinéfilos y del gran público español.

(Publicado en ACADEMIA. Revista del Cine Español, núm. 173, diciembre 2010, pp. 78-79; y, algo más breve, en ABC cultural, 13-XI-2010, pp. 36-37).

"100 DOCUMENTALES PARA EXPLICAR HISTORIA"

2010-11-01T00:04:00.005+01:00

Acaba de aparecer en las librerías este nuevo libro de cine. Reproducimos la reseña aparecida en ABC y la crónica de su presentación en la Universitat Internacional de Catalunya (UIC)

MIRAR LA REALIDAD

Por Juan Ignacio García Garzón

La ficción y la mirada documental han marcado en latidos paralelos el pulso del cine casi desde que los Lumière patentaron su invento en 1894. Superada la mera sucesión de imágenes en movimiento, ambas vías comparten estrategias narrativas y las acomodan a sus propósitos, de tal marea que lo documentales vienen a ser aproximaciones creativas -y con frecuencia críticas- a la realidad.

Josep Maria Caparrós, Magí Crusells y Ricard Mamblona abordan cómo este género tan diverso y tan en auge explica la Historia, y trazan su historia a través de cien títulos significativos, sin ánimo de teorizar ni aspiraciones exhaustivas. Su objetivo es dar a conocer esta forma cinematográfica y sus principales autores, de ahí su estructura de catálogo cronológico enriquecido con reseñas y notas informativas.

El subtitulo del volumen, De Flaherty a Michael Moore, da cuenta de los amplios márgenes temporales en los que se mueve, dividido en dos grandes apartados, "Los grandes clásicos y películas modernas" e "Historia de España contemporánea". La limitación a un centenar de títulos explica algunas ausencias (Sokurov, Farocki, Depardon...), pero no es óbice para que este trabajo atractivo, documentado y bien organizado sea indispensable material de consulta para cinéfilos y estudiosos.

J. M. CAPARRÓS LERA, MAGÍ CRUSELLS y RICARD MAMBLONA: 100 documentales para explicar Historia. Alianza Ediorial, Madrid, 2010. 262 páginas, 18,50 euros ****

(Publicado en ABC Cultural, 30-X-2010, p. 20)

UN LLIBRE QUE FA JUSTÍCIA AL GÈNERE DOCUMENTAL

Per Jaume Figa

El professor de la Facultat de Ciències de la Comunicació i crític literari, Sergi Doria, va presentar ahir al Saló de Graus el llibre 100 documentales para explicar Historia. De Flaherty a Michael Moore, de Josep Maria Caparrós, Magí Crusells i Ricard Mamblona, aquest últim professor de la UIC.

En aquest llibre, publicat per Alianza Editorial, els autors seleccionen un centenar de documentals, gairebé tots obres mestres de la cinematografia i algunes autèntiques pel·lícules de culte, que permeten conèixer la història de les diverses cultures que coexisteixen al nostre món. Des dels inicis del documental als anys 20 fins a l'actualitat.

En la presentació, Doria va explicar que el documental és un gènere cada vegada més hegemònic: un gènere que està guanyant autoritat i que avui en dia és molt respectat. Doria va assegurar que 100 documentales para explicar Historia és un llibre pràctic i útil, tant per a professors, com per a historiadors o amants del Setè Art.

Així, en aquesta obra es troben peces de clàssics com Nanuk, el esquimal (1922), Berlín, sinfonía de una gran ciudad (1927) o El hombre de la cámara (1929); sense oblidar obres d’altres grans directors com John Grierson, Jean Vigo o Leni Riefenstahl; films de guerra com The Battle of Midway (1943) o Let There Be Light (1945); o pel·lícules que van marcar un estil cinematogràfic com Chronique d’un été (1961) o Titicut Follies (1967).

Josep Maria Caparrós, professor d'Història Contemporània i Cinema de la UB, ha aportat sobre tot els clàssics de l'obra; Magí Crusells, expert en cinema i Guerra Civil espanyola, quasi la trentena de ressenyes sobre cinema espanyol; i Ricard Mamblona, professor i director de cinema documental, aquells «tresors» que mereixen un lloc en la història del documental. Caparrós, Crusells i Mamblona: tres generacions diferents per explicar la història des de tres estils diferents que amenitzen la lectura.

Segons Doria, es tracta en definitiva d'un llibre que torna al gènere del documental el lloc que mereix

(http://www.newsuic/, 25-X-2010)

PELÍCULAS RECOMENDADAS (15)

2010-10-14T17:19:00.006+02:00

Michael Douglas es también el protagonista de la segunda parte de Wall Street

(Oliver Stone, 1987)

Nuevo listado de filmes de estreno, que recomiendo para los buenos aficionados (por orden alfabético):

- ASTRO BOY

- BLOOD MONEY. EL VALOR DE UNA VIDA

- BRIGHT STAR

- GRU. MI VILLANO FAVORITO

- MIS TARDES CON MARGUERITTE

- ORIGEN

- TOY STORY 3

- LA ÚLTIMA CIMA

- VISIÓN

- VIVIR PARA SIEMPRE

- WALL STREET: EL DINERO NUNCA DUERME

WOODY ALLEN, OTRA VEZ

2010-09-04T09:49:00.005+02:00

El famoso cómico y director neoyorquino acaba de estrenar su nueva película, Conocerás al hombre de tus sueños (2010), una aparente comedia de enredo que acaba en tragedia. Otra vez se asoma sarcásticamente para analizar y moralizar sobre la condición humana

Ciertamente, Woody Allen insiste, una y otra vez, en los mismos temas. Algunos críticos han afirmado que su último filme sabe a déjà vu. Como todos los maestros del cine, se repite continuamente: parece que siempre está haciendo la misma película. Pero no es así.

El cineasta estadounidense indaga de nuevo sobre las razones por las que se mueven sentimentalmente muchos ciudadanos contemporáneos; esta vez enclavados en Londres –como en su anterior trilogía, ya comentada, tras su fallido paréntesis en Barcelona–, pero con mentalidad muy próxima al mundo de su anterior película (Si la cosa funciona), donde retrata con mayor tino a los intelectuales judíos de la Gran Manzana.

No sé si cuando Allen sale del microcosmos de Manhattan acierta. Pero lo que sí hace es bucear sobre las incertidumbres de la sociedad actual a través de diversos personajes familiares. Aquí su alter ego es Anthony Hopkins, un septuagenario como él, que se divorcia de su mujer y se casa con una joven e inculta prostituta. Asimismo, la hija de ambos (espléndida la ascendente Naomi Watts) se prenda de su jefe, el director de una galería de arte londinense que encarna Antonio Banderas, y se divorcia de su infiel marido, que se va con una vecina jovencita, para darle “calabazas” aquél con su amiga pintora. Al final, la madre –que se cree a una pitonisa y piensa que ha sido reencarnada– se casará de nuevo con un bibliófilo viudo. De ahí que un reconocido colega catalán resumiera la trama así: “De no existir previamente, Se infiel y no mires con quién sería el título adecuado para este catálogo de adulterios e infidelidades, donde nadie (y la fauna es, como siempre, nutrida) escapa del pecado”. (Jordi Batlle Caminal, “Deliciosamente ácida”, en La Vanguardia, 27-VIII-2010, p. 30).

En fin, todo un triste panorama humano lleva a Woody Allen a replantearse la vida con un tono moralizante, que se acentúa en la medida que se ha hecho mayor: 74 años. El propio gran creador norteamericano se defiende diciendo: “Se puede decir que me ha salido una película triste. Porque de todos los personajes, sólo son felices los que se engañan a sí mismos”.

Y continúa, sintetizando su voluntad de expresión con estos términos: “Se puede llegar a la conclusión de que nada tiene sentido, y que no vale la pena vivir. Como yo a veces. Pero si ahora me pone una pistola en el pecho –contestó a un crítico en la rueda de prensa del Festival de Cannes, donde presentó You will meet a tall dark stranger, título original de esta penúltima obra (pues acaba de rodar otra cinta en París)–, yo insistiría para que no apretara el gatillo. Queremos vivir, a pesar de todo. Por eso pienso, y así lo explica el filme, que son más felices los que creen en algo: los que piensan que la vida tiene sentido”.

Allen vuelve a las tres constantes de siempre: sexo-amor, muerte-Más allá y Dios. Y aunque está algo más comedido explícitamente en la primera, aborda la segunda con cierta frivolidad, e insiste en la tercera, que parece ser su preocupación a medida que se acerca su futuro deceso. Veamos, si no, estas declaraciones: “Una vez tuve una larga charla sobre espiritualidad con uno de los grandes predicadores de mi país y al final me dijo: “Woody, aunque no fuera cierto, yo seguiría creyendo lo mismo porque soy más feliz”. Y decía al periodista: “Y ¿sabe qué? Creo que tenía razón. Son más felices los que creen en algo, en Dios, en los alimentos macrobióticos o en las enseñanzas del new age, a las que tan aficionados son en Estados Unidos”. Y en otra reciente entrevista, declaró:

“Yo me enfrento al misterio de la vida de forma extraña. Lo paso muy mal, y lo digo en serio. Sufro mucho, tengo mucha ansiedad y miedo y estoy realmente confuso. Y combato todo esto lo mejor que puedo; por eso trabajo mucho. Me ayuda y me distrae de los problemas reales. Cuando trabajo, mis problemas se centran en los actores, el guión, el vestuario... problemas más bien fútiles que, si no funcionan, tampoco sucede nada catastrófico. Cuando estoy en mi casa, pienso: ¡Dios mío, la vida es corta, terrible y triste y yo soy viejo!”.

Conocerás al hombre de tus sueños está brillantemente realizada. Se nota que hay un maestro tras la cámara: apenas se observa el tomavistas, los primeros planos y las miradas son claves en la narración y, sobre todo, la dirección de actores es excelente: un reparto coral, con montaje alternante, que capta al espectador. No obstante, el relato no entusiasma; logra interesar pero no arrastra, y tampoco está exento de cierta frialdad. Como si Allen no estuviera demasiado de acuerdo con la postura de cada cual. Eso me evoca una de sus frases humorísticas, que reproducía en mi libro Woody Allen, barcelonés accidental. Solo detrás de la cámara (2008): “Hoy en día, la fidelidad sólo se ve en los equipos de sonido”.

Por tanto, el tema de la infidelidad matrimonial aparece constantemente en esta película, como en algunas anteriores producciones. Recordemos que él mismo ha tenido cinco mujeres: tres esposas y dos parejas, sus antiguas "musas" y actrices Diane Keaton y Mia Farrow. En la antes citada entrevista, este viejo maestro del Séptimo Arte manifestaría con toda sinceridad su postura existencial:

“Es duro envejecer. Nadie quiere admitir que ya no es joven, pero el peligro es llegar a perder la cabeza por ello, el equilibrio mental. El ego masculino puede cegar y, literalmente, llegar al extremo de lo que le sucede a Alfie (Anthony Hopkins). El cree que por cambiar de mujer, comprarse un coche deportivo y practicar deporte va a evitar lo inevitable. Lamentablemente, no es así. Pero hay que admitirlo: envejecer es terrible. No encuentro ninguna ventaja. No te vuelves más listo, ni más sabio ni más amable. No sucede nada bueno. La espalda te duele más, tienes más indigestiones, pierdes vista y oído...”. Y concluye:

“Vamos por la vida de forma frenética y caótica, corriendo y chocándonos los unos contra los otros con nuestras aspiraciones y ambiciones, haciéndonos daño y cometiendo errores. En cien años ya no quedará nadie que nos haya conocido y todos los problemas, las crisis económicas, los adulterios y demás, no tendrán importancia. Eso: todo es furia y ruido y, al final, no significa nada. Mi filosofía de la vida es trágica y gris”. (Cfr. Cristina Carrillo, “La única forma de ser feliz es negar la realidad” (Entrevista con Woody Allen), en Magazine de ABC, núm. 1190, 15-VIII-2010, pp. 16-23).

En este sentido, cita la célebre frase de William Skakespeare con la que abre el filme en voz en off, y que completa dice: “La vida no es más que una sombra en marcha; un mal actor que se pavonea y se agita una hora en el escenario y después no vuelve a saberse de él: es un cuento contado por un idiota, lleno de ruido y furia, que no significa nada”. (Macbeth, acto V, escena V). Una obra del año 1606, de este gran maestro de la Literatura renacentista, que su discípulo Allen evoca ahora en una tragedia contemporánea, la cual entronca “con el clasicismo más puro –en palabras del referido Batlle Caminal– y la delicada escena de la joyería con Banderas y Watts, por ejemplo, podría pertenecer a una comedia sofisticada de George Cukor o Preston Sturges”.

Estamos, en definitiva, ante una obra cinematográfica un tanto menor, con diálogos y momentos muy inspirados, pero que no alcanza la singular genialidad artística de la que antaño hiciera gala Woody Allen.

DOS ESPLÉNDIDOS DOCUMENTALES: "MARÍA Y YO" y "LA ÚLTIMA CIMA"

2010-08-01T12:28:00.014+02:00

Este verano se han estrenado otros documentales excelentes, realizados por cineastas españoles, que valen la pena visionar

En efecto, el dibujante Miguel Gallardo y su hija María, de 12 años, son los protagonistas de una película de no ficción que ha centrado el interés del gran público: María y yo (2010), de Félix Fernández de Castro.

Miguel Gallardo es un reconocido dibujante e ilustrador barcelonés –Premi Nacional del Còmic de la Generalitat–, creador de “Makoki”, personaje de un cómic underground de los ochenta, que ha saltado al arte de las imágenes en movimiento con esta biografía de su hija, autista.

Combinando los dibujos y viñetas con el relato documental, Fernández de Castro ha puesto en escena una gran historieta autobiográfica –como si de un tebeo se tratara–, aprovechando la semana de vacaciones que pasó Gallardo con su hija, en Canarias. Esa aproximación humana al mundo del autismo y el cariño familiar resultan impresionantes, hasta incidir hondamente en el ánimo del espectador.

Como escribió el crítico Lluís Bonet Mojica –que califica a María y yo como sencilla, compleja y brillante–, “la película transmite optimismo, amor y el mensaje de que la esperanza puede ser una realidad en sí misma. Una realidad construida en estos cuadernos de Miguel Gallardo donde los dibujos se transforman en un alentador diario visual (...). Pocas veces la vida, el cine y los sentimientos se habían expresado con tan arrebatadora espontaneidad. Y con tanto sentido del humor/amor. Dos términos aquí nada antitéticos. No se pierdan –termina este gran colega de La Vanguardia– tan maravilloso diario sobre realidades hasta hoy sólo imaginadas” (16-VII-2010).

Únicamente hay que oír hablar a la madre, May Suárez, y ver el cariño y paciencia del padre, para comprender la felicidad de Marieta Gallardo dentro de ese mundo autista al que ahora podemos acercarnos gracias al género documental.

Por otra parte, el cineasta Juan Manuel Cotelo (Madrid, 1966), que debutó en 1998 con El sudor de los ruiseñores, también nos ha dado otra lección por medio de un relato biográfico, que da un salto aún más trascendente. Narra la trayectoria del sacerdote Pablo Domínguez, que murió a los 42 años escalando el Moncayo.
Pero no piense el lector-futuro espectador de La última cima (2010) que se trata de una película carca, sino del sencillo testimonio de una vida entregada a los demás. Como dice el realizador madrileño -a quien conocí cuando trabajada en EditMedia-, “Pablo era un cura listo, guapo y simpático que tuteaba a Dios”. Personalmente, lo pude comprobar cuando me sorprendió con una de sus famosas pláticas al entrar en una iglesia de Barcelona.
De Pablo Domínguez hablan sus amigos, familiares y almas a las que dirigía espiritualmente, e incluso varios obispos, a lo largo del documental. Una película excelente y nada ambiciosa, que presenta el propio Cotelo dirigiéndose al espectador. Además, se combinan esos testimonios con declaraciones en plena calle de distintas personas entrevistadas sobre el sacerdocio hoy.
El doctor Domínguez fue decano de la Facultad de Teología de San Dámaso y ha dejado huella en muchas almas, que reconocen ante la cámara su heroísmo en lo cotidiano, su gran generosidad y su amor a la libertad.
Por eso, La última cima se ha transformado en un fenómeno mediático, como ha reconocido la misma Academia del Cine Español. También lo pude comprobar cuando visioné este muy recomendable documental, al que cada día acude numeroso público a quien se le saltan las lágrimas como me ocurrió a mí.

Sin duda, ver María y yo y La última cima nos harán reflexionar sobre el sentido de la vida, su valor y el Más allá, y saldremos mejores del cine.

PELÍCULAS RECOMENDADAS PARA ESTE VERANO'10

2010-07-03T10:29:00.002+02:00

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS (USA, 2009), de Tim Burton, con Mia Masikowska, Johnny Depp y Helena Bonham-Carter. Color - 110 minutos.
La famosa novela de Lewis Carroll, llevada de nuevo a la pantalla por la factoría Disney, pero bajo la dirección vanguardista del siempre innovador Tim Burton. La película conecta con la imaginería infantil y puede gustar también al público adulto que se deje arrastrar por el onírico relato.

AVATAR (USA, 2009), de James Cameron, con Sam Worthington, Zoe Saldana y Sigourney Weaver. Color – 164 minutos.
Uno de los grandes éxitos taquilleros de la nueva revolución tecnológica que supone el cine en tres dimensiones. Aunque el espectáculo tiene más garra en ese sistema, interesará especialmente a los amantes del género fantástico y de ciencia-ficción, o al gran público que no sea demasiado exigente con su tópico contenido ecologista y de New Age. El 3D puede ser el futuro del Séptimo Arte.

CINCO MINUTOS DE GLORIA (GB-Irlanda, 2009), de Oliver Hirschbiegel, con Liam Neesson y James Nesbitt. Color - 90 minutos.
Nueva película sobre el conflicto político nord-irlandés, pero ahora visto desde el punto de la Fuerza de Voluntarios del Ulster. Treinta años después de un asesinato a sangre fría en venganza de los extremistas protestantes contra el IRA, verdugo y víctima se van a enfrentar a través de un reality show. Es un filme pacificador, que gustará primordialmente a los interesados por tal tragedia nacionalista.

EL CONCIERTO (Francia-Italia-Rumanía-Bélgica, 2009), de Radu Mihaileanu, con Aleksei Guskov y Mélanie Laurent. Color - 119 minutos.
Original parodia del comunismo ruso, realizada por uno de los cabezas de fila del nuevo cine rumano, que posee abundantes dosis de humor del absurdo y toques surrealistas. Se trata de una comedia melodramática, bastante emotiva y optimista, asimismo dirigida a los amantes de la música clásica.

EN TIERRA HOSTIL (USA, 2009), de Kathlyn Bigelow, con Guy Pierce y Ralph Fiennes. Color - 122 minutos.
Impresionante y dura película denunciatoria de la Guerra en Oriente Próximo, que narra la vida cotidiana de una brigada estadounidense encargada de la desactivación de bombas en zonas de combate. Se llevó los principales Oscar de 2009, entre ellos el de Mejor dirección: Kathlyn Bigelow es la primera mujer que gana la preciada estatuilla de Hollywood como realizadora.

EL ERIZO (Francia, 2009), de Mona Achache, con Josiane Balasko, Garance Le Guillermic y Togo Igawa. Color – 95 minutos.
Se trata de la puesta en imágenes de un best-seller galo, La elegancia del erizo, de Muriel Barbery. Perfectamente interpretada por la veterana Josiane Belasco, es una película llena de sensibilidad y valores humanos, que ha batido el record de taquilla en Francia. Puede servir para debates de cine-forum.

