lunes, mayo 20, 2013

EL NUEVO "BOLICHE" APUESTA POR EL CINE EN CATALÁN



Tras las elecciones de la Acadèmia del Cinema Català -que ganó el equipo encabezado por la productora de Pa negre, Isona Passola- y la nueva aprobación de ayudas al doblaje en lengua vernácula por parte del Gobierno de la Generalitat, han reabierto en Barcelona cuatro salas dedicadas al cine en versión original subtitulada en catalán, o habladas en ese idioma: Boliche Cinemes (Av. Diagonal, 508), que habían cerrado sus puertas en 2008 por problemas económicos.

Los valientes nuevos promotores son dos cinéfilos: Rafael Dalmau, empresario y reconocido programador; y Alfons Mas, filósofo y destacado crítico cinematográfico, que asimismo editarán una revista electrónica, redactada por especialistas. Digo “valientes” porque, con la subida del IVA y el descenso de espectadores, están cerrando salas; entre ellas, las de la firma Alta Films, del presidente de la Academia Española, Enrique González Macho, también dedicadas a la V.O. subtitulada.

Dos salas de los Boliche estarán dedicadas al cine de autor, y las otras dos a películas más comerciales, pero siempre en V.O.S. en catalán. Como manifestó Rafael Dalmau, una empresa privada se ha ofrecido a hacer gratuitamente la sincronización de los subtítulos digitales (“que no cuesta ni 1.000 euros”), mientras que Plataforma de la Llengua será la encargada de la traducción de los diálogos. Además, se proponen celebrar coloquios y sesiones de cine educativo, entre otras actividades culturales. 

Los datos oficiales provisionales, facilitados por el Departament de Cultura, estiman que el número de espectadores de filmes en versión original o doblados al catalán ha subido al 4,39 % durante el año 2012; un porcentaje más alto que nunca, pero lejos todavía de las previsiones del Gobierno autonómico. 

Esperemos que el gran público y los buenos aficionados respondan ante esta nueva y atrevida oferta.

(Publicado en  DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 21-V-2013)

domingo, mayo 12, 2013

ACTUALIDAD DEL CINE BREVE



Tras el Festival Internacional del Cine de Autor, se ha celebrado en Barcelona otro certamen especializado. Se trata de la nueva edición de Curt Ficcions, dedicada al cortometraje.
 
Esta entidad, tantos años vinculada a la empresa de exhibición Yelmo-Cineplex, ha organizado la 