EL ESCRITOR (GB-Alemania-Francia, 2010), de Roman Polanski, con Ewan McGregor, Kim Cattrall y Pierce Brosnan. Color - 130 minutos.
Magistral película del discutido Roman Polanski –que terminó el montaje desde la prisión suiza–, que traslada a la pantalla la novela de Robert Harris, The Ghost Writer, con gran precisión fílmica. Gustará especialmente a los amantes del género thriller, así como a los interesados por los temas políticos de actualidad.

GREEN ZONE. DISTRITO PROTEGIDO (USA, 2009), de Peter Greengrass, con Matt Damon, Greg Kinnear y Brendan Gleeson. Color - 118 minutos.
Tras la trilogía de Bourne, director y protagonista vuelven a unirse para dar a luz otro digno filme comercial. Con un ritmo trepidante, pone el dedo en la llaga de la reciente Guerra de Irak. Película políticamente comprometida, está en la línea de la "oscarizada" En tierra hostil, pero resulta menos dura.

INVICTUS (USA, 2009), de Clint Eastwood, con Morgan Freeman y Matt Damon. Color - 123 minutos.
El veterano Eastwood vuelve a demostrar que sigue en forma como director. Después de Gran Torino, con la que se despidió del cine como actor, nos vuelve a sorprender con un famoso episodio de la presidencia de Nelson Mandela, cuando en el Mundial de Rugby de 1995 Sudáfrica consiguió la copa del mundo. Gustará mucho a los aficionados a este deporte. Posee también grandes valores humanos.

KATYN (Polonia, 2007), de Andrzej Wajda, con Artur Zmijewski y Maja Ostaszewska. Color – 118 minutos.
Con dos años de retraso ha llegado la última realización del maestro Wajda, que denuncia la tristemente célebre matanza de los bosques de Katyn, atribuida a los nazis y cometida por la URSS durante la II Guerra Mundial. Es un testimonio estremecedor; pues el padre del realizador fue uno de los oficiales asesinados.

EL PEQUEÑO NICOLÁS (Francia, 2009), de Laurent Tirard, con Kad Merad, Valérie Lemercier y Sandrine Kiberlain. Color - 93 minutos.
Basado en la obra de René Goscinny y Jean-Jacques Sempé, narra las travesuras del niño Nicolás y sus amigos, junto a otras historietas secundarias. Muy bien interpretada, es un filme amable y divertido, dirigido al público infantil pero que también gustará a los mayores.

"LA BOMBA DEL LICEU", OTRO DOCUMENTAL HISTÓRICO DE VALÍA

2010-06-22T14:33:00.004+02:00

Este documental catalán se mantiene con éxito cartel. Debido a su interés histórico y artístico lo comentamos a continuación

Barcelona, finales de siglo XIX-principios del XXI. El 7 de noviembre de 1893, el anarquista Santiago Salvador lanza dos bombas a la platea del Gran Teatre del Liceu, durante el segundo acto de Guglielmo Tell, de Rossini. Pero sólo explota una, y mueren 20 personas, entre los numerosos heridos. Poco más de un siglo después de este célebre atentado, diversos especialistas reflexionan sobre aquel histórico suceso; al igual que los alumnos de un instituto situado en la misma plaza en que se hacían ejecuciones públicas. Asimismo, se conecta el atentado de 1893 con la ocupación del Liceu por parte de colectivos antisistema, el 25 de noviembre de 2005, en la inauguración de la temporada con otra ópera de Rossini: Semiramide.

Se trata de un nuevo documental del cineasta catalán Carles Balagué (Barcelona, 1949), reconocido ensayista (autor de libros como François Truffaut, Las mejores películas del cine negro, Películas clave del cine musical), crítico en la revista Dirigido y empresario-programador de los cines Méliès, que se dedica también a la realización desde el año 1977. Tras debutar con sendos cortometrajes cinéfilos, Lliçó accelerada de cinema y La tragèdia quotiniada d’un acomodador de cinema que un dia va descubrir la cinefília, pronto se transformaría en productor, guionista y director de sus propios largos argumentales: Denver (1980), Viva la Pepa (1981), Adela (1982), El amor es extraño (1988), Las apariencias engañan (1991), Mal de amores (1992) y Asunto interno (1995). Y en este siglo, cambiaría de rumbo, realizando cuatro filmes documentales: La Casita Blanca. La ciudad oculta (2002), De Madrid a la Luna (2006), Arropiero, el vagabundo de la muerte (2008) y la presente película de no ficción.

Estamos, por tanto, ante un autor prolífico y comprometido, que ahora ha recuperado la memoria histórica de una ciudad y de la sociedad barcelonesa con notable ingenio creador. Aunque obviamente carece de imágenes de ese atentado –pues el Cinematógrafo aún no había nacido–, combina las entrevistas, con fotografías y documentales de la Barcelona de aquellos años, e incluye la evocación que hiciera de la bomba del Liceu el cineasta José Luis Sáenz de Heredia, en Mariona Rebull (1947), una película basada en la famosa novela de Ignacio Agustí sobre una típica familia catalana: los Rius.

Sin embargo, veamos cuál es la voluntad de expresión de Carles Balagué, según sus declaraciones a Bernat Salvà dos días antes del estreno (que traduzco del catalán): "Es muy difícil ubicar dentro de un mismo espacio dos clases en lucha en aquel momento, como era la burguesía ilustrada, esclavista, que había hecho dineros en las colonias, y un proletariado maltratado, que vivía en unas condiciones de vida muy adversas. Estamos en 1893, en aquel momento se está produciendo un cierto movimiento por parte del proletariado, y el anarquismo tiene mucho predicamento. Es muy difícil explicar lo que es ahora Barcelona sin referirse a la bomba del Liceu. Además del componente de lucha de clases, (el anarquismo) también se enraizó en Barcelona porque existe un rechazo a la disciplina de los partidos. Esta rauxa que tienen los catalanes, este individualismo tan marcado, nos acerca al anarquismo. El individualismo del catalán, que siempre quiere ir por libre, hace que el anarquismo le vaya como un guante". (Cfr. Entrevista a Carles Balagué, en Avui, 10-III-2010, p. 36).

La bomba del Liceu me ha interesado por el agudo retrato que ofrece de una ciudad y de la evolución de la sociedad barcelonesa en este último siglo. Todo ello, a través de las reveladoras manifestaciones de una acertada selección de expertos, que analiza las mentalidades de aquella convulsa época. Los lúcidos comentarios del novelista Eduardo Mendoza, del crítico de ópera Roger Alier –compañero en la Universitat de Barcelona–, del periodista Fernando González Ledesma o del cronista de la Ciudad Condal Lluís Permanyer, por no citar más, ofrecen testimonios de gran valor histórico y obligan a la reflexión crítica del espectador.

Por otra parte, Carles Balagué revisa muy bien, sin retóricas de ningún tipo, la tensión social y los diversos episodios que llevaron a que Barcelona se conociera con el sobrenombre de Ciutat de les Bombes, porque también se cuenta el caso de Joan Rull –un confidente anarquista, que cobraba del Gobernador Civil un sueldo por descubrir quién ponía las bombas, ¡y resultaba que las ponía él!–; al mismo tiempo que evidencia la fascinación que aún provoca la capital catalana a la gente de fuera. O cómo aquella histórica plaza -hoy denominada Folch i Torres- y la ejecución de Santiago Salvador inspiró el famoso cuadro de Ramon Casas.

Con todo, todavía más interesante resulta el debate de los alumnos inmigrantes del instituto situado en ese mismo lugar, que discuten con vehemencia y libertad sobre ese hecho. Como reconoce el mismo Balagué, esta secuencia está directamente inspirada en la película francesa La clase (Laurent Cantet, 2008), pero con las características propias del entorno del Raval barcelonés.

Asimismo, el cineasta catalán conecta el atentado del año 1893 con la ocupación del Liceu del 2005 por parte de un grupo de okupas de Barcelona, que se presentaron con el objetivo de protestar contra la especulación urbanística del distrito de Ciutat Vella. Carles Balagué lo sintetiza así en la citada entrevista: "Es un referente de lo que significa el Liceu para la ciudad: el Liceu siempre será la catedral de la burguesía, su espacio. El Liceu tiene una memoria que es la memoria de la burguesía de Barcelona".

Por último, también resultan reveladoras las reflexiones sobre la pena de muerte que hacen los alumnos del referido instituto Milà i Fontanals, o la defensa de un chico acerca del lanzamiento de la bomba; al igual que el enfrentamiento entre el discurso oficialista del Liceu y la gente que explica anécdotas sobre amantes y otros relatos significativos, como el espectáculo de las ejecuciones públicas a garrote vil, o el texto del diario del conserje –un libro de actas–, que se lee al final: “la casa no sufrió desperfecto alguno”.

Sin duda, si alguien quiere saber más sobre la sociedad barcelonesa de este período modernista, La bomba del Liceu le aportará datos históricos de enorme interés.

"LOURDES", EXCELENTE DOCUMENTAL FICCIONADO

2010-05-29T19:04:00.002+02:00

Coincidiendo con el inicio del centenario de “L´Hospitalitat de la Mare de Déu de Lourdes de Barcelona, Sant Feliu de Llobregat i Terrassa”, se ha estrenado en España un documental ficcionado sobre el famoso Santuario francés, que el año 2008 celebró su 150 aniversario.

Se trata de un importante filme testimonial, que retrata el ambiente de Lourdes con enorme respeto, desde la laicidad y evitando todo atisbo de beatería o desmitificación religiosa. Me explicaré brevemente, también con las declaraciones de su realizadora, la cineasta austriaca Jessica Hausner (Viena, 1972).

El relato está centrado en una peregrinación y protagonizado por una joven enferma de esclerosis, postrada en una silla de ruedas, que parece resignada a su suerte y se observa desde fuera. Viaja con una expedición que encabeza una abnegada guía, asistida por jóvenes enfermeras y los familiares y las cuidadoras de los pacientes. Asimismo, todos conviven con los sacrificados miembros de la Orden de Malta, algunos un tanto escépticos, pero atentos a flirtear con las bellas enfermeras. También la presencia de un sacerdote que viaja con el grupo y los funcionarios del Santuario forman parte de esta narración coral.

Hasta aquí, no parece pasar nada; es simplemente la vida cotidiana de Lourdes, con el ir y llegar de los peregrinos, los oficios religiosos, las visitas a la gruta donde se apareció la Virgen a Bernadette Soubirous, la procesión de las antorchas, los baños en la piscina, etc. Pero, una noche, la protagonista –Christine (que encarna la actriz Sylvie Testud de forma natural y muy creíble)– se levanta de su lecho y deja la silla de ruedas ante el asombro de todos. Entonces, con la ayuda del sacerdote, empieza el examen de los médicos para testificar y validar el posible milagro.

Con cierto tono de ambigüedad, debido a su final abierto, la película profundiza en la psicología de las personas, en las reacciones de la joven sanada y de los otros pacientes y acompañantes, que se alegran y sienten envidia a la vez –¿por qué ella y no yo?–, o la anciana cuidadora que advierte que se convertirá en una inútil si la enferma ya no requiere su servicio. Todo esto está apuntado en la película y refleja muy bien la condición humana. Pero veamos cómo valora este film un crítico exigente:

“La guionista y directora austriaca Jessica Hausner cuenta la historia sin aspavientos ni histerismos, con claro respeto al hecho religioso –llama la atención la pausa casi reverencial con que se detiene en ceremonias como la bendición con el Santísimo y la procesión de antorchas, o en las visitas a la gruta–, y sin intención de persuadir o imponer un punto de vista acerca de lo que el espectador ve. Aunque abierta a múltiples lecturas, presenta en pantalla con naturalidad el presunto milagro. Y éste obliga a las preguntas habituales –cuya respuesta desde la fe no consuelan del todo–, acerca del sentido del dolor, del modo en que unos sufren y otros sanan, en lo que se diría capricho de Dios; no se entiende la lógica divina, el modo en que 'reparte' lo que toca a cada ser humano, su estruendoso silencio; e incluso el escándalo que sigue al milagro, las reacciones encontradas de los testigos, de alegrarse pero no del todo. La felicidad perfecta no existe, es una idea recurrente del film. Uno puede experimentar bienestar, pero resulta imposible afirmar cuánto durará aquello, si tras acabar una prueba no estará aguardando otra a la vuelta de la esquina”. (José María Aresté, “Milagro”, en DeCine21).

Rodada en escenarios naturales –con la autorización del obispo de Lourdes y Tarbes, Mons. Perrier–, esta pequeña joya cinematográfica opta por el realismo, y propone al aficionado a este tipo de temas un acercamiento al misterio. Al mismo tiempo, el film huye de las fáciles exaltaciones milagreras y también del laicismo imperante. La misma directora ofreció estas valiosas reflexiones sobre su intencionalidad y voluntad de expresión:

“Ante todo, yo tenía la idea de hacer una película sobre un milagro. Los milagros representan una paradoja, una fisura en la lógica que nos conduce hacia la muerte. Esperar un milagro es en cierto modo la esperanza de que todo va a terminar bien y de que hay alguien que vela por nosotros. He investigado mucho para encontrar el marco adecuado para contar la historia de un milagro y me he fijado en un caso concreto de Lourdes porque yo quería destacar el hecho de que los peregrinos se dirigen allí con la esperanza de vivir un milagro. Se podría pensar que un milagro siempre es positivo: supone la repentina curación de una persona paralizada. Sin embargo, durante mi búsqueda de historias de curaciones, he comprobado que las personas curadas han experimentado una recaída: el milagro no ha durado. Y en ello se encuentra un paralelismo con el lado arbitrario de la vida: algunas cosas nos parecen maravillosas, incluso milagrosas, y luego se convierten en horribles o simplemente triviales”.

Y concluye así su discurso Jessica Hausner: “Mantuvimos varias conversaciones con monseñor Perrier acerca de cómo representar Lourdes. También hablamos de milagros con algunos teóricos. Lo más interesante es que los propios dignatarios católicos son conscientes de la ambivalencia del milagro. Nosotros nos planteamos todas estas preguntas y la Iglesia debería aportar una respuesta. La cuestión del sentido de la vida está en el centro de mi película, pero también lo está en el centro de las reflexiones de la Iglesia”.

Me parece una postura honesta la acometida por la cineasta austriaca. Honrada en sus planteamientos y rigurosa en su sugerente puesta en escena. Con imágenes austeras, se podría decir que a la película no sobra ni falta un plano. Delicado y lleno de connotaciones, este excelente documental ficcionado refleja la idea de que no se puede encontrar una solución. La respuesta acaso está en el Más Allá.

Lourdes recibió el primer premio del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2009 y fue galardonada como la Mejor película en el Festival Internacional de Cine de Viena. Y su gran protagonista, Sylvie Testud, no ha ganado el Oscar de Hollywood como hiciera su precedente –Jennifer Jones, la intérprete de La canción de Bernardette (1943), de Henry King–, pero posiblemente como aquélla pasará a la historia del cine mundial.

LA MEMORIA DE LA VIOLENCIA: "CINCO MINUTOS DE GLORIA"

2010-05-01T17:41:00.006+02:00

Prácticamente, coincidiendo con el tercer coche-bomba del llamado IRA de la Continuidad que estalla en Irlanda del Norte, y a sólo tres semanas de las elecciones generales británicas, se ha estrenado una nueva película sobre las consecuencias de la violencia en el Ulster

Se trata de Cinco minutos de gloria (2009), de Oliver Hirschbiegel, el director de El hundimiento (2004). Si en este filme acerca de los últimos días de Hitler fue polemizado por su retrato un tanto atractivo del Führer, con la presente obra sólo ha recibido parabienes. Porque, ante todo, Five minutes of Heaven es una cinta honesta, que busca la reconciliación y el arrepentimiento, aunque no el olvido.

Lurgan (Irlanda del Norte), 1975. La legitimista Fuerza de Voluntarios del Ulster (UVF) exige la venganza contra los militantes del IRA. Un líder protestante, Alistair Little, de 16 años, pretende obtener su “bautismo de sangre” matando a un joven obrero católico, que no pertenece al hoy escindido e histórico grupo nacionalista. (Cfr. mi libro La cuestión irlandesa y el IRA: una vision a través del cine, Valladolid: Fancy, 2003). El asesinato lo presenciará su hermano, un niño de once años, que conservará el afán de venganza. 30 años después, cuando ya ha salido de la cárcel el arrepentido Alistair –ahora un profesional importante–, un “reality show” intentará enfrentar a los dos en un programa dedicado a la reconciliación y el perdón. Con todo, el desarrollo de la trama queda en el tintero para el futuro espectador.

Estamos ante una película conmovedora y sobria a la vez. Sin concesiones de ningún tipo, el cineasta germano –que, por extranjero, logra un mayor distanciamiento– acomete con enorme seriedad un tema que posee visos muy universales. Personalmente, pensé que deberían ver este filme los terroristas de cualquier organización, y reflexionar sobre las consecuencias humanas de tan deleznable acción, que no puede justificarse por convicciones ideológicas.

Oliver Hirschbiegel (Hamburgo, 1957) huye del planteamiento político en esta cinta. Con un guión de Guy Hibbert, basado en un hecho real, la película especula qué hubiera pasado en un “cara a cara” entre el traumatizado asesino y el “marcado” hermano de la víctima, muchos años más tarde. Interesado el director alemán por esa trama, Hirschbiegel manifestaría: “Lo que más me fascinó fue el hecho de que esa historia no sólo habla de la violencia, algo que se ve habitualmente en las películas, sino del legado de esa violencia, lo que pasa después, qué le hace a la gente, a la víctimas, a los familiares de las víctimas”. Y esas víctimas no son únicamente los muertos, sino también los propios asesinos.

Clave en este duelo es el recital interpretativo de los actores protagonistas: Liam Neeson y James Nesbitt. El sobrio Neeson –que en 1996 ya encarnó al político y líder del IRA Michael Collins– está excelente como el terrorista arrepentido; y el a veces histriónico Nesbitt, como el hermano-testigo, Joe Griffen, expresa asimismo con convicción su estado anímico.

Perfectamente ambientada, Cinco minutos de gloria ha sido también calificada como una película moral. Veamos, si no, lo que escribió el nuevo crítico de La Vanguardia, Salvador Llopart, sobre su voluntad de expresión: “El director sabe que los actos tienen consecuencias y los hombres, memoria. Sabe que la violencia nunca es gratuita, y además tiene la perspicacia de situar esa violencia en su momento y en su lugar, cuando los héroes de ayer pueden ser las víctimas de hoy. Sabe, en definitiva, que la venganza es un plato que se sirve frío o caliente, no importa, pero que al final acaba por atragantarse. A todos”.

El nuevo filme de Oliver Hirschbiegel es una obra notable, que provocará la reflexión crítica del espectador.

PELÍCULAS RECOMENDADAS (14)

2010-04-24T17:04:00.006+02:00

Nuevo listado de filmes de estreno, dirigidos a un público amplio, que vale la pena ver. Como siempre, se incluyen por orden alfabético:

- ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

- AVATAR

- LA BOMBA DEL LICEU

- CINCO MINUTOS DE GLORIA

- EL CONCIERTO

- EN TIERRA HOSTIL

- EL ERIZO

- EL ESCRITOR
- FANTÁSTICO SR. FOX

- GARBO. EL ESPÍA

- GREEN ZONE. DISTRITO PROTEGIDO

- INVICTUS

- LOURDES

- EL SOLISTA

AÑO KUROSAWA 2010

2010-03-27T13:38:00.037+01:00

Este año se celebra el centenario del nacimiento de Akira Kurosawa (1910-1998) y para conmemorarlo 26 instituciones culturales han sumado sus esfuerzos en la organización del Año Kurosawa en 12 ciudades españolas

El objetivo de la celebración del Año Kurosawa es impulsar un conjunto de actividades que potencie el estudio, la difusión y el conocimiento en España de la obra de este importante creador japonés. Por ello el evento reúne varias actividades como exposiciones, seminarios, publicaciones, conferencias y ciclos para la programación de su filmografía.

El Año Kurosawa es una iniciativa conjunta de la Universidad de Barcelona (UB), a través del Centre d'Investigacions Film-Història -un grupo de investigación y laboratorio de cine del Departamento de Historia Contemporánea de la UB que dirijo-, Casa Asia y Cultural Affairs. Su realización ha sido posible gracias a la colaboración con diversas entidades del país, como Fundación Japón-Madrid, Centro Cultural Alhóndiga Bilbao, Filmoteca Española, Filmoteca de Catalunya, Filmoteca del Instituto Valenciano de Cinematografia, Filmoteca Asturiana, Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), Festival de Cines del Sur de Granada, Festival de Cine Europeo de Sevilla, Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, Seminario de Estudios Asiáticos de la Universidad de Granada, Centro Cultural Hispano-Japonés de la Universidad de Salamanca, Centro Social Universitario de la Universidad de Murcia, Universitat Internacional de Catalunya (UIC), Universidad Complutense de Madrid, Universidad Católica de San Antonio de Murcia (UCAM), Biblioteca Pública Casa de las Conchas de Salamanca, Fundación Instituto de Japonología, Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC), Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), Conservatori del Liceu de Barcelona y el inestimable apoyo del Ministerio de Educación, cuyo ministro Ángel Gabilondo se ha dignado aceptar la presencia de honor.

Distinguido en su propio país como el "Emperador" del cine japonés, Akira Kurosawa es el maestro que dio a conocer la cinematografía nipona al mundo occidental. Nacido en Tokio y descendiente directo de samuráis, estudió Bellas Artes en su ciudad natal y durante varios años la pintura fue su principal actividad creativa. En 1936 comenzó a trabajar en los estudios Toho, primero como guionista y más tarde como ayudante del realizador Kajiro Yamamoto. Su debut como director tuvo lugar en plena Segunda Guerra Mundial, y desde entonces la crítica lo ha valorado como un gran autor por la cualidad formal y la profundida temático-existencial de sus obras. Sin renunciar a la tradición más arraigada de la cultura japonesa, Kurosawa ha sabido ser también el más universal de los cineastas asiáticos, lo que le ha convertido en un creador oriental clave en la historia de la cultura occidental del siglo XX.

Tras el Congreso Internacional sobre Guerra, Cine y Sociedad de 1992, ya iniciado el nuevo siglo, sin duda éste es el proyecto más ambicioso que el Centre d'Investigacions Film-Història realiza, un importante evento que se sumará a las celebraciones internacionales del centenario del nacimiento del maestro Akira Kurosawa.

Asimismo, el pasado día 23 -coincidiendo con el aniversario del gran artista nipón- presentamos en la Filmoteca de Catalunya el libro Akira Kurosawa. La mirada del samurái (Madrid: Ediciones JC, 2010), del que son autores Andrés Expósito, Carlos Giménez Soria y Jordi Puigdomènech, asesores de una exposición que reunirá 120 storyboards originales, dos vestuarios (kimonos de Ran) y 29 pósters de sus películas, venidos del Japón.

El 2 de abril de 2010, Televisió de Catalunya emitió en "Telenotícies migdia" un vídeo introducido por el locutor con el siguiente texto: "La Universitat de Barcelona ha engegat l'Any Kurosawa, en homenatge al cineasta japonès, ara que fa cent anys del seu naixement. La Universitat ha programat projeccions de les seves pel·lícules, conferències, exposicions i la presentació d'un llibre, en un homenatge que s'avança a tots els que es faran arreu del món".

www.ub.edu/anykurosawa

Y en la festividad de Sant Jordi, Día del Libro, presentamos también en Madrid el Año Kurosawa y este libro, en la Filmoteca Española. En el histórico Cine Doré -repleto de público- se proyectó a continuación la obra maestra Los siete samuráis (1954), en versión completa.

UNOS OSCARS "POLÍTICAMENTE CORRECTOS"

2010-03-08T20:43:00.004+01:00

Kathryn Bigelow es la primera mujer que recibe el Oscar a la Mejor dirección

El pasado domingo, 7 de marzo, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood concedió sus preciados galardones. Aquí va mi crónica y breve valoración crítica

Hasta la madrugada del lunes, los medios de comunicación españoles no dieron la relación completa de los Oscar 2009. Algunos adelantaron que nuestra estrella Penélope Cruz no había recibido la segunda estatuilla dorada; fue la rompedora Mo’Nique, por Precious, quien se llevó el premio a la Mejor actriz de reparto.

Sin duda, la gran triunfadora de esta 82 edición fue Kathryn Bigelow, la realizadora de En tierra hostil, quien se llevó nada menos que los seis más importantes Oscar: Mejor película, Mejor directora, Mejor guión original (Mark Boal), Mejor montaje (Bob Murawski y Chris Innis), Mejor sonido y Mejor edición de sonido.

La Bigelow derrotó a la taquillera película en 3D de John Cameron, Avatar, que sólo se obtuvo tres estatuillas técnicas: Mejor fotografía (Mauro Fiore), Mejor dirección artística (Rick Carter y Robert Stromberg) y Mejores efectos visuales.

La tercera en discordia fue el magistral film de animación, Up, que ganó dos Oscar: Mejor música original (Michael Giacchino) y Mejor película animada. También dos premios se llevó la independiente Precious, pues junto a la reveladora Mo’Nique, Geoffrey Fletcher recibió el galardón al Mejor guión adaptado.

Asimismo, otros dos premios obtuvo Corazón rebelde: Mejor canción original (“The Weary King”) y el más preciado al Mejor actor principal: Jeff Bridges –después de seis nominaciones sin éxito–, por su notable interpretación del cantante country Bad Blake; mientras la Mejor actriz protagonista recayó en la esbelta Sandra Bullock, por The Blind Side, que por fin se ha consolidado como star. El Oscar al Mejor actor secundario fue, indiscutiblemente, para Christoph Waltz, por su impresionante papel de coronel nazi en Malditos bastardos, de Tarantino.

Por último, la Mejor película de habla no inglesa fue para la argentina El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella. Merecido Oscar, que derrotó a las fílmicamente más acabadas, pero mucho más duras, La cinta blanca y Un profeta.

Pienso, como ya es habitual, que los miembros de la vieja Academia de la Meca del Cine han sabido conjugar la gran fiesta mundial del Séptimo Arte con lo “políticamente correcto”: los mejores galardones han sido para una película que evidencia la tragedia del Irak, la excelente En tierra hostil, de Kathryn Bigelow–aunque reconoce que sus “muchachos” son las víctimas–, evitando premiar a quien fuera su marido, John Cameron, que aplaudió el triunfo de su ex mujer. Y también a la gamberra película de Quentin Tarantino o la más testimonial Up in the air. Asimismo, galardonararon un documental sobre delfines en lugar de la denuncia a la guerra del Vietnam, sobre los célebres papeles secretos del Pentágono.

Hubo, por tanto, mucha brillantez y emotividad en la gala, y todos se irían a celebrarlo felices, al tiempo que las estrellas de Hollywood lucían en la alfombra roja sus mejores vestidos.

GLOSA A LOS "GOYA"

2010-02-16T13:28:00.005+01:00

Como miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España asistí a la entrega anual de premios. He aquí mi crónica.

Como en otras ediciones, fue invitado a la Gala de los “Goya”. Es una buena ocasión para saludar a los colegas y conectar con el denominado Mundo de la Farándula, que también es el mío como veterano crítico e historiador del Séptimo Arte.

Las actrices lucían sus mejores vestidos, aunque la fiesta fue aguada por la lluvia y el frío –al día siguiente nevaría en Madrid– y, también, por los manifestantes que se reunieron con pancartas frente al Palacio de Congresos, protestando contra la represión por las descargas de Internet y del sistema de subvenciones al cine español, aparte de un grupo de trabajadores de TVE que está en paro.

Con todo, la Gala conducida por Andreu Buenafuente fue brillante. Y los principales galardones se los llevó la comentada Celda 211 (véase reseña más abajo), pues el thriller carcelario de Daniel Monzón obtuvo ocho “Goyas”: Mejor película, director, guión adaptado, actor protagonista (Luis Tosar), actriz de reparto (Marta Etura), actor revelación (Alberto Ammann), montaje y sonido; mientras la otra candidata –la discutida Ágora de Alejandro Amenábar– recibió siete, la mayoría técnicos, entre ellos Mejor guión original que, en mi opinión, no merece (véase asimismo crítica).

Le siguieron en “Goyas”, El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella (Mejor película hispanoamericana y a la actriz revelación, Soledad Villamil), y con dos estatuillas, Yo, también –Mejor actriz principal, Lola Dueñas, que derrotó a la presente Penélope Cruz; y la canción original de Guille Milkway–; al tiempo que dos cineastas catalanes triunfaron en sendos galardones: Mar Coll, como Mejor dirección novel por Tres dies amb la família, y Edmon Roch, como Mejor largometraje documental por Garbo, el espía (véanse reseñas en este blog).

La sorpresa del fin de fiesta –hasta el cóctel que se nos brindó entrada la madrugada– fue la llegada de Pedro Almódovar para entregar el “Goya” más codiciado, quien se reconcilió con la Academia Española (ahora sólo falta ganarse a José Luis Garci) y tuvo palabras de afecto para el presidente Álex de la Iglesia, que pronunció a mitad de la Gala un discurso muy comedido y humilde sobre la cinematografía de nuestros amores (y dolores).

Si hay que hablar de un perdedor éste sería Fernando Trueba, que obtaba a nueve premios por El baile de la Victoria y no se llevó ninguno; mientras Los abrazos rotos de Almodóvar sólo alcanzó el “Goya” a la Mejor música original (Alberto Iglesias ya ha batido el récord de estatuillas: ocho). Por último, fue emocionante el Goya honorífico a Antonio Mercero, popular cineasta televisivo que hoy sufre Alzheimer.

No obstante, me gustaría añadir una cosa: se habla del 2009 como un año fabuloso para el cine español, por su gran aumento de la taquilla. Pero, a decir verdad, se debe al éxito de dos películas, Celda 211 y Ágora. Francamente, hasta que no sean media docena los filmes que centren la atención del público, no podremos cantar victoria.

"BULLYING", UNA NOTABLE PELÍCULA SOBRE EL ACOSO ESCOLAR

2010-02-04T15:33:00.004+01:00

El pasado lunes, día 1 de febrero, se otorgaron los Premios “Gaudí” de la Acadèmia del Cinema Català. Los más importantes fueron para las películas ya comentadas en este blog: Tres dies amb la família, Garbo. El espía y Los condenados. Se quedó sin galardón otro importante filme catalán que voy a reseñar aquí: Bullying (2009), de Josecho San Mateo.

Barcelona, 2008. Un adolescente de 16 años, Jordi, que acaba de perder a su padre, se traslada con su joven madre a la Ciudad Condal, para comenzar una nueva vida. Su llegada a un instituto no es bien acogida por sus compañeros; especialmente por Nacho, que enseguida le tiene celos y empieza a asediarle. La madre, Julia, es enfermera e intenta superar el vacío con pastillas; mientras Jordi, para no preocuparla más, le oculta las humillaciones que sufre en el colegio, que pronto se transforman en un agobiante bullying. Él también lo niega ante los profesores y su enigmático vecino, con el que trabará amistad. Asimismo, conoce a una chica de su edad, Ania –inmigrante–, que también padece acoso escolar. Pero las circunstancias se precipitarán hasta llegar a la tragedia.

Se trata del nuevo largometraje del veterano Josecho San Mateo (Madrid, 1949), famoso ayudante de dirección de Bardem, Berlanga, Borau, Mario Camus, José Luis Cuerda, Angelino Fons, Garci, Manuel Gutiérrez Aragón, Pedro Lazaga, Pilar Miró, Gonzalo Suárez y Fernando Trueba, entre otros, que saltó a la realización personal con Percusión (1980). Sin embargo, no lograría el reconocimiento como autor hasta veinte años después, al dirigir Báilame el agua (2000), que lanzó a Pilar López de Ayala y Unax Ugalde. Ahora, tras diversos filmes menores y sus continuos trabajos para televisión, San Mateo nos ha sorprendido con una película lograda y de candente actualidad.

El prolífico Josecho San Mateo, que también es profesor –ha dictado numerosas conferencias e imparte cursos sobre Guión y Dirección en distintas universidades españolas: Complutense, Carlos III, Camilo José Cela, Valladolid–, acomete con voluntad pedagógica este importante filme comprometido.

Basado en un guión original del asimismo reconocido Ángel García Roldán (autor de El viaje de Carol), inspirado a su vez en hechos reales, San Mateo va más allá de la mera crónica de sucesos, para adentrar al espectador en el miedo cotidiano, el temor de la vida ordinaria. De ahí que manifestara al poco de concluir el rodaje: “Bullying me produce terror, es algo interior que llevamos todos dentro y que no sabemos cuando saldrá para apoderarse totalmente de nosotros. La cámara vivirá siempre en la mente de Jordi (...) que se enfrenta al miedo de vivir, no a un miedo de colegas malotes, de adultos posesivos, fracasos escolares o primeros amoríos. No, su miedo como el mío al encontrarnos con bullying es enfrentarnos a nosotros mismos. No a “fantasmas”, por otro lado tan fácilmente recurrentes en las historias que nos rodean. No, no, su miedo reside en su propia respiración, en tropezar en su cuarto vacío, en la pantalla de su ordenador, en su avanzar por el pasillo oscuro, en contemplar la ciudad desde una terraza o paseando por un parque, en una llamada telefónica o en un simple mensaje recibido en su móvil, en alguien que te abre la puerta para que pases delante... incluso en la felicidad que Ania, su primer amor, pueda enseñarle”.

En efecto, Bullying trata de una grave problemática contemporánea –el 39 por ciento de los escolares sufren acoso en la Unión Europea y el 25 % en nuestro país, se dice en off al final del filme–, pero con el estilo de una película de terror. Se nota que el realizador domina el oficio y que ha trabajado en todos los géneros. Por eso, su crónica testimonial está narrada con buen pulso cinematográfico, con la profesionalidad de alguien que sabe hacer cine de veras, al tiempo que consigue involucrar al espectador en el dramático relato. Él mismo definiría su película como “impactante, llena de emociones, necesaria y un puñetazo al corazón”.

Francamente, me impactó la película, pues resulta convincente el discurso de Josecho San Mateo. Y también la crítica a las instituciones educativas. Incluso –aunque las comparaciones sean odiosas– me ha gustado aún más que la análoga Cobardes (2008), de José Corbacho y Juan Cruz; ya que en esta cinta precedente se opta por la comedia, mientras San Mateo se aproxima al thriller, que es lo que conviene mejor a la trama.

Con motivo de la presentación su película en el 12 Festival de Cine Español de Málaga, el crítico valenciano Joe Marlango estuvo acertado en una valoración que suscribo: “El problema del acoso escolar es una realidad cada vez más común e igualmente grave como otros problemas que han generado más concienciación en la sociedad actual. Sólo ya por eso el impacto que esta película causa en el público es importante. Bullying además es una notable película. Este drama nunca pretende quedarse en medias tintas, con lo que cae en un extremo del fenómeno que plasma de forma apresurada, como si fuese una caída libre hacia el infierno en sólo media hora. Pero como en una de las mejores películas de terror, el miedo y la angustia son constantes hasta el punto de sufrirlos el propio espectador. Esa gran incomodidad que genera es la prueba que la película transmite intensamente las emociones de su personaje principal y su situación, consiguiendo con creces su objetivo. El filme cuenta además con dos actuaciones de gran verosimilitud y calidad, pero Joan Carles Suau en el papel de acosador es impresionante. El director Josecho San Mateo, a pesar de darle a la cinta un aire de documental, crea varias escenas dotadas de una gran estética. A pesar de la dirección y actuaciones, Bullying dista mucho de ser una obra maestra en varios aspectos, pero genera el pavor de un acosado de una forma maravillosamente escalofriante y sin concesiones”.

Resulta espléndida interpretación de todo el reparto, con enorme naturalidad en el trabajo de los adolescentes –quiero destacar primordialmente al sufrido protagonista, el debutante Albert Carbó, que cursa Arte Dramático en el Institut del Teatre de Barcelona– y brillante la utilización del marco urbano de la capital catalana, así como la diversidad y el entendimiento lingüístico que se muestra.

No obstante, el público no ha respondido favorablemente ante un filme (éramos dos personas en una sesión de tarde) que puede servir para concienciar a padres y pedagogos; a la sociedad española, en una palabra.

ADIÓS A ÉRIC ROHMER, EL CEREBRO GRIS DE LA "NOUVELLE VAGUE"

2010-01-27T10:00:00.000+01:00

El pasado 11 de enero falleció en París, cuando iba a cumplir 90 años, uno de los grandes maestros del cine europeo. He aquí mi breve semblanza crítica

Éric Rohmer fue un gran cineasta contracorriente. Estaba reconocido como uno de los autores más insólitos del cine contemporáneo. Nacido en Nancy (1920), fue el “ideólogo” de la Nouvelle Vague; como me comentó personalmente el pionero François Truffaut, el “cerebro gris” de la Nueva Ola gala. Doctor en Letras, se dio a conocer como crítico en La Revue du cinéma, Les Temps Modernes, Arts y fue redactor-jefe de la famosa Cahiers du Cinéma desde 1957 a 1963.

Discípulo de André Bazin y de formación católica como su maestro, sus artículos teóricos fueron muy celebrados y algunos de ellos ya figuran en la antología de la crítica especializada mundial. Entre los trabajos más recordados y polémicos, destaca su ensayo sobre Alfred Hitchcock escrito con Claude Chabrol (1957). Profesor universitario, publicó su tesis doctoral sobre L’Organisation de l’espace dans le “Faust” de F. W. Murnau (1977). Asimismo, ha sido director escénico, autor de la pieza teatral Trío en Mi Bemol (1991) y guionista de todas sus películas.

Rohmer era, ante todo, un escritor fílmico, de imágenes en movimiento: “Quería escribir y no encontré mi estilo. Por ello me he expresado con una cámara”, dijo. Tanto es así que en esos primeros años realiza numerosos cortos en 16 y 35 mm, algunos formando parte de series televisivas, y el largometraje comercial Le signe du lion, producido por su colega Chabrol, filmes que le destacarían como autor y preludian la Nueva Ola francesa.

Sin embargo, su verdadera fama internacional como creador cinematográfico llegaría con la realización de un singular proyecto: sus “seis cuentos morales”, original intento de recrear el espíritu de los moralistas galos del siglo XIX, pero con total libertad estético-expresiva. En todos estos contes moraux hay un mismo tipo de hombre, en la misma situación. Enamorado, prometido, casado, se deja seducir, pero, en el último momento, se niega. Así, los dos primeros –el corto Le boulangère de Monceau (1962) y el mediometraje La carrière de Suzanne– evidenciaron una compleja dialéctica y un estilo muy personal que, con todo, denotaba cierta influencia de Robert Bresson. Después realizaría la amoral La coleccionista (1966), donde sus personajes correspondían a seres reales, los cuales eran “seres cinematográficos” que, incluso, colaboraron en la redacción del guión. En el siguiente “cuento moral”, el célebre Ma nuit chez Maud (1969), consolidó su estilo, cuya escritura en imágenes provocaría una polémica teórica con Pier Paolo Pasolini acerca del lenguaje: cine-poesía contra cine-verdad.

La estética de Éric Rohmer es poética, muy explícita y enormemente sencilla, desnuda y rica en matices. La simplicidad de sus originales relatos descansan en una construcción rigurosa sobre cierta unidad de lugar, aunque sin salirse de la realidad para él cotidiana, como manifestaría: “Estoy muy apegado a la verdad del detalle, al realismo del comportamiento”. Preocupado, pues, por captar la vida corriente con espontaneidad pero sin demasiada improvisación, se servía de actores jóvenes (de teatro) desconocidos, para aportar mayor frescura. Con una postura muy intelectual, su obra se presenta casi sin concesiones, ausente de tópicos y efectismos y con unos diálogos austeros –desprovistos de fondo musical– que convienen en un singular ascetismo creador.

Defensor de la libertad interior de sus personajes, afirmaba que tales “no son puros seres estéticos; poseen una realidad moral que interesa tanto como la realidad física”. De ahí su empeño por ir más allá de las apariencias. “Me gusta –dijo también– que el hombre sea libre y responsable. En la mayoría de los filmes es prisionero de las circunstancias, de la sociedad. No se le ve en el ejercicio de su libertad”. Pero dentro de esta valiosa actitud, se echa de menos un hálito de espiritualidad: los “héroes” cotidianos de Rohmer apenas trascienden el nivel humano, luchan contra las modas reinantes, pero difícilmente aportan valores perennes. Por otra parte, las ideas y posturas íntimas de sus personajes quedan un tanto en tela de juicio: no son alabadas ni criticadas, sino meramente expuestas, como se aprecia en Le genou de Claire (1970) y L’amour l’après-midi (1972), los filmes que cerraron esa primera serie.

Sus famosos “cuentos morales” (1962-1972), tras un paréntesis en que realizó su magistrales La marquise d’O y Perceval le Gallois, fueron continuados con una nueva serie titulada “Comedias y proverbios” (1980-1987), centrada en la figura femenina joven de la Francia contemporánea. Está compuesta por otros seis títulos: La mujer del aviador, La buena boda, Pauline en la playa, Las noches de luna llena, El rayo verde y El amigo de mi amiga, donde depuraría su estilo, pero incurriendo en un exhibicionismo erótico y amoralidad mayores. Estos y aquellos serían narrados a modo de fábulas fílmico-literarias más adecuadas para iniciados. Pero mientras los six contes moraux resultaron un tanto ambiguos en su moraleja y estaban rodeados de un hálito de misterio que el realizador galo no quería desvelar, sus comédies et proverbes planteaban cuestiones sobre la sustitución de una moral por un sistema de normas sociales, y parecía aceptar la modernidad sin apenas referencias éticas y religiosas.

A finales del siglo XX, este gran cineasta con vocación de etnólogo iniciaría su última serie como autor: “Cuentos de las cuatro estaciones” (1989-1998): Cuento de primavera, Cuento de invierno, Cuento de verano y Cuento de otoño, donde vuelve a demostrar su maestría creadora y apunta cierta búsqueda religioso-espiritual (desde Platón a Pascal, otra vez). Obviamente, en todas sus películas se aprecia un agudo retrato de ciertas mentalidades pequeñoburguesas y de jóvenes intelectuales franceses contemporáneos. Cerró su carrera con tres películas minimalistas: La inglesa y el Duque (2001), visión revisionista de la Revolución Francesa, Triple agente (2004), ambientada en los años del Frente Popular, y El romance de Astrea y Celadón (2006), que comentamos más abajo con motivo del estreno en España.

Por eso su importante obra, como testimonio histórico que también es –se estuviera o no de acuerdo con su fondo–, despertaría no sólo admiración, sino casi tantos detractores como seguidores. Sin duda, entre estos últimos me encuentro. Porque Éric Rohmer, guste o no su cine, ha sido un maestro del Séptimo Arte.

"LOS CONDENADOS" Y "PETIT INDI", DOS NUEVAS PELÍCULAS CATALANAS DE VANGUARDIA

2010-01-20T12:09:00.006+01:00

Sendos filmes de cineastas autóctonos son candidatos al Premio “Gaudí”

de la Academia del Cinema Català. Los comentamos a continuación

LOS CONDENADOS, de Isaki Lacuesta

Martín, un antiguo militante latinoamericano –que lleva más de treinta años exiliado en España– recibe la llamada de su ex camarada Raúl, quien le pide ayuda para localizar los restos de Ezequiel, un compañero de lucha armada, asesinado en la selva tras una refriega con los militares. En esa excavación clandestina, se reunirán Andrea, la viuda del desaparecido, su anciana madre y otra compañera de cautiverio, con su hijo. Sólo una persona se ha negado a acompañarles en la búsqueda: Silvia, la hija de Ezequiel y Andrea.

Primera incursión en el cine argumental del vanguardista Isaki Lacuesta (Girona, 1975), ya reconocido por sus películas de no ficción Cravan vs. Cravan (2002) y La leyenda del tiempo (2006). Lacuesta es, ante todo, un documentalista, que ensaya con el arte cinematográfico desde ese híbrido que se ha transformado últimamente el género. Ahora, en pleno auge de la Memoria Histórica y de la recuperación de las fosas comunes de ejecutados por ideas políticas, Isaki Lacuesta acomete una reflexión crítica sobre la legitimidad de la violencia, las contradicciones de la lucha armada, los problemas morales de conciencia y las heridas incurables del pasado.

Rodado en la selva peruana, la acción se enclava en un país innominado –aunque se deduce que es Argentina bajo la Dictadura militar–, y la voluntad de expresión de su autor posee cierto carácter universal (también se menciona a ETA). Dejemos, no obstante, que hable el propio realizador, también sobre la génesis del filme y su singular puesta en escena: “El origen es un documental que rodé mientras participaba en una excavación de la Guerra Civil española. Pero finalmente me pareció que la ficción era la forma más adecuada para la historia que quería explicar, que en el fondo es un relato moral. De todas maneras, también incorpora elementos documentales: la relación con los actores estaba muy abierta a improvisaciones, de la misma manera que el rodaje estaba condicionado a los cambios del clima. Quería hablar de temas universales. La elección de Latinoamérica vino porque el proyecto comenzó a tomar forma en Argentina y por intereses dramáticos. Pero temía que contextualizar la historia en un lugar concreto hiciera pensar a la gente que se trataba de una historia sobre aquel país, y yo no quería hablar de la memoria histórica sino de cómo el presente puede condicionar el futuro. La película comienza de forma más explícita y cada vez va mostrando más agujeros que ha de llenar el espectador. Quizás confío demasiado en un espectador activo y participativo”.

Ciertamente, el filme –premiado por la Crítica en el Festival de San Sebastián 2009– no acaba de funcionar entre el público (cuatro espectadores fuimos en una sesión de noche, en la sala donde se exhibe en Barcelona), acaso por su dosis de ambigüedad en el desenlace del relato y, si me apuran, por ese tono cinéfilo que tiene Los condenados, con claras influencias de Joseph Conrad (El corazón en la tinieblas) y al cine de Sam Peckinpah (Duelo en la Alta Sierra). De ahí que el híbrido de Isaki Lacuesta tenga asimismo el estilo de un western crepuscular y no tanto el aire del género político que el espectador pueda esperar.

Por otra parte, el paisaje es también coprotagonista del filme; pues, como dice el mismo director, “me gustaba mucho la idea de que los personajes fueran siendo devorados por el paisaje. También quería reflejar como, mientras tienen lugar las tragedias personales, la naturaleza sigue creciendo a su alrededor”. (Las reveladoras declaraciones de Isaki Lacuesta proceden de la entrevista realizada por Xavier Roca, en Avui, 20 de noviembre de 2009, p. 48).

Con planos-secuencia francamente logrados –de manera especial, la escena de siete minutos que, a modo de monólogo, interpreta Bárbara Lennie–, junto a otros más obtusos o frívolos –como la relación entre los jóvenes arqueólogos (aunque reproducen un ambiente bastante habitual en las excavaciones)–, Los condenados obliga a la reflexión del espectador intelectual. De ahí que el crítico del referido diario catalán, Carlos Losilla –asimismo profesor de la Universitat Pompeu Fabra, de cuyo Máster de Cine Documental ha salido este filme (como antaño En construcción, de José Luis Guerín, y el comentado El cielo gira, de Mercedes Álvarez)– fuera más allá de una primera lectura contextual: “La atmósfera claustrofóbica de unas excavaciones donde un grupo de antiguos guerrilleros y unos cuantos jóvenes intentan encontrar el cuerpo de un compañero asesinado hace años, sirve a Lacuesta para reflexionar sobre la lucha armada y llegar a conclusiones nada tranquilizadoras. Aun así, no obstante, el retrato de este mundo cerrado le permite hacerlo tornar en una forma de abstracción en el tiempo y en el espacio –sólo sabemos que estamos en algún lugar de Latinoamérica– que habla más de los mitos que de la realidad, de las fantasías del imaginario humano que de su comportamiento. De ahí la grandeza de Los condenados, retrato de una ausencia y un fantasma, pero también de la vida que continúa... “(Carlos Losilla, “La vida sempre mana”, en Avui, 20 de noviembre de 2009; la traducción del catalán es mía).

Obviamente, no todos harán esa segunda lectura de un filme que, con todo, posee fuerza dramática, con imágenes tan elegantes como en su mayoría sobrias, plenas de emoción y con miradas –también de la cámara– muy expresivas; y que pretende responder, según Isaki Lacuesta, a la cuestión de “cómo alguien se decide a matar a otra persona para defender sus ideales, y cómo las buenas intenciones y las mejores creencias casi siempre comportan dolor”. El discurso del personaje de Silvia es una clara muestra de ello.

Por último, Los condenados denota la categoría catalán de este joven cineasta gerundense, que forma parte de una nueva generación de realizadores de Girona (Edmon Roch -véase reseña de Garbo. El espía, más abajo, también nominada para el premio "Gaudí"-, Albert Serra, Pere Vilà), que dará qué hablar en el cine español de nuestros días.

PETIT INDI, de Marc Recha

Arnau es un adolescente, que deambula por el extrarradio de Barcelona. Su madre está en la célebre cárcel de mujeres de Vad-Ras, esperando un juicio. Mientras, él trabaja en una fábrica y vive con su hermana, dedicando el tiempo libre a adiestrar pájaros cantores: pinzones, verderones, pardillos... aunque con un jilguero gana concursos. Un día, cuando iba a pagar el alquiler pendiente de la humilde casa familiar, le roban el dinero en el canódromo, donde asiste a las carreras de galgos con su tío. Así se verá obligado a vender su jilguero cantor. Pero al encontrar destrozadas las jaulas en su chamizo de la vega del Besòs, continuará a la deriva.

Nuevo film-ensayo del vanguardista Marc Recha (L’Hospitalet de Llobregat, 1970). Este innovador cineasta catalán ha vuelto a sorprender con otra película minoritaria, con la cual indaga de nuevo sobre las relaciones entre el mundo urbano y el rural. Si ayer nos deparó obras análogas como El árbol de las cerezas (1998), Pau y su hermano (2001) o Las manos vacías (2003), ahora insiste en este tema con el tono austero y experimental que le caracteriza como autor.

Además, sitúa la acción en el hoy desaparecido barrio barcelonés de Vallbona, que estaba en plena transformación cuando comenzó a escribir el guión (2004). Cuatro años más tarde, el equipo inició el rodaje y ese espacio ya había cambiado por las obras del AVE, con la construcción de puentes y nuevos edificios, al tiempo que tampoco existían los característicos huertos de esa zona. Así, los realizadores se vieron obligados a adaptar el guión a la nueva realidad del paisaje. Un lugar que estaba condenado a desaparecer, un paraje lleno de lirismo y nostalgia, que evoca la fea expansión urbanística en detrimento del bello escenario natural. El mismo director se pronunciaría en estos términos: “No buscábamos el feísmo porque queríamos hacer una película luminosa y fresca, y, dado el tema del que hablamos, recrearse en el desorden habría dado una película muy gris, de esas que la gente sale pensando qué depresión”.

Por eso superó la tentación de inclinarse por la gravedad, e hizo “lo contrario de lo que la gente espera de mí”. El periodista Pedro Vallín interpretaría así su voluntad de expresión: “Como contrapeso a la melancolía por un mundo que desaparece, Petit indi se pertrecha en dos argumentos: lo que desaparece no es un espacio natural, ni siquiera rural, sino un híbrido extraño, creado por la inflación urbana, de huertos y cables de alta tensión, donde el cauce del río es tan artificial como los rascacielos, al fondo, de Diagonal Mar, o las torres de la central térmica de Sant Adrià de Besòs. Por otro lado, al tiempo que las grandes infraestructuras hacen desaparecer este pozo de paisaje degradado y olvidable –y por eso mismo extraño y magnético– también rueda Marc Recha la desaparición del canódromo –de hecho acababa de cerrar y “hubo que reabrirlo para la película”–, que no es un avance en la depredación, sino justo lo contrario, el triunfo del pensamiento misericordioso con el medio ambiente, y por ende, con los derechos de los animales”. (“Recha y los no lugares”, en La Vanguardia, 30 de octubre de 2009, p. 41).

Petit indi es, pues, una fábula sobre la pérdida de la inocencia, acerca de un paraíso perdido que nunca existió y la pretendida humanización de un territorio. A modo de cuento moral –aunque de difícil intelección para el público no iniciado en el cine de este autor– Marc Recha ha sabido crear espacios, físicos y humanos, para ofrecerlos poética y emocionalmente al acaso sorprendido espectador.

Por otro lado, ha logrado sacar partido a un reparto de excepción: desde la veterana Eulàlia Ramon a los galanes Sergi López y Eduardo Noriega –ambos se han prestado a colaborar con el realizador catalán–, que secundan la notable interpretación del debutante Marc Soto... todos encarnan sus personajes con gran naturalidad. Asimismo, la intensa banda sonora –llena de silencios y ruidos naturales– queda enriquecida por la música del hermano del director, Pau Recha; al igual que la cuidada planificación –con insertos de pies y calzados, grandes primeros planos, bellos o misérrimos encuadres–, que dan significación y entidad artística a esta obra.

Cineasta singular, Marc Recha es un autor contracorriente, que ha sido comparado por su austeridad estilística con el maestro Robert Bresson. Dejemos que sintetice su universo creador el crítico Jordi Batlle Caminal: “Ya hemos viajado al planeta Recha las veces suficientes para tener claro su ecosistema: un cine de gran rigor formal, sereno y poético, más atento al gesto que a la palabra, sin ataduras genéricas (él mismo es ya en sí un género) y sistemáticamente integrado, o diluido, en la naturaleza; como Godard o Portabella, Recha es de esa raza de cineastas que sabe filmar un árbol, algo que a primera vista parece fácil, pero no lo es”. (“Planeta Recha”, en La Vanguardia, 30 de octubre de 2009).Hace unos años me tocó presentarle en la Universidad, pues un grupo de alumnos de la UB le dedicó un ciclo especializado. A mi lado, por la valoración que hacía de su persona y obra (cfr. síntesis, en La Pantalla Popular. El cine español durante el Gobierno de la derecha. Madrid: Akal, 2005, pp. 183-184), me miraba sorprendido este joven cineasta barcelonés. Pero hoy ha sido reconocido por la Acadèmia del Cinema Català, que también le ha nominado por su osadía fílmica.

PELÍCULAS RECOMENDADAS PARA ESTAS NAVIDADES'09

2009-12-17T12:29:00.004+01:00

Cuando llegan las fiestas, bastantes aficionados me piden les recomiende algunos títulos para ver en familia. Ahí va, pues, una selección de 11 filmes de categoría artística para disfrutar a través del cine

DVD

UP (USA, 2009), de Peter Docter y Bob Peterson. Dibujos animados. Color - 96 minutos.
Obra maestra del cine de animación, procedente de la fábrica Pixar/Walt Disney, que encantará a grandes y chicos. Posee enorme belleza formal y un sólido guión lleno valores humanos. Puede ser un buen regalo para esta Navidad o los Reyes Magos.

KATYN (Polonia, 2007), de Andrzej Wajda, con Artur Zmijewski y Maja Ostaszewska. Histórica. Color - 118 minutos.
La última película histórica del maestro Wajda, que relata la matanza de 22.000 oficiales polacos por los soviéticos durante la II Guerra Mundial. Está basada en las memorias del hijo de uno de los protagonistas.

AMAZING GRACE (Gran Bretaña, 2008), de Michael Apted, con Ioan Gruffud y Romala Garai. Histórica. Color - 120 minutos.
Narra la abolición de la esclavitud en Inglaterra. Ambientada a finales del siglo XVIII, se centra en la biografía del parlamentario británico William Wilderforce (1759-1933). Es una obra sobria pero emocionante.

VACACIONES DE FERRAGOSTO (Italia, 2009), de Gianni di Gregorio, con Gianni di Gregorio y Valeria de Franciscis. Comedia. Color -75 minutos.
Espléndida película italiana, realizada por el veterano actor y ahora director Di Gregorio, en la línea del histórico Neorrealismo. Trata del cuidado de cuatro ancianas en plena canícula romana. Es la ganadora del Premio FAMILIA 2009.

HARRY POTTER Y EL MISTERIO DEL PRÍNCIPE (GB-USA, 2009), de David Yates, con Daniel Ratcliffe y Emma Watson. Fantástica. Color - 153 minutos.
Para los amantes de los best-sellers de Rowling, esta nueva entrega de la saga de Harry Potter y sus amigos –todos magos ya creciditos– es la más divertida de la serie. Magnífica ambientación.

PELÍCULAS DE ESTRENO

CUENTO DE NAVIDAD (USA, 2009), de Robert Zemeckis, con Jim Carrey y Gary Oldman. Dramática. Color - 96 minutos.
Brillante adaptación de la obra de Charles Dickens a cargo del especialista Zemeckis. Con secuencias espectaculares en formato 3D, pese al histrionismo de Jim Carrey, gustará por su fidelidad al cuento original.

AVATAR (USA, 2009), de James Cameron, con Sam Worthington y Sigourney Weaver. Ciencia-ficción. Color -165 minutos
Se trata del filme más caro de la Historia del Cine (500 millones de dólares) y la más ambiciosa producción del autor de Titanic. Con efectos especiales y digitales en 3D, gustará más a los aficionados de este popular género.

PLANET 51 (España, 2009), de Jorge Blanco, Javier Abad y Marcos Martínez. Dibujos animados. Color - 95 minutos.
Importante película de animación (la más cara del cine español: 60 millones de euros), que ha contado con un excelente guión del norteamericano Joe Stillman (Shrek). Es candidata a los Oscar de Hollywood.

2012 (USA, 2009), de Roland Emmerich, con John Cusack y Amanda Peet. Ciencia-ficción. Color - 158 minutos.
El autor de Independence Day vuelve con otra película catastrófica. Espectacular y divertida, siendo increíble el relato, se sigue con interés. Los efectos especiales son también de primer orden.

MI VECINO TOTORO (Japón, 2009), de Hayad Miyazaki. Dibujos animados. Color - 86 minutos.
Magistral película de animación, ambientada en los años 50. Trata de la amistad y presenta valores familiares. Es una de las últimas muestras del manta japonés, que gustará asimismo a los mayores.

VICKY EL VIKINGO (Alemania, 2009), de M. Herbig, con Jonas Hämmerle y Nic Romm. Aventuras. Color - 85 minutos.
Original película alemana, especialmente dirigida al público menor, que narra las aventuras de un muchacho vikingo muy distinto a sus padres. También destaca por los valores familiares y su atrayente realización.

¡Feliz Navidad y Nuevo Año 2010, con Mejor Cine!

"GARBO. EL ESPÍA", EXCELENTE DOCUMENTAL DE EDMON ROCH

2009-12-11T00:20:00.009+01:00

Acaba de estrenarse un importante thriller documental, que evidencia con creces que el cine de no ficción también contribuye al progreso de la ciencia histórica. He aquí, pues, mi reseña

Juan Pujol, hijo de un empresario textil de Olot (Girona) y de una granadina, fue un sagaz espía doble durante la II Guerra Mundial: engañó a los nazis –haciéndoles creer que el desembarco aliado sería por el Paso de Calais–, de quienes recibió la Cruz de Hierro y era conocido como “Alaric”; y trabajó para el Servicio de Inteligencia inglés, con el nombre de “Garbo”, y le fue otorgada la Orden del Imperio Británico. Tras la conflagración, se hizo pasar por muerto en Angola, pero en realidad se había establecido en Venezuela, regresando a España en 1984 para reconciliarse con sus hijos. Murió en 1988, después de visitar las célebres playas donde tuvo lugar el desembarco de Normandía.

Toda esta apasionante historia –¡y mucho más!, que dejamos expresamente velada para el disfrute del espectador– nos la cuenta pormenorizadamente el debutante Edmon Roch (Girona, 1970). Este joven cineasta catalán ya había destacado antes como guionista, con Rosa Vergés (Tic Tac, 1997) y Gustavo Ron (Mía Sarah, 2006), y como productor ejecutivo, asociado o director de producción en filmes de Whit Stillman (Barcelona, 1994; The Last Days of Disco, 1998), Fernando Colomo (El efecto mariposa, 1995) o Jean-Jacques Annaud (Siete años en el Tibet, 1997), sin olvidar su colaboración con Peter Greenaway (Las maletas de Tulse Luper, 2002-2004) y Tom Tykwer (El perfume, 2006). Estamos, por tanto, ante un profesional de categoría, que acaba de producir y escribir otros dos filmes importantes: Bruc, sobre la Guerra la Independencia; y Lope, acerca de las desventuras del “Fénix de los Ingenios”.

Conocí a Edmon Roch hace casi dos décadas. Comenzaba entonces a estudiar Historia del Arte en mi Facultad de la Universitat de Barcelona, y enseguida se integró en el Centre d’Investigacions Film-Història que dirijo en la UB. Fue uno de sus miembros más destacados, al tiempo que ejercía la crítica de cine en el Diari de Girona. Además, sería mi “brazo derecho” en el Congreso Internacional sobre Guerra, Cine y Sociedad, que organizamos en la misma Universidad (1992). Allí pronunció una valiosa ponencia, que constituyó el germen de su reciente libro Películas clave del cine bélico (Barcelona: Ma Non Troppo, 2008). Después de licenciarse con Premio Extraordinario fin de carrera, marchó becado por “la Caixa” a Gran Bretaña, donde se graduó en la International London Film School. Volvió de Inglaterra ya hecho un cineasta. Y, sin abandonar nunca la crítica (Guía del Ocio, especialmente), se lanzó al plató cinematográfico con una vocación a prueba de bomba: como François Truffaut, Edmon Roch parece tener celuloide en la sangre.

Y ahora lo ha demostrado con Garbo: The Spy, su ópera prima como director. Con un guión propio, en colaboración del también gerundense Isaki Lacuesta y María Hervera, es un documental de excelente calidad artística, donde su condición de cinéfilo está muy patente a lo largo del condensado metraje. Pero dejemos que el propio Roch nos hable de su voluntad creadora: “Garbo. El espía es un thriller documental sobre héroes y espías, secretos y mentiras, memoria y olvido, hecho con fragmentos de películas de Hollywood, material de archivo y efectos digitales, con una estructura que nos fuerza a elegir nuestra particular interpretación de la verdad. Juan Pujol era hijo de una familia de la burguesía catalana del Eixample, católica y apolítica, gente de orden y de paz. Su padre, que había vivido la Semana Trágica, inculcó a los hijos la defensa de la democracia por encima de todo extremismo. Para explicar la historia del agente doble más importante del siglo XX, nada mejor que el cine”.

De ahí, pues, la original utilización de fragmentos de largometrajes famosos, como Nuestro hombre en La Habana, Mr. Moto’s Last Warning, El extraño, Pimpirnel Smith, El agente invisible, The Secret Code, British Intelligence, El día más largo, Patton o Mata Hari, para ensamblar el apasionante relato con entrevistas a Nigel West, experto en Inteligencia y novelista, Mark Seaman, oficial del M15, Aline Griffith, condesa de Romanones y espía durante la Segunda Guerra Mundial, o el periodista Xavier Vinader, coautor de sus memorias; así como la inclusión de noticiarios, cartoons, anuncios y películas de propaganda, junto a fotografías y filmes familiares.

Tras cinco años de investigación, 600 horas de entrevistas grabadas, exteriores en Londres, Berlín, Caracas y Lisboa, la labor de montaje es francamente notable, ya que mantiene en todo momento el interés del espectador, al tiempo que le lleva al análisis y a la mejor comprensión de la insólita personalidad de Juan Pujol y de la época en que le tocó sobrevivir.

Por eso, Garbo. El espía ganó el premio a la Mejor película documental en el Festival de Cine Europeo de Sevilla (2009), el segundo premio del prestigioso Festival de Cine Documental de Ámsterdam, a la vez que fue seleccionada en el certamen especializado de Roma de este mismo año.

Por último –y para que no se diga que la amistad me ciega en la presente valoración del filme–, veamos lo que ha escrito el nuevo crítico de La Vanguardia, Salvador Llopart, centrándose también en la figura de este singular espía catalán: “Mentir, engañar, aparentar, falsear era lo suyo. Su historia, bien conocida, a la que se han dedicado varios libros, es de película. Y por eso el hábil Roch, el cinéfilo Roch –productor y crítico en ejercicio– ha hecho lo mejor que podía hacer si no dispones de una potente maquinaria para convertir una historia así en ficción. Roch apuesta por el documental donde se cuentan los hechos. Pero la cosa no se queda ahí. Porque los hechos se subrayan, se contrastan y se matizan con fragmentos de películas –¡qué bien elegidas!, ¡qué bien montadas!–, con material de archivo, efectos digitales y una banda sonora que subraya el conjunto. Hay mucho cine dentro de Garbo, cine del bueno, ese que sabe que una historia se administra en dosis para conseguir un efecto multiplicado. Garbo es, en buena medida, la historia de un gran vacío, el que deja el propio Pujol. Una incógnita por resolver hasta el final. ¡Ese tipo, Cruz de Hierro nazi, condecorado por la reina británica, pudo hacer todo eso?”. (Salvador Llopart, “¿Qué hiciste en la guerra, papi?”, en La Vanguardia, 4-XII-2009, p. 43).

Ha sido una gran satisfacción para mí –permítaseme esta referencia personal– el brillante debut como realizador de Edmon Roch, un antiguo y generoso colaborador, verdadero amigo y excelente persona, que trabaja con un optimismo y entusiasmo contagiosos –asimismo lo demostró durante sus años de Jefe de Prensa en el Festival de Sitges–, quien ha revalorizado con este filme la importancia del documental como fuente histórica y testimonio de la Historia. Una película de no ficción, que recupera del pasado una figura mítica en la historia de la II Guerra Mundial, precisamente a través de ese Séptimo Arte que él ama no sólo con rigor, sino también con auténtica pasión.

(Reproducido en www.cinemanet.info, el 17-XII-2009).

CÓMO DAR CUENTA DEL MAL DESDE LA CRÍTICA

2009-12-07T00:15:00.004+01:00

Durante los días 3 al 5 de diciembre de 2009 se celebró en la Facultad de Comunicación Social Institucional de la Universidad Pontificia de la Santa Cruz, en Roma, un Seminario internacional sobre "Repensar la ficción. El mal moral en las pantallas".

Invitado por el Dr. Enrique Fuster, profesor de Teoria e Storia del Cinema, ésta fue mi ponencia especializada.

Comenzaré mi intervención respondiendo abiertamente a la cuestión que se nos plantea: el mal debe tratarse como lo que es: como mal y además ese mal debe tratarse bien.

Ciertamente, parece una tautología o un juego de palabras. Pero espero saber explicarme lo suficiente y evidenciar los matices de tal afirmación.

Sabemos todos, estoy seguro, que el mal absoluto, el mal en sí, no existe, que el mal no tiene entidad propia y que lo que llamamos mal, en realidad, es sólo la carencia de un bien debido (el agujero del queso, como diría Santo Tomás). Es más, lo que existen son cosas malas en mayor o menor grado, pero en cuanto son realidades, entes, se puede decir que son buenas.

Así pues, con este breve preámbulo, mi relación para la presente mesa redonda ya podría transformarse en algo más tratable, menos beligerante, algo así: cómo dar cuenta de la ausencia de bien en el cine actual. Esto hace que lo enfrentemos con serenidad y no desde la tensión de un maniqueísmo irreal.

Otra obviedad que cabe decir, antes de enfrentarnos al meollo de la cuestión, es que el denominado mal no se da en forma nítida y separada, sino que se manifiesta convenientemente mezclado con dosis de bien en los diferentes aspectos que componen la obra artística, fundamentalmente el noético, ético y estético.

A continuación, urge decir que no todos los errores tienen el mismo peso, un deficiente sonido, aunque molesto, no es comparable con un guión que justifique el aborto, por poner un ejemplo diáfano.

Además, muy frecuentemente, se alaba una película en atención a sus cualidades o valores fílmico-artísticos, pero nada más. Y esto es un juicio incompleto o, si prefieren, parcial. Una película inmoral, de una ideología errónea, puede con todo ser una destacada obra de arte. Pondré unos ejemplos extremos: El triunfo de la voluntad (Leni Riefenstahl, 1935) es una obra maestra del cine de propaganda nazi que, como las filmaciones de la época de Goebbels, promulga y mitifica una ideología perversa, pero está reconocida como una pieza artística muy lograda. Hay otras películas estéticamente notables, como Kill Bill I y II (Quentin Tarantino, 2003-2004) o Brokeback Mountain (Ang Lee, 2005), que buscan la violencia y el sexo en aras de la “ideología” comercial, además –en estos casos– de desmitificar a sus respectivos géneros (fantástico-terror y western).

Partir de una jerarquización de los valores es imprescindible para poder juzgar las complejas relaciones entre Arte y Moral. Ya lo manifestó en su día –aludiendo a razones políticas– el prestigioso catedrático de Estética de la Universidad de Barcelona, José María Valverde: Nulla aesthetica sine aethica. Pues, aunque el Arte es un ámbito autónomo de la moral –autónomo, pero no independiente; como afirma el especialista Sánchez de Alba, “tiene una realidad propia, autónoma, pero no puede independizarse de esa realidad espiritual que lo constituye.” (György Luckács: Estética. Madrid, 1975, p. 194)–, el ámbito de la Moral es superior; ya que las leyes morales rigen toda la actividad humana, incluida la artística. Además –como decía el filósofo Jacques Maritain (cfr. La poesía y el arte. Buenos Aires, 1955)– el artista no puede dejar de ser hombre o mujer para ser sólo artista. Estas son verdades lo suficientemente claras como para que no requieran demostración.

Aun así, cabe señalar que el espectador percibe la obra como un todo, sin pararse a diseccionar, como haría un experto en su análisis formal, los valores éticos de los meramente estéticos. Sin embargo, debo decir que lo malo o inmoral no deja de serlo por estar insertado en una obra de arte. Es más, su peligrosidad aumenta cuando el mal está bien hecho.

En este sentido, es preciso tener el criterio claro. Además, es bueno recordar el axioma de que el fin no justifica los medios.

Por tanto, si una película está perfectamente realizada seduce y, bajo el envoltorio de arte, puede presentarnos contenidos ideológicos rechazables o imágenes obscenas. De ahí el fraude, el engaño, que puede llevar en sí una obra artística, la cual –insisto– tendrá mayor repercusión o efectividad en la medida que tenga más calidad fílmica. Dos ejemplos recientes: Ágora, de Alejandro Amenábar, y Si la cosa funciona, de Woody Allen. El polémico film de Amenábar es un alegato irreligioso, que enfrenta Fe y Razón, Religión y Ciencia, al tiempo que posee notable calidad formal; mientras que la última comedia de Allen arremete, como hiciera el cómico norteamericano en sus primeros tiempos, contra lo divino y lo humano, con un tono intelectual muy próximo al cinismo, aunque con la genialidad artística que le caracteriza como autor (ver sendas reseñas más abajo). De ahí que, muchas veces seguramente, los aspectos que pueden parecer estéticos, reflejo de belleza, son sólo técnicos, hábil manipulación.

Entro ahora en la cuestión planteada en esta mesa redonda desde mi experiencia como veterano crítico e historiador del cine.

Dije al principio que al mal debe tratarse como lo que es, como un mal. Pero como un mal relativo, no absoluto; como una criatura imperfecta en alguno de los múltiples aspectos que la conforman.

El pensar que detrás de cada creación hay personas, ayuda sobremanera a acometer la crítica; porque teniendo en cuenta el principio de “combatir las ideas y no a las personas”, descartamos la tentación, tan frecuente, de las enmiendas a la totalidad, o de las descalificaciones personales que inducen, inevitablemente, a posiciones irreconciliables, que desencadenan enemistades o generan "enemigos" permanentes.

Debe tenerse muy en cuenta que, actualmente, un director de cine está sometido a infinidad de presiones y que su obra suele estar mediatizada por causas extrínsecas a su primigenia idea. Exceptuando a algunos creadores como el referido Woody Allen, que pueden hacer lo que quieran, la mayoría debe buscar financiación y ceder a los chantajes que imponen los productores (ideología de género, lobby gay, sexo explícito para que su película sea más comercial…), o de lo contrario no logrará realizar el film y en el supuesto que lo consiga dificultará su distribución. Hoy el cine se ha convertido, salvo excepciones, además de negocio, en herramienta para difundir los paradigmas de un determinado modelo de sociedad relativista, laicista y radicalmente individualista.

Pero me queda por enunciar otro elemento indispensable para acometer cualquier crítica: la verdad. La verdad inmuniza contra el sectarismo. Llamar a las cosas por su nombre significa alabar lo bueno y desenmascarar lo menos bueno, provenga de donde provenga.

Una verdad que necesariamente será subjetiva, no la verdad absoluta; pues nuestras opiniones ni son dogmas y menos aún están revestidas de infalibilidad. Así, el crítico tendrá que escribir siempre honestamente sin traicionar sus principios personales.

Extendiéndolo a la cultura en general, el antropólogo Ricardo Yepes afirmó: “Es importante notar que la cultura no es sólo expresión de una subjetividad, sino expresión de la verdad vista por una subjetividad”. (Fundamentos de Antropología. Un ideal de la excelencia humana. Pamplona, 1996, p. 331). Y lo mismo puede decirse de la crítica.

Lo contrario, situarse en el prejuicio, entraña numerosos riesgos para el crítico, o el historiador del cine, que nos dificultarán sobremanera para ejercer con justicia la crítica o la misma historia. Cuando todo lo que hacen “los míos” es bueno por definición, y malo lo que hacen “los otros”, se está al margen de la verdad y alejado de la razón. Buscar la verdad desde mis valores personales es hacer “mi crítica”, dejar la huella personal con toda su carga emocional, cultural, científica, filosófica, estética y ética que conlleva…, asumiendo con responsabilidad sus consecuencias.

Por tanto, evidenciar lo bueno, lo verdadero y lo bello que una película expresa debe ser primordial para ayudar al público a disfrutar más plenamente del Séptimo Arte y descubrir aquello que le enriquece, le eleva, le dignifica y lo unifica.

Y así hemos llegado a los trascendentales del ser: Bueno, Verdadero y Bello, que se identifican con lo Uno, dando esa inefable unidad a la obra de arte auténtica.

Evidentemente, el crítico deberá desenmascarar los vericuetos y rendijas por donde se filtra el mal. Es una obligación irrenunciable a la que no puede sustraerse, denunciando con claridad y caridad los errores percibidos, las manipulaciones, las demagogias, los fáciles chantajes afectivos y tantas medias verdades que, a modo de cóctel, configuran una película. Por eso –como comentó el Gran Canciller de esta Universidad– “si un crítico de cine dice de una película que presenta inconvenientes, que estéticamente está bien y nada más, hace mal. Hay que decir la verdad: si aquello es estéticamente correcto pero va contra la dignidad de la persona, hay que decirlo porque es algo indigno, que no va”. Y esto cabe extenderlo también al espectador corriente.

Como crítico, deberé enaltecer el bien y desenmascarar el mal. Y si me obligaran a elegir, optar por lo bueno en vez de lo malo. Urge que el bien, expresado en todas sus múltiples formas, en todos los soportes imaginables, recupere la dignidad perdida. Alabar el bien siempre es bueno, no ofende a nadie, y es difusivo por naturaleza. No en vano, "ahogar el mal en abundancia de bien" es un aforismo permanente.

Un arte, un cine, un film, que no sirva a la persona, a la sociedad, es por lo menos incompleto, y merecería alguna descalificación. Este arte, este cine, esta película, no cumple su función encaminada a perfeccionar al hombre y la mujer, para quienes, a fin de cuentas, se hizo. En definitiva, no es esencialmente humano, ni social: es imperfecto.

Como afirma Juan José Muñoz, profesor de Antropología del Cine y Ética de la Imagen, “la ética es un arte porque cada individuo debe crear las respuestas más valiosas para cada situación concreta. Pero hay conductas que, en lugar de ser creativas, son destructivas para la dignidad de la persona. Además, en el arte, como en la propia vida, siempre se debe buscar la belleza, y ésta siempre hace referencia a la verdad y al bien”. (Cfr. De “Casablanca” a “Solas”. La creatividad ética en cine y televisión. Madrid, 2005).

No quisiera concluir sin resaltar el encuentro que tuvo Benedicto XVI con 260 artistas en la Capilla Sixtina el pasado 21 de noviembre, donde, ante representantes del mundo del cine como Nanni Moretti y Ennio Morricone, manifestó: “Demasiado a menudo, la belleza que se nos presenta es ilusoria y falaz, superficial y deslumbrante hasta el aturdimiento, y, en vez de hacer salir a los hombres de sí mismos y abrirles a horizontes de verdadera libertad atrayéndoles a lo más alto, los aprisiona en sí mismos y los hace aún más esclavos, faltos de esperanza y de alegría”. Según el Papa, hay que estar alerta frente a una belleza que es “seductora pero hipócrita, que aviva el ansia, la voluntad de poder, de posesión, de abuso sobre el otro y que se transforma, en seguida, en su opuesto, asumiendo la expresión de la obscenidad, de la transgresión o de la provocación”. Abundó el Pontífice en que la belleza auténtica es aquella que abre los corazones al conocimiento y al amor al prójimo.

Y como comentaría el corresponsal de La Vanguardia en El Vaticano, Eusebio Val, Joseph Ratzinger instó a los artistas a estar agradecidos por sus talentos y ser conscientes de su gran responsabilidad de comunicar “con belleza y a través de la belleza”. Así actuarán como “testigos de la esperanza para la humanidad”. También les animó –concluye su crónica este periodista catalán– a no esconder su fe, porque no les roba genialidad sino, al contrario, “la exalta y la nutre”. (“El mundo del arte en la Capilla Sixtina”, en La Vanguardia, 22-XI-2009, Suplemento Vivir, pp. 10-11).

Urge, pues, que desde la escuela a la Universidad, el alumno –futuro espectador– aprenda a comprender el lenguaje fílmico, y adquiera el necesario sentido crítico para enfrentarse al constante bombardeo de imágenes al que diariamente se le somete.

Por último, la función del crítico de cine es muy relevante; pues, como decía Ortega y Gasset, "el crítico debe ser un puente entre la obra artística y el espectador": estar, coherentemente, al servicio del público. Es un reto, un desafío, que nos emplaza a todos. Y una muestra de tan imperiosa necesidad es este Seminario internacional sobre “Repensar la ficción”.

(Reproducido en www.cinemanet.info, el 15-XII-2009).

"CELDA 211", UNA PELÍCULA ESPAÑOLA DE CALIDAD

2009-11-26T14:27:00.010+01:00

He aquí la reseña de un film que está batiendo récords de taquilla, superando el primer fin de semana a la comentada Ágora. Se trata de una pieza artística que puede llevarse los principales premios de la Academia Española.

Estamos ante una de las películas más sólidas del último cine español. Drama carcelario, narrado a modo de thriller hollywoodiense y con una alta dosis de suspense y violencia, Celda 211 es la adaptación de una novela de Francisco Pérez Gandull.

Daniel Monzón (El corazón del guerrero, 2000; El robo más grande jamás contado, 2002; La caja Kovak, 2006) la ha puesto en imágenes con enorme precisión. Fascinado por este relato, el propio director y coguionista manifestó:

"Cuando Celda 211 cayó en mis manos, me la leí de un tirón y supe que quería llevarla a la pantalla. La novela tenía un contundente punto de partida, un universo poderoso, reconocible y humano y estaba construida sobre una tensión asfixiante con algunos giros memorables. Como película constituía un reto narrativo de primer orden, dejaba poco margen a otra cosa que no fuera despojar la puesta en escena de artificio y poner la cámara al servicio de los personajes. Había por tanto que conseguir un reparto a prueba de bombas. A película terminada, me es difícil imaginar actores más sólidos y adecuados. Empezando por el dúo protagonista, la banda de presos, el grupo de funcionarios y cada uno de los figurantes entregados en cuerpo y alma a esta aventura".

Ciertamente, tiene razón. El realizador y su equipo técnico-artístico han lindado la obra maestra. Con un ritmo trepidante, deja casi sin respiro al espectador; un público aficionado a este género, que vivirá el apasionante relato y prácticamente sufrirá el drama del joven protagonista. Pues el debutante Alberto Ammann borda su papel de “Calzones”, al igual que el veterano Luis Tosar como el duro “Malamadre”.

Resulta interesante la relación entre ambos personajes –que, en la Mostra de Venecia’2009, algunos críticos quisieron ver insólitamente una atracción homosexual–, así como la evolución psicológico-existencial de éstos, que comienza en enfrentamiento y también humillación, se transforma luego en amistad y respeto, y concluye en admiración y cierta solidaridad.

El mismo Daniel Monzón (Palma de Mallorca, 1968) declararía a la prensa la importancia de esta metamorfosis: "El viaje del espectador es con Calzones, y que su circunstancia y sus decisiones fueran creíbles eran el eje de la película. Jorge (Guerricaechevarría, coguionista) y yo le teníamos mucho respeto a ese personaje y medimos su progresiva transformación, desde ese idealista que quiere resolver el motín y salir con vida, pero al que, a la vez, le ocurre en 30 horas todo lo malo que a uno le puede ocurrir en una vida, lo llevamos muy lejos, de modo que su viaje de algún modo es el inverso a Malamadre". (La Vanguardia, 6 de noviembre de 2009).

En efecto, Juan Oliver, alias “Calzones” –nombre que le pone su antagonista– evoluciona de funcionario a crítico con el sistema penitenciario español; sobre todo, tras el asesinato de su esposa por Utrilla (brillante también Antonio Resines). Y finalmente se enfrentará a sus jefes.

Por otra parte, los políticos no quedan demasiado bienparados –especialmente por su interés de no entrar en conflicto con los presos de ETA, que están un tanto mimados en la prisión–, ni tampoco las fuerzas de seguridad del Estado, con métodos “persuasivos” utilizados en la Dictadura franquista. Al mismo tiempo, se pone en evidencia el juego sucio de los responsables de la prisión en torno a los pactos y sus confidentes (el “Apache”, por ejemplo), que cuanto menos pone en cuestión la política penitenciaria del país: la escasa calidad de vida de los presos y la inmoralidad de los métodos empleados por las autoridades cuando deciden que el fin justifica los medios. Ahí está, pues, la valentía de los autores del film. Porque si bien nunca citan país alguno ni a un gobierno determinado (aunque fue rodado en la famosa prisión de Zamora), vemos en Celda 211 un retrato no sólo de la España contemporánea, sino de tantas cárceles de allende las fronteras, donde los reclusos están hacinados y acaso salen peor que entraron.

Es obvio que únicamente se trata de una película del género carcelario, y que esta fatalista historia puede ocurrir en cualquier parte; resulta bastante universal. Por eso, Luis Tosar definiría así a su personaje: “Yo veo a Malamadre como un león viejo, cansado y harto de todo, que encuentra una esperanza en medio de la basura”. Y añadió:

"Preparando esta película, he constatado que, en el caso de muchos presos, su desgracia empezó con una tontería y fue luego, en la cárcel, cuando se les complicó la vida realmente. La historia de Malamadre también es así: entró para cumplir una condena mínima, pero como era un tipo bravo se perdió definitivamente entre rejas". (Cfr. Alfonso Asúa, “Entrevista con Luis Tosar”, en Cinerama, núm. 177, noviembre 2009, pp. 40-43).

Tanto este excelente actor –que posiblemente ganará el “Goya” a la Mejor interpretación, al igual que Alberto Ammann será candidato al Mejor actor revelación– como Daniel Monzón y Jorge Guerricaechevaría estuvieron visitando prisiones, hablando con numerosos reclusos y algunos parientes, funcionarios y educadores... a fin de ofrecer mayor rigor y realismo a la dura acción. Una acción que no escatima violencia extrema y excesiva crudeza en el lenguaje, pero que brinda un estudio de mentalidades que sin duda hará reflexionar al espectador.

"ÁGORA", EL NUEVO FILM 'HISTÓRICO' DE ALEJANDRO AMENÁBAR

2009-10-20T12:21:00.020+02:00

Con una gran expectación y enorme publicidad –a su estreno asistiría casi en pleno el Gobierno socialista– se ha presentado la película más cara del cine español realizada hasta hoy (50 millones de euros). Meses antes se exhibió en el Festival de Cannes, fuera de concurso, y fue recibida con cierta frialdad y polémica en Francia, lo que obligó a su director a cambiar su montaje.

El madrileño Alejandro Amenábar (aunque nacido en Santiago de Chile en 1972) es su joven autor. Ganador del Oscar de Hollywood a la Mejor película de habla no inglesa por Mar adentro (2004) –un polémico alegato sobre la eutanasia– hoy es, junto a Pedro Almodóvar, uno de los cineastas españoles más famosos en el extranjero. Debutó en 1996, con la también galardonada Tesis, a la que siguieron Abre los ojos (1998) –que tuvo un remake en Estados Unidos– y Los Otros (2000), ya rodada en inglés, con Nicole Kidman como protagonista.

SINOPSIS ARGUMENTAL.- Alejandría, siglos IV-V d. C. Narra la tragedia de Hipatia, hija de Teón –el director de la célebre Biblioteca de esta ciudad–, una reconocida matemática y astrónoma, que dedicó su existencia a la Filosofía. Entregada por entero a la ciencia –había renunciado a casarse– vivió en una época convulsa, cuando el Imperio Romano anunciaba su estertor y la religión pagana daba signos de decadencia. El Cristianismo ya no sufría la persecución de antaño, pero en su pujanza se enfrentaba con la religión judía, con los paganos y las primeras herejías. En ese ambiente conflictivo, la escuela de Hipatia de Alejandría tenía estudiantes cristianos y no cristianos, que después formarían buena parte de la elite de esa esplendorosa ciudad del Antiguo Egipto. Pero en marzo del año 415, un grupo de fanáticos conocido como los parabolanos –que antes había destruido la Biblioteca de Alejandría y echado a los judíos de la ciudad, con la venia del Emperador romano– asesinó a la filósofa pagana.

VALORACIÓN CRÍTICA.- Pienso que el máximo error de Amenábar como realizador y coguionista es no haber ido a las fuentes originales, pese a los asesores históricos con que contó (entre ellos, Carlos García Gual, catedrático de Filología Griega de la Universidad Complutense de Madrid). La crítica ha afirmado que “el argumento está basado en uno de los peores materiales sobre Hipatia, el del divulgador de la ciencia Carl Sagan”. Además, la filósofa no murió a los 38 años –como aparece en el film–, sino a los 61, cuando en plena Cuaresma un grupo liderado por un tal Pedro saqueó su carruaje y la arrastró hasta el templo del Caesarium, donde mataron a Hipatia con fragmentos de cerámica y después quemaron sus restos en las afueras de la ciudad. En la película, es su antiguo esclavo, Davo –un personaje inventado, enamorado de ella–, quien la asfixia, para evitarle el sufrimiento, y la entrega desnuda al vulgo. Con todo –y eso no se cita en el relato–, los antiguos autores cristianos condenaron el asesinato de los parabolanos (Vid. Sócrates de Constantinopla, Historia eclesiástica, VII, 15).

Además, Carl Sagan presenta a Hipatia enfrentada al Cristianismo. En realidad, ella no era cristiana, pero como neoplatónica y pitagórica fue partidaria de la convivencia entre religiones y las culturas propias del mundo bizantino. Lo que se sabe de Hipatia –pues no se conserva su obra– es por los escritos de sus discípulos, sobre todo por el epistolario de Sinesio de Cirene, que fue obispo de Ptolemaida c. 409-410 y murió dos años antes que su maestra. Además, el prefecto de la ciudad, Orestes –quien también la había pretendido–, representante de la autoridad imperial y que le dio soporte, estaba enfrentado con el obispo de Alejandría, Cirilo (después santo y doctor de la Iglesia, como rezan los letreros finales del film, e impulsor del Concilio de Éfeso, en 431), en unos tiempos en que aún no había la separación entre Iglesia y Estado; y las relaciones entre Ciencia y Religión estaban no sólo en conflicto, sino llenas de prejuicios por ambos lados.

De ahí que se eche de menos una contextualización histórica más rigurosa, al tiempo que se evidencia la influencia del laicismo contemporáneo; ya que la película incurre en tópicos maniqueos –los paganos aparecen de blanco, iluminados; mientras los cristianos de negro, como energúmenos– y abunda en una lectura crítica demasiado actual: el mismo Amenábar declararía en la rueda de prensa en Cannes’09 que Ágora no es una película anticristiana, que su “condena es de todos los fundamentalismos”. Y ante la prensa especializada española, manifestó poco después: “Ningún católico de hoy debería sentirse ofendido; sólo deberían sentirse apelados los fundamentalistas que han estado poniendo bombas este verano (2009). Sirve para un terrorista islámico, para un terrorista de ETA, para cualquiera que lo practique. Ágora es, en muchos sentidos, una historia del pasado sobre lo que está pasando ahora, un espejo para que el público mire y observe desde la distancia del tiempo y del espacio, y descubra, sorprendentemente, que el mundo no ha cambiado tanto”. Y en una entrevista publicada en el diario Avui, se excusó también así: “No he hecho ningún alegato contra el cristianismo, sino contra el fundamentalismo Evidentemente no todos piensan como yo. El problema es que haya alguien que esté dispuesto a matar por sus ideas, eso es fundamentalismo, que es lo que denuncia la película. Pero no es anticristiana, muchos grupos religiosos diferentes han utilizado la violencia para imponer sus ideas.” (Cfr. Bernat Salvà, en Avui, 5-X-2009, p. 42; la traducción del catalán es mía).

Sin embargo, no todos han visto igual su voluntad de expresión. El crítico José María Aresté ofrece el siguiente juicio: “El director, dentro de su opción de cine comercial con contenido, sigue su línea de cuestionamiento del cristianismo, iniciado en Los Otros con suavidad, y continuada de modo más agresivo en Mar adentro. Aquí recupera las formas suaves, su forma de tratar la compleja situación del cristianismo del siglo IV en Alejandría podría describirse como “mano de hierro con guante de terciopelo”. De modo que alude a lo que puede resultar atractivo en la fe –Cristo y sus bienaventuranzas, la caridad con los necesitados, el perdón...–, pero poniendo el foco sobre todo en lo que puede generar fanatismo violento y lucha por el poder. En tal sentido queda especialmente mal parado el santo Cirilo de Alejandría. Pero también son cuestionables Orestes, con su cristianismo pragmático y cínico, y el obispo Sinesio, que invita a Hipatia a bautizarse porque ella ya en el fondo era cristiana, aunque no crea. Por contraste, la inmaculada ciencia parece la solución a todos los problemas, la única capaz de dar acceso a la verdad. En tal sentido, se obvian las manipulaciones que pueden hacerse en nombre de ella”. (Cfr. “Hipatia, atea y mártir”, en http://www.decine21.com/).

Además, la Biblioteca de Alejandría no fue demolida por los cristianos; antes sufrió un desastroso incendio y, en el siglo III, el emperador Diocleciano ordenó la destrucción de todos los libros relacionados con la alquimia. Sólo más tarde, en el año 391, Teófilo, entonces Patriarca de Alejandría, atacó lo que quedaba de la Biblioteca al frente de una muchedumbre de parabolanos. Pero tras la muerte de Hipatria, Teodosio les puso freno.

Por su parte, el teólogo Peio Sánchez iría incluso más lejos: “Ágora es una crítica directa al cristianismo pero en el fondo a toda experiencia religiosa. La tesis, a la que de forma didáctica sirve la película, es que la experiencia religiosa sea politeísta, judía o cristiana siempre desemboca en el derramamiento de sangre. Que la creencia en Dios o dioses termina aniquilando a los seres humanos que acaban matando en su nombre. Y así lo que podía, y debía en rigor histórico, haberse convertido en una crítica necesaria del fundamentalismo termina en un cuestionamiento último de lo religioso como dimensión del ser humano que se encuentra con Dios. Para el director a lo más nos queda un cielo estrellado al que miramos con perplejidad construyendo formas elípticas al viento. Lo que ya es algo, por lo menos Misterio (…) La imprescindible y urgente crítica del fanatismo, en este caso religioso, se inclina hacia una exaltación de lo laico que parte de un reduccionismo antropológico que cercena la dimensión espiritual del ser humano. El director ha querido presentarnos a esta nueva Antígona como heroína y modelo contemporáneo que encarna la búsqueda de la verdad, el sentido de la democracia pluralista, la integridad y la tolerancia hasta el perdón.” (“Ágora, ideología que denuncia el fanatismo para recaer en él”, en http://www.universitaties.net/).

Ahí está, pues, el verdadero meollo de la cinta: el viejo conflicto entre Fe y Razón, actualmente desmontado por los filósofos y teólogos más rigurosos, y que Amenábar parece invocar apelando a tópicos hoy superados, pero de fácil efecto en el gran público. En este sentido, observé cómo en la noche de estreno un sector de espectadores aplaudía al término de la proyección, acaso identificados con el laicismo explícito del director.

Lo que no se puede negar al film es su calidad formal: Alejandro Amenábar sabe hacer cine de veras. Rodada en la isla de Malta, su brillante diseño de producción, la dirección artística –apenas se notan los efectos digitales; parecen decorados reales–, las tomas cenitales, una conseguida dirección de la 2ª unidad a cargo del coguionista Mateo Gil, las perspectivas planetarias, la banda sonora, el vestuario, esas lecciones cosmológicas que avanzaron a Kepler, la espléndida interpretación de Rachel Weisz y el resto del reparto... Todo resulta excelente. Estamos ante un realizador que puede competir en los Oscar de Hollywood con este ambicioso y espectacular peplum en inglés.

No obstante, el relato resulta un tanto frío, los personajes son bastante planos –pues presentan una psicología no del todo bien desarrollada–, el metraje algo excesivo, se echa en falta más espectacularidad en las escenas…, así como unos edificios de arquitectura griega, cuando no eran ésos –como me comentaría José Remesal, catedrático de Mundo Antiguo y Arqueología de la Universidad de Barcelona– los que había en la Alejandría de aquella época. Además, derriba la estatua del dios griego Serapis -declarado patrón de Egipto y de la ciudad- como si fuera la de Saddam Hussein. Por último, Cirilo de Alejandría, Padre de la Iglesia, está retratado como un fanático y el impulsor del asesinato de Hipatia, cuando nunca se pudo establecer su complicidad, difundida un siglo después por Damascio –el último escolarca de la escuela de Atenas– y reproducida por Suidas.

Ahora bien, Amenábar está teniendo muchos problemas para distribuir su film en Estados Unidos, precisamente por el carácter anticristiano atribuido. Sólo Sony se ha planteado comprar la cinta para el mercado de habla inglesa. Así, el influyente semanario Variety escribió con motivo de su presentación en el Festival de Cannes (mayo de 2009): “Esta elaborada producción española en lengua inglesa es consistentemente espectacular y posee el suficiente conflicto y acción para hacerla remarcable, pero una cierta carencia de peso de estilo y de pulso emocional podría traerle problemas para su aceptación entre una audiencia masiva en Estados Unidos”.

Veremos si, finalmente, Ágora logra amortizar su coste, y cuál es la respuesta del público aquí y allende las fronteras, o la acogida de la Academia de la vieja Meca del Cine. Pero los premios “Goya” de la Academia Española los tiene asegurados.

(Publicado en http://www.temesdavui.org/, el 24-X-2009, y algo más breve, en http://www.culturahistorica.com/ , el 11-X-2009).

"SI LA COSA FUNCIONA", LA NUEVA COMEDIA DE WOODY ALLEN

2009-10-10T11:43:00.005+02:00

La última realización de Woody Allen, únicamente detrás de la cámara, me ha defraudado. He visto al maestro estadounidense un tanto trasnochado. Es cómo si volviera a sus orígenes de cómico de sala de fiestas, incidiendo en los gags verbales que le hicieron famoso pero que casi acaban con su hoy popular figura.

REGRESO A NUEVA YORK.– Con todo, lo más importante de este filme es su regreso a la Gran Manzana, a ese entrañable Manhattan y al mundo intelectual judío que tan bien ha sabido retratar. De ahí que antaño lo calificara de historiador de la Nueva York del último tercio de siglo. Y así lo aprobara el departamento de Historia Contemporánea donde soy profesor de cine y después ratificara la propia Facultad de la Universidad de Barcelona, proponiéndolo como Doctor honoris causa, nombramiento que finalmente rechazó el Consejo Social –por considerarlo un mero comediante– y recogiera cuatro años más tarde la Universitat Pompeu Fabra con motivo del rodaje en España de su criticada película Vicky Cristina Barcelona (2008).

No voy a comparar una y otra obra, sino manifestar que Si la cosa funciona (2009) es un viejo guión que Woody Allen ha sacado del cajón de sus recuerdos, desempolvándolo hasta adaptarlo a la coyuntura actual (cita incluso a un presidente negro en Estados Unidos).

He visto, por tanto, en esta película al Allen de ayer, que quiere estar al día y frivoliza con el ambiente de relativismo moral que respiramos en la sociedad occidental. Me explicaré brevemente.

CONSTANTES.– Este siempre discutido maestro del Séptimo Arte arremete, como hiciera en sus primeros tiempos, con lo divino y lo humano. Familia, religión, relaciones de pareja –matrimonio, ménage à trois, homosexualidad–, política, intelectuales... En su farsa, no deja títere con cabeza; todo pasa desordenadamente por la criba crítica y amarga de Woody Allen, a través de chistes personales que oscilan entre la genialidad y el tópico, la exageración y el mal gusto. Además, el protagonista –sin duda, su alter ego– habla a la cámara, al espectador, con un tono intelectual muy próximo al cinismo.

Sin embargo, junto a esa ligera voluntad de expresión, en Si la cosa funciona aparecen las constantes de sus filmes más serios: amor-sexo, soledad, muerte-Más allá y existencia de Dios. Temáticas preocupantes en este cineasta, como ya comenté en otro lugar. (Cfr. mi libro Woody Allen, barcelonés accidental. Solo detrás de la cámara. Madrid: Encuentro, 2007).

Si en su celebrada “trilogía” londinense (la comentada Match Point, Scoop, Cassandra’s Dream), el cineasta neoyorquino profundizaba en esos temas existenciales; ahora se queda en el puro apunte cáustico, en el gag más verbal que visual, sin traspasar aquella triste frivolidad que antaño le caracterizaba como autor.

EL AZAR, OTRA VEZ.– No obstante, en su última película, vuelve a insistir en una nueva constante aparecida en su más reciente filmografía: el azar, la casualidad. No hay nada escrito, no hay libertad, todo es producto de la suerte. Y burla burlando, Allen se dirige al público, acaso escondido en su alter ego (espléndida la interpretación del cómico Larry David, tan mayor como el propio autor), para que se desengañe de los valores que nos han transmitido hasta hoy. Y si para ello hay que concebir personajes limitados –ingenuos o “cortos” como la joven protagonista (muy inspirada Evan Rachel Wood) e hipócritas y “liberados” como los padres de ésta (bien encarnados por los veteranos Patricia Clarkson y Ed Begley, Jr.), para más inri católicos de la América profunda, mejor que mejor. Ahí está, pues, el sabio misántropo –Boris/Allen– para decirnos que él es un genio, que sabe ver la realidad.

Pero como ya escribió uno de sus muchos biógráfos, Sam B. Girgus, “ahora Woody Allen se ha sumergido en las aguas de un relativismo ético posmoderno y un realismo sensual que difiere considerablemente de la sensibilidad moral de sus primeros filmes”. (Vid. El cine de Woody Allen. Madrid: Akal, 2005, pág. 24).

Finalmente, toca con demasiada ligereza uno de los problemas filosóficos más serios –en palabras del existencialista Albert Camus– de la sociedad contemporánea: el suicidio.

Por tanto, espero que mi admirado Allen siga profundizando en su búsqueda de la verdad y nos ofrezca alguna respuesta más original al de “todo vale… si la cosa funciona” y no el suicidio como única salida a las disfunciones de los sentimientos.

¿AUTOBIOGRAFÍA?– No me acabo de creer que Whatever Works (título en inglés) sea una autobiografía del actual pensamiento de este genial artista, porque considero a Woody Allen una persona inteligente. Si fuera así, habría retrocedido como autor o está “chocheando” a los 73 años.

Ante tal acusación, se manifestaría en estos términos: “Yo escribí el guión, así que obviamente es la forma en que veo la vida. Pero Boris es un personaje creado por mí. No expresa mis ideas totalmente. En realidad, es una exageración extrema de mis sentimientos”.

Por su parte, el mismo Larry David –que asimismo actúa como cómico en salas de fiestas y en programas televisivos– afirma sobre su personaje: “Para él, la mayoría de la gente es imbécil. Para mí también, excepto, claro, cualquiera que me aprecie. Él disfruta de algunas cosas. Disfruta insultando a la gente. Le encanta la música clásica, las películas antiguas... Pero lo que más le produce placer en la vida es poder expresarse: a él le encanta alardear y demostrar lo brillante que es”.

Una figura, el “sabio” Boris (candidato frustrado al Premio Nobel de Física), que Allen definiría así: “Quería crear un personaje con un carácter tan neurótico y desagradable que resultara divertido”.

Quiero confiar en que una mente tan lúcida como la de Woody Allen encontrará, a medida que ve acercarse la inevitable muerte, respuestas que iluminen su vida y den sentido a su insaciable búsqueda de valores permanentes, ya que esto era –es– lo que sustenta su obra.

PELÍCULAS RECOMENDADAS (13)

2009-10-03T12:52:00.007+02:00

Nueva relación de filmes, que recomiendo para un público amplio. Como en las listas anteriores, señalo con un asterisco (*) las películas más dirigidas a mayores o que pueden gustar especialmente a espectadores de Tercera edad. También indico los títulos idóneos para cinéfilos y menores.

Últimos estrenos:

- AMAZING GRACE

- DISTRICT 9

- FROZEN RIVER (cinéfilos)

- KATYN

- UP (menores)

- VACACIONES DE FERRAGOSTO*

DVD:

- Appaloosa*

- Bella*

- Bienvenidos al Norte (cinéfilos)

- El caballero oscuro

- La clase

- El desafío. Frost contra Nixon*

- Gran Torino*

- El intercambio*

- El niño con el pijama a rayas*

- Slumdog Millionaire (cinéfilos)

- Valkiria*

- The Visitor (cinéfilos)

- Wall-E (menores)

"HISTORIA DEL CINE MUNDIAL"

2009-09-16T19:28:00.006+02:00

Caparrós Lera publica la Historia del cine mundial

Por PATRÍCIA LAINZ

El director del Centre d’Investigacions Film-Història del Parc Científic de Barcelona, José María Caparrós Lera, acaba de publicar Historia del cine mundial (Ed. Rialp), un estudi actualitzat i complet, de gran utilitat per a l’alumnat d’Història, de Belles Arts, de Filosofia i d’Humanitats, entre altres disciplines.

L’autor divideix la història del cinema en tres grans períodes: mut (1895-1930), sonor (1931-1958) i contemporani (1959-2008), seguint una estructura tradicional contrastada amb la seva dilatada experiència. Completen l’estudi diverses cronologies, índexs i bibliografies comentades, així com una valuosa col·lecció d’il·lustracions que faciliten i enriqueixen la consulta.

Caparrós Lera, que des del 1991 edita la revista Film-Historia. ha publicat 40 llibres de cinema i ha estat professor de Cinema Modern a la Universitat de Navarra i d’Història de la Cinematografia Clàssica a la UB, on ara imparteix Història Contemporània i Cinema com a Professor Titular. L’any 2008 va ser distingit amb la Medalla a la Millor Labor Literària i Periodística pel Cercle d’Escriptors Cinematogràfics (CEC). És membre associat de l’Acadèmia del Cinema Català, a més de cofundador de l’Associació Espanyola d’Historiadors de Cinema (AEHC) i de l’Associació Catalana de Crítics i Escriptors Cinematogràfics.

(Publicado en la web de la Universitat de Barcelona, www.ub.edu/noticies, 16-IX-2009)

¡ACCIÓN!

Un libro que hará las delicias tanto de los más cinéfilos como de aquellos que deseen un primer acercamiento al que es conocido como el séptimo arte.

La estructura de la obra ofrece una clara diferenciación entre el cine mudo, el sonoro y el cine moderno y contemporáneo.

Además, el libro de Caparrós está completado con una gran cantidad de fotogramas, bibliografía y otros recursos bibliográficos.

(Reseña publicada en Alba, 21 de enero de 2010, p. 34)

FILMOGRAFÍA BÁSICA SOBRE LA II GUERRA MUNDIAL

2009-08-01T20:12:00.009+02:00

El día 1 de septiembre se cumplen 70 años del inicio de la Segunda Guerra Mundial. Muchas personas amantes de la historia, y en particular de conocer lo sucedido en este gran conflicto, siguen con interés las películas relacionadas con él. También son muchos los aficionados al cine bélico

El período de vacaciones puede ser una oportunidad para dedicar más tiempo a ver películas. Por ello el director de CinemaNet, el periodista e historiador Daniel Arasa, ha solicitado al vicepresidente de la entidad, profesor de Historia Contemporánea y Cine de la Universidad de Barcelona y director del Centre d’Investigacions Film-Història, Josep Maria Caparrós, que preparara un listado de películas de calidad sobre la Segunda Guerra Mundial o ambientadas en ella.

Se da a continuación. Es un servicio más, teniendo en cuenta que CinemaNet da listados generales de películas recientes sobre todos los temas que destaquen por sus valores, lo cual se hizo recientemente.

- Acción en el Atlántico Norte (Action in the North Atlantic), de Lloyd Bacon (USA, 1943).

- Air Force (Air Force), de Howard Hawks (USA, 1943).

- Almas en la hoguera (Twelve O’Clock High), de Henry King (USA, 1950).

- ¿Arde París? (Paris, brule’t-il?), de René Clément (Francia, 1966).

- Arenas sangrientas (Sands of Iwo Jima), d’Allan Dwan (USA, 1949).

- Balada de Berlín, La (Berliner Ballade), de Robert Stemmle (Alemania, 1948).

- Banderas de nuestros padres (Flags of our Fathers), de Clint Eastwood (USA, 2006)

- Bataan (Bataan), de Tay Garnet (USA, 1943).

- Batalla de Inglaterra, La (The Battle of Britain), de Guy Hamilton (GB, 1969).

- Batalla de las Ardenas, La (Battle of the Bulge), de Ken Annakin (USA, 1965).

- Batalla de Midway, La (Midway), de Jack Smight (USA, 1976).

- Batalla del Río de la Plata, La (The Battle of the River Plate), de Michael Powell i Emeric Pressburger (GB, 1956).

- Cañones de Navarone, Los (The Guns of Navarone), de J. Lee Thompson (USA, 1961).

- Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima), de Clint Eastwood (USA, 2006)

- Comandante Prien, U-47 (U-47, Kapitanleutenant Prien), de Harald Reini (Alemania, 1958).

- Comando en el desierto (Raid on Rommel), de Henry Hathaway (USA, 1971).

- Coronel von Ryan, El (Von Ryan’s Express), de Mark Robson (USA, 1965).

- Delgada línea roja, La (The Thin Red Line), de Terrence Malick (USA, 1998).

- Desafío de las águilas, El (Where Eagles Dare), de Brian B. Hutton (USA, 1969).

- Destino Tokio (Destination Tokyo), de Delmer Daves (USA, 1943).

- Día más largo, El (The Longest Day), de Ken Annakin, Andrew Marton, Gert Oswald y Bernhard Wicki (USA, 1962).

- Doce del patíbulo (The Dirty Dozen), de Robert Aldrich (USA, 1967).

- Duelo en el Atlántico (The Enemy Below), de Dick Powell (USA, 1957).

- Escala en Hawai (Mister Roberts), de John Ford & Mervyn LeRoy (USA, 1955).

- Esta tierra es mía (This Land is Mine), de Jean Renoir (USA, 1943).

- Estrella del Norte (The North Star), de Lewis Milestone (USA, 1943).

- Flota silenciosa, La (Operation Pacific), de George Waggner (USA, 1951).

- Fuego en la nieve (Battleground), de William A. Wellman (USA, 1949).

- General de la Rovere, El (Il generale della Rovere), de Roberto Rossellini (Italia-Francia, 1959).

- Gran dictador, El (The Great Dictator), de Charles Chaplin (USA, 1940).

- Gran evasión, La (The Great Escape), de John Sturges (USA, 1963).

- Guadalcanal (Guadalcanal Diary), de Lewis Seiler (USA, 1943).

- Guerra de Murphy, La (The Murphy’s War), de Peter Yates (GB, 1971).

- Ha llegado el Águila (The Eagle Has Landed), de John Sturges (GB, 1976).

- Hombre atrapado, El (Man Hunt), de Fritz Lang (USA, 1941).

- Hora 25, La (The 25th Hour), de Henri Verneuil (USA, 1967).

- Héroes de Telemark, Los (The Heroes of Telemark), d’Anthony Mann (GB, 1965).

- Hundid el Bismark (Sink the Bismark), de Lewis Gilbert (GB, 1960).

- Infierno bajo las aguas (Up Periscope), de Gordon Douglas (USA, 1969).

- Infierno en el Pacífico (Hell in the Pacific), de John Boorman (USA, 1968).

- Invasión en Birmania (Merrill’s Marauders), de Samuel Fuller (USA, 1962).

- Invasores, Los (49th Parallel), de Michael Powell (GB, 1941).

- Kanal (Kanal), de Andrzej Wajda (Polonia, 1957).

- Mac Arthur, el general rebelde (Mac Arthur), de Josep Sargent (USA, 1977).

- Mejores años de nuestra vida, Los (The Best Years of Our Lives), de William Wyler (USA, 1946).

- Náufragos (Lifeboat), de Alfred Hithcock (USA, 1944).

- Objetivo Birmania (Objective Burma), de Raoul Walsh (USA, 1945)

- Ogro, El (The Ogre), de Volker Schlöndorff (Alemania-Francia-GB, 1996).

- Pasaje para Marsella (Passagge to Marsella), de Michael Curtiz (USA, 1944).

- Patrulla del coronel Jackson, La (Back to Bataan), de Edward Dmytryk (USA, 1945).

- Patton (Patton), de Franklin J. Schaffner (USA, 1970).

- Pianista, El (The Pianist), de Roman Polanski (GB-Francia-Polonia, 2005).

- Por el valle de las sombras (The Story of Dr. Wassell), de Cecil B. De Mille (USA, 1944).

- El proceso de Verona (Il processo di Verona), de Carlo Lizzani (Italia, 1962).

- Puente, El (Die Brucke), de Bernhard Wicki (Alemania, 1959).

- Puente de Remagen, El (The Bridge of Remagen), de John Guillermin (USA, 1969).

- Puente lejano, Un (A Bridge Too Far), de Richard Attenborough (GB, 1977).

- Puente sobre el río Kwai, El (The Bridge on the River Kwai), de David Lean (USA, 1957).

- Regreso del infierno (To Hell and Back), de Jesse Hibbs (USA, 1955).

- Roma, ciudad abierta (Roma, cittá aperta), de Roberto Rossellini (Italia, 1945).

- Rommel, el zorro del desierto (The Desert Fox), de Henry Hathaway (USA, 1951).

- Sahara (Sahara), de Zoltan Korda (USA, 1943).

- Salvar al soldado Ryan (Saving Private Ryan), de Steven Spielberg (USA, 1998).

- Sangre en Filipinas (So Proudly We Hail), de Mark Sandrick (USA, 1943).

- Sangre, sudor y lágrimas (In Which We Serve), de Noël Coward & David Lean (GB, 1942),

- Sargento inmortal, El (Immortal Sargeant), de John Stahl (USA, 1943).

- También somos seres humanos (The Story of G. I. Joe), de William A. Wellman (USA, 1945).

- Taxi para Tobruk, Un, de Denys de la Patellière (España-Francia, 1961).

- Tiempo de amar, tiempo de morir (A Time to Love and A Time to Die), de Douglas Sirk (USA, 1958).

- Tora! Tora! Tora!, de Richard Fleischer, Toshio Masuka, Kenji Fukasaky & Akira Kurosawa (Japón-USA, 1970).

- Traidor en el infierno (Stalag 17), de Billy Wilder (USA, 1953).

- Treinta segundos sobre Tokio (Thirty Secons Over Tokyo), de Edward Dmytryk (USA, 1944).

- Tren, El (The Train), de John Frankenheimer (USA, 1965).

- Último torpedo, El (Torpedo Run), de Joseph Pevney (USA, 1948).

- Uno Rojo: División de choque (The Big Red One), de Samuel Fuller (USA, 1980).

- Verdugos también mueren, Los (Hangmen Also Die), de Fritz Lang (USA, 1943).

- Vencedores o vencidos (Judgment at Nuremberg), de Stanley Kramer (USA, 1961).

- Vida es bella, La (La vita è bella), de Roberto Benigni (Italia, 1998).

- Vigilancia en el Rhin (Watch on the Rhine), de Herman Shumlin (USA, 1943).

(Publicado en http://www.cinemanet.info/. También entrevistado, precisamente el día que estalló la II Guerra Mundial, en un programa especial de COM Ràdio, de Barcelona)

DOS IMPORTANTES PELÍCULAS CATALANAS, EN CARTEL

2009-07-23T23:41:00.008+02:00

Estos días se han estrenado sendas películas catalanas que han centrado la atención de la crítica y los espectadores del país. He aquí las dos reseñas que he redactado

“TRES DÍAS CON LA FAMÍLIA”, DE MAR COLL

Léa es una joven catalana que estudia Ingeniería y vive con un chico, en Toulouse. Viaja súbitamente a Girona, donde su abuelo acaba de morir. Allí se reúne tres días toda la familia, para asistir al velatorio, a la misa-funeral y al entierro del patriarca de los Vich i Carbó. Y pese a las apariencias, pronto se evidencian los problemas íntimos de cada cual.
Se trata de la ópera prima de una nueva cineasta de la ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya). Tras los ayer debutantes Juan Antonio Bayona (El Orfanato) y Roser Aguilar (Lo mejor de mí), ha llegado la barcelonesa Mar Coll (1981) a la dirección de su primer largometraje, precisamente para la productora de este centro educativo: Escándalo Films.

A tal propósito, esta joven firma brinda a los graduados de la Escuela de Cine de Tarrassa –hoy dependiente de la Universidad de Barcelona– la posibilidad de lanzarse a la profesión. Así, la directora de fotografía Neus Ollé, la montadora Elena Ruiz, el músico Jens Neumaier –del estudio MaikMaier– o el responsable del sonido Jordi Ribas, entre otros técnicos, junto a la directora y algunos actores, son antiguos alumnos de ese reconocido centro especializado que dirige Josep Maixenchs

En Tres días con la familia, Mar Coll ha demostrado su valía y madurez como cineasta. Así lo ha reconocido la mayoría de la crítica española, que ha saludado favorablemente este nuevo filme catalán. Con cierto cariz autobiográfico –muy habitual en las primeras obras–, la debutante realizadora ofrece un acertado análisis de la alta burguesía catalana. Oigamos, con todo, sus declaraciones: “Cualquier familia merece una película. Y ni siquiera hace falta que esconda secretos truculentos. Basta con asomarse al complicado amasijo de sentimientos contradictorios que provocan los lazos familiares: odiamos y amamos a nuestra familia, la rechazamos y la necesitamos, pretendemos distinguirnos de ella y, en el fondo, heredamos gran parte de sus logros y de sus miedos. En el caso de la familia Vich, lo que debería ser un marco de gran intimidad y confianza formado por el grupo de gente que te ha visto nacer y crecer, se presenta como un espacio gobernado por las formas y los ritos, que da cabida a los juicios y a los prejuicios, y dificulta considerablemente la comunicación sincera. Eso es lo que me interesaba explorar a través de los ojos de Léa, que, después de alejarse temporalmente de su familia, regresa para dar de pleno con la imposible situación en la que tanto los fracasos de su vida privada, como los de sus padres, como los de cualquier miembro de su familia, son evidentes pero nunca explícitos. Léa no desea mostrar sus flaquezas a la vez que se siente incómoda con las flaquezas de los demás. Y sin embargo, tampoco puede convivir con la falsedad de algunas situaciones. ¿Cuál es entonces el nivel de intimidad adecuado? La película no quiere ser una respuesta sino más bien es una foto de familia de las que están en los álbumes y que, cuando las ves, si te fijas bien, puedes en ellas entrever todo lo que esconden detrás de cada gesto o actitud. Una foto de una familia burguesa y catalana".

Efectivamente, Mar Coll no ha hecho una película de denuncia; más bien ha realizado un filme testimonial sobre una clase e idiosincrasia determinadas, a modo de mera crítica sociopsicológica y estudio de mentalidades tradicionales. Y esa crítica social y existencial resulta bastante positiva, pues se aprecia cierta voluntad de comprensión, una búsqueda de sinceridad; un rechazo de la hipocresía, en una palabra.

Gran parte del mérito de la puesta en escena cabe atribuirlo al notable plantel de intérpretes, que encabeza la premiada actriz Nausicaa Bonnín, hija de Hermann Bonnín, que tantos años fue director del Institut del Teatre. Pero le siguen con acierto nombres asimismo reconocidos: el también galardonado Eduard Fernández, como su padre; la francesa Philippine Leroy-Beaulieu, como su madre; y los veteranos Ramon Fontserè y Francesc Orella, como sus tíos; aparte de los ex alumnos de la ESCAC.

Con todo, Tres días con la familia no es una obra redonda. Veamos lo que escribió el profesor de cine de la Universitat Pompeu Fabra y asimismo crítico del diario Avui, Carlos Losilla (la traducción del catalán es mía): “La familia parece que es uno de los temas obsesivos del cine contemporáneo (...) Ahora es el turno de Tres dies amb la família, el debut de Mar Coll y también la más controlada de todas estas propuestas, la que navega por aguas más seguras, la que mejor sabe aquello que quiere conseguir y lo que persigue desde el primer fotograma. En el terreno del cine, sin embargo, este dominio de los elementos no siempre es beneficioso, y una planificación excesiva puede dar resultados contradictorios. Esto es lo que pasa con Tres dies amb la família, una película que llega sin problemas a su objetivo de hacer un tipo de cine de calidad y a la vez accesible en el panorama del país, pero que también sufre la consecuencia de tenerlo todo tan pensado: una cierta dinámica acaso demasiado previsible y artificial. (...) Faltan, no obstante, los matices, las rendijas por donde se cuela la historia de verdad, la capacidad de hacer presentes los fantasmas... Es el precio que paga Coll por un acabado impecable, que deja entrever un gran cuidado a la hora de acercarse al tema y una pericia técnica de primer orden. La cineasta barcelonesa domina el medio. Y este crítico no duda que en breve también logrará emocionarlo con sus imágenes". (“Una promesa”, Avui, 29-VI-2009).

En efecto, la frialdad y el apunte sólo sugerido o apenas desarrollado son las características de esta nueva directora. Con un final es abierto –da libertad al espectador– y aparentemente triste, logra un tono bastante esperanzador. Pero notemos que está empezando –es “una promesa”, dice el colega Losilla–, y ha comenzado con buen pie. Ganó el premio a la Mejor dirección en el Festival de Cine Español de Málaga. Apuntemos, pues, su nombre: Mar Coll.

“V. O. S.”, DE CESC GAY

Cuenta el juego de dos parejas, que mezclan sus avatares sentimentales con el rodaje de una película. Se trata de una historia de amor y amistad, que se plantea en versión original subtitulada –como indica ese V.O.S.– y combina ficción y realidad, al tiempo que evidencia la leve frontera que separa a ambas en la vida cotidiana.

Ciertamente, en esta nueva película de Cesc Gay (Barcelona, 1967), se confunde lo que es cine –pues el relato transcurre prácticamente en un plató– y lo que es la vida ordinaria de los cuatro protagonistas. Y cómo ésta influye en la propia creación cinematográfica. Apenas sabemos si estamos contemplando una relación y es sólo el juego de la puesta en escena. No obstante, esa confusión narrativa da cierta originalidad a un filme que el espectador sigue complacido y contempla con sumo interés.

El director de Krámpack (2000), En la ciudad (2003) y Ficción (2006) nos ha vuelto a sorprender con una obra madura, basada una pieza escénica de Carol López, que en el año 2005 interpretó su mujer –la actriz Àgata Roca– en el Teatre Lliure de Barcelona, junto a los otros tres compañeros de reparto.

Si la obra teatral se anunciaba con una célebre frase de Woody Allen –“La pareja es cuestión de suerte. Pienso que es algo totalmente fuera de nuestro control. Sólo un feliz accidente puede conseguir que dos personas que se quieran lleguen a encajar perfectamente las piezas para así poder disfrutar de toda una vida”–, la película convierte a los cuatro personajes en actores, lo que no sucedía en el escenario, y ambienta la historia en un rodaje, con furtivas salidas a la Ciudad Condal. De ahí que algún crítico haya titulado su reseña –parangonando a la frívola comedia de Allen– como “Vicky Clara Barcelona”.

Pero Cesc Gay va mucho más lejos que el genial cómico estadounidense. Dejemos que hable de su puesta en escena y voluntad de expresión: “Es la historia de dos parejas que no son dos parejas. La trama es amorosa, pero con muchas capas. En un juego de cuatro personajes atrapados en una película, entre la realidad y la ficción de sus vidas. La base de los diálogos se mantiene, porque los actores fueron partícipes de ellos y yo me aprovecho de esto. El dónde y el cómo suceden las cosas es lo que he cambiado. Normalmente, como ya hice con Krámpack, las adaptaciones de textos teatrales y literarios intentan, como el término indica, adaptarse al medio al que van destinados. En este caso se trataba de adaptar y transformar también la puesta en escena de la obra, sus juegos y recursos narrativos propiamente teatrales en los adecuados para un largometraje cinematográfico. Se entiende que esto es lo correcto, lo que hay que hacer, lo razonablemente sensato, lo que nadie pone en duda e incluso lo que el espectador quiere. Sentí, desde aquel primer momento, que tenía que hacer lo contrario. Una adaptación al uso habría situado en espacios reales las diferentes escenas de la obra. Pisos, calles, coches, bares. El cine parte casi siempre de la realidad de las situaciones. Se busca la credibilidad. Un guionista obediente se hubiera concentrado en las tramas de la obra para desarrollarlas de forma realista en un marco urbano y posiblemente hubiera tenido que eliminar aquellos momentos que no hubiera sido capaz de hacer creíbles; aquellos que a mí me sedujeron”.

En efecto, V.O.S. es un filme que ofrece una aguda reflexión crítica sobre las relaciones entre el arte cinematográfico y la existencia cotidiana, sobre la verdad y el engaño; o acerca de las relaciones humanas, en una palabra. Acaso ahí está su máximo valor, a la vez que manifiesta el carácter cinéfilo de su autor. Por tanto, el realizador catalán continuaría manifestándose en estos términos: “Reflexioné sobre el valor de la cuarta pared en el teatro y la dificultad de conseguir esa sensación desde la pantalla de una sala de cine. Empecé a pensar en películas. Me venían a la memoria las imágenes del océano de Y la nave va de Fellini y algunas muchas otras historias. Luego recordé los últimos filmes de Lars von Trier. La utilización que hizo del plató en Dogville como lugar que engloba los espacios apenas apuntados. Tratamientos formales aparentemente más cercanos al escenario teatral. Así decidí situar la historia, casi por completo, en un plató. Transformarla en un rodaje. Convertí al escritor en guionista. Como espectadores asistimos al rodaje de lo que está escribiendo cual ficción en directo. Quiero darle a los personajes el valor, no de actores de algo que vemos que se está filmando como muchas veces hemos visto en el cine, sino de actores de nuestra propia película. El equipo de rodaje, los decorados, el dentro y el fuera, la ficción y la realidad se entrecruzan, se confunden y se convierten en una misma cosa descubriendo todos sus trucos y toda su carpintería propiamente cinematográfica. El mundo imaginario del teatro no está en el cine, que ha evolucionado hacia una búsqueda de realismo. Yo aquí no busco reflejar la realidad”.

Versión Original Subtitulada es una obra ácida y divertida a la vez, inteligente y romántica, tierna e irónica, que también habla de la falta de libertad y puede resultar un acicate para el pensamiento del público aficionado al que va dirigida, cinéfilo o amante de este tipo de comedias. El mismo director y guionista la definiría así: “Pensé que el cine ha perdido esa libertad y anoté dos frases en un papel: hay que mirar a los ojos del espectador como desde un escenario. Hay que mentirle todo el rato... y hay que decírselo”.

Asimismo, cabe destacar ese reparto coral que llena la pantalla: la mencionada Àgata Roca, como la simpática Clara, su delicada antagonista Vicenta Ndongo, y los “partenaires” vascos Paul Berrondo y Andrés Herrera, que hablan euskera en algunos pasajes del filme.

Obviamente, estamos ante una película importante, que pienso hará historia en el cine español y catalán.

PELÍCULAS RECOMENDADAS (12) PARA ESTE VERANO'09

2009-06-01T00:01:00.005+02:00

APPALOOSA (USA, 2007), de Ed Harris, con Viggo Mortensen, Ed Harris, Jeremy Irons y Renée Zellweger. Color - 114 minutos.
Western clásico, siguiendo el estilo de los maestros del género, que reúne las constantes de las populares cintas del Oeste. Bien interpretada, contiene secuencias que rememoran a grandes películas. Gustará más a los aficionados al cine épico. En la misma línea creadora cabe recomendar también el remake de El tren de las 3:10 (2008), de James Mangold, con Russell Crowe y Christian Bale.

BELLA (México-USA, 2007), de Alejandro Monteverde, con Eduardo Verástegui, Ali Landry y Tammy Blanchard. Color - 91 minutos.
Melodrama romántico, con grandes valores humanos. Se trata de una película independiente y "comprometida", que plantea algunos temas transcendentes con delicadeza y sin caer en el sermón. Recibió el Premio Familia 2008. Vale la pena documentar este film con el libro de Jaume Figa y Tim Drake, Una bella historia (Madrid: Palabra, 2009).

EL CABALLERO OSCURO (USA, 2008), de Christopher Nolan, con Christian Bale, Heath Ledger y Maggie Gyllenhaal. Color - 152 minutos.
Nueva película de la saga del famoso cómic, bien interpretada por Christian Bale como Batman y por el “oscarizado” póstumo Heath Ledger como Joker, que ha batido records de taquilla en todo el mundo. Es un espectáculo muy brillante, no exento de humanidad.

LA CLASE (Francia, 2008), de Laurent Cantet, con François Bégeaudeau, Nassim Amrat y Laura Baquela. Color - 128 minutos.
Ganadora de la Palma de Oro en Cannes’08, esta película cuenta un curso de la vida de una clase de 3º de Secundaria en un instituto de mayoría inmigrada en París. Basada en el libro de un profesor galo, que se interpreta a sí mismo en el film, gustará especialmente a los educadores.

EL DESAFÍO: FROST CONTRA NIXON (USA-GB, 2008), de Ron Howard, con Frank Langella, Michael Sheen y Tobu Jones. Color - 122 minutos.
Narra la génesis y el ambiente de las célebres entrevistas que el dimitido presidente Richard Nixon concedió al periodista inglés David Frost, hasta entonces conductor de programas de variedades. Aunque el film está basado en una obra teatral, resulta una crónica apasionante, bien interpretada, que nos aproxima a la personalidad humana del fallecido político estadounidense.

GRAN TORINO (USA, 2008), de Clint Eastwood, con Clint Eastwood, Christopher Carley y Bee Vang. Color – 116 minutos.
Importante película dramática de este veterano maestro del cine americano, que demuestra en su madurez (79 años) gran genialidad como creador. Con cierta dureza de imagen y situaciones límite (el lenguaje es grosero), trata de la redención con acierto ético y revisa críticamente el personaje de interpretó en los spaghetti-western y en el cine policíaco (la popular serie de Harry).

EL INTERCAMBIO (USA, 2008), de Clint Eastwood, con Angelina Jolie, John Malkovich y Amy Ryan. Color - 141 minutos.
Nueva obra maestra de Clint Eastwood –autor también de la partitura musical–, que relata una historia real (Los Ángeles, 1928-1935). Es un melodrama de suma perfección artística, con crítica sociopolítica y defensa de la dignidad humana. Sin duda, es el mejor clásico de este año. Artísticamente resulta bastante superior a la antes recomendada Gran Torino.

EL NIÑO CON EL PIJAMA A RAYAS (GB-USA, 2008), de Mark Herman, con Asa Butterfield, Vera Farmiga y David Thewlis. Color - 96 minutos.
Puesta en imágenes del también recomendable best-seller de John Boyle. Se trata de una nueva película sobre el Holocausto, llena de humanidad, que gustará a todo tipo de público. Perfectamente ambientada e interpretada. También resulta interesante sobre este tema Good (2009), de Vicente Amorim, con Viggo Mortensen y Jason Isaacs.

SLUMDOG MILLIONAIRE (GB-India, 2008), de Danny Boyle & Lovelee Tandan, con Dev Patel, Freida Pinto y Amil Kapoor. Color - 120 minutos.
Ganadora de los principales Oscars de Hollywood del presente año, está basada en una novela del diplomático indio Wikas Swarup. Como si fuera una relectura de Dickens, el relato –ambientado en el Bombay actual– combina el clasicismo con la modernidad. Resulta divertida y conmovedora, aunque no escatima dureza en algunas escenas realistas. Hay un homenaje final a los “musicales” de Bollywood.

VALKIRIA (USA, 2008), de Bryan Singer, con Tom Cruise, Kenneth Branagh y Tom Wilkinson. Color - 120 minutos.
Crónica pormenorizada del frustrado atentado a Hitler en las postrimerías de la II Guerra Mundial. El galán Tom Cruise encarna al célebre coronel Claus von Stauffenberg. Muy bien ambientada, gustará no sólo a los aficionados a la Historia, sino a todo tipo de público. Aunque es una película comercial, resulta superior a la también recomendable Oh, Jerusalén (2008), de Elie Chouraqui, basada en el best-seller de Lapierre y Collins.

THE VISITOR (USA, 2008), de Thomas McCarthy, con Richard Jenkins, Hiam Abbas y Haaz Sleiman. Color - 104 minutos.
Cuenta la historia de un profesor universitario en crisis, que llega a Nueva York para participar en un congreso y encuentra su apartamento ocupado por una pareja de inmigrantes: un sirio y una chica de Ghana. Cinta sobria, solidaria y plena de humanidad, que gustará especialmente a los cinéfilos.

WALL-E (USA, 2008), de Andrew Stanton. Animación. Color - 98 minutos.
Impresionante película made in Pixar –la actual líder del género–, que divertirá a grandes y chicos. Plena de lirismo y comicidad, toca con acierto el problema ecológico del nuestro mundo. Ganadora del Oscar’2008 al Mejor film de animación, es una obra magistral. Asimismo, cabe recomendar –aunque con personajes reales– Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspian (2008), de Andrew Adamson, segunda parte de la saga de C. S. Lewis.

(Publicado en http://www.cinemanet.info/, 5-VI-2009).

"LOS ABRAZOS ROTOS". ALMODÓVAR LINDANDO EL CULEBRÓN INTELECTUAL

2009-05-05T17:11:00.008+02:00

Dos largos años ha tardado Pedro Almodóvar de regresar al plató. Tras el éxito de Volver –su película más taquillera (véase reseña más abajo)–, nos ha sorprendido con un filme más entroncado con su primera época y el cine negro de La mala educación (2003). Una pieza que no acaba de convencer, pero que conserva ese estilo característico, que le ha hecho célebre en todo el mundo como cineasta.

En efecto, Los abrazos rotos (2009) es una obra de autor, donde Almodóvar parece “rizar el rizo” a su filmografía. Incluso cierra el filme con un episodio que rememora Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) sin ningún pudor, y que titula “Chicas y maletas”. Acerca de este auto-homenaje, se defiende así:

"Cuando escribí el guión decidí que Mateo Blanco estuviera rodando una comedia porque es el género opuesto al drama que viven los protagonistas, de este modo sus problemas adquirían mayor relevancia, y los esfuerzos de Lena por conseguir el tono ligero y chispeante que la comedia exige resultaban más notorios y patéticos.
Sólo necesitaba tres o cuatro secuencias de “Chicas y maletas”, que sirvieran de fondo a la historia principal, pensé que lo mejor era adaptar material propio, en que pudiera moverme con total libertad. Por esa razón elegí Mujeres al borde de un ataque de nervios.
En el monólogo de las fantasías eróticas de una concejala de asuntos sociales recupero ese tono libérrimo, lúdico, políticamente muy incorrecto, incontenido y grosero de la Patty Diphusa de principios de los ochenta. Confieso que ha sido una experiencia refrescante y liberadora".

Pero, ante todo, Los abrazos rotos es una historia de “amour fou”, un melodrama que está lindando el culebrón tan querido por este autor. Y, asimismo, un thriller que evoca al cine americano de los años 50. Es obvio que, con los años y las canas, Pedro Almodóvar se ha transformado en un cinéfilo.

Ciertamente, de declaración de amor al Séptimo Arte cabría calificar a su último filme, con referencias explícitas a Fritz Lang, Louis Malle, Michael Powell, William Wyler y Roberto Rossellini; aunque el relato chirría por sus habituales obscenidades y concesiones, junto a esos decorados pretendidamente kitsch que resultan un tanto cargantes. Pero dejemos que hable de nuevo el cineasta sobre su voluntad de expresión:

"El cine juega un papel muy importante en todas mis películas, no lo hago como un alumno que reverencia a sus directores progenitores, no hago películas a la manera de... Cuando un autor o una película aparece dentro de las mías lo hace de un modo más activo que el del simple homenaje o guiño al espectador.
También en Los abrazos rotos utilizo la transparente sencillez de Viaggio in Italia (Te querré siempre, 1954), de Rossellini, para mostrar el efecto que causa en Lena-Penélope el descubrimiento de la pareja calcinada en Pompeya dos mil años antes.
Siento que es la primera vez que hago una declaración expresa de amor al cine; no con una secuencia en concreto, sino con toda una película. Al cine, a sus materiales, a las personas que se desviven alrededor de los focos, a los actores, a los montadores, a los narradores, a los que escriben, a las pantallas donde se ven las imágenes moviendo intrigas y emociones. A las películas como se hicieron en el momento en que se hicieron. A algo que aunque se pueda vivir de ello, no es sólo una profesión sino una pasión irracional".

No obstante, dudo que muchos espectadores capten esa intencionalidad. De ahí el relativo éxito que está teniendo la película. Con todo, se están agotando las reservas en el hotel de la isla volcánica de Lanzarote, donde rodaría una pequeña parte del filme.

Más interesante resulta la relación entre padre e hijos, maternidad y paternidad; es más, de la ausencia del padre. La familia, en una palabra. Otra constante de la obra almodovariana. También la productora Judit (espléndida Blanca Portillo) tiene mucho que esconder. Y habla del dolor y la venganza, de la conciencia de culpa y el arrepentimiento, del amor y el perdón. Por eso el especialista Juan Orellana comentaría:

"Almodóvar vuelve a tocar la cuestión del padre ausente. El momento más sobrecogedor del film es el que nos muestra al padre de Lena, en fase de cáncer terminal. Pero la búsqueda inconclusa del padre de Todo sobre mi madre culmina aquí recomponiéndose el vínculo padre-hijo, aunque por supuesto sigue ausente un modelo de familia válido. Como siempre, los personajes de Almodóvar están solteros o divorciados o mantienen relaciones atípicas".

Asimismo, está presente el tema del doble. El protagonista, Mateo Blanco (notable Lluís Homar, ya convertido en “actor Almodóvar”), tiene dos nombres: cuando empieza a llamarse Harry Caine lo hace para huir de sí mismo; pues su realidad como ciego es insoportable. Sólo puede sobrevivir “duplicado”. Antes del accidente, ese nombre ya era una prolongación de sí mismo: se había inventado ese seudónimo para firmar los guiones. Como para muchos cineastas, la ficción es sólo un ensayo de la realidad. Pedro Almodóvar lo concretaría mejor con estos términos:

"El cine es la profesión de varios personajes de Los abrazos rotos. Siempre lo he dicho, el cine para mí es “representación” de la realidad, y a veces su más fiel reflejo, su “duplicación”.
“Dos” son los personajes que Penélope Cruz incorpora en Los abrazos rotos. Magdalena, una mujer demasiado guapa y demasiado pobre para resistir la generosidad envenenada del magnate Ernesto Martel. Y Pina, su contrafigura, la protagonista de “Chicas y maletas”.
El cine y la realidad: Dos cabalgan juntos. (Y evoca aquí el título de una película de John Ford).

En fin, que Almodóvar se nos ha vuelto intelectual; ahora que ha cumplido los 60 años. De ahí que el escritor Gustavo Martín Garzo le dedicara prácticamente un ensayo en El País (“Una casa de lava”, 19 de marzo de 2009), donde desentraña lo que no se ve en una primera lectura del filme. O va más allá del propio autor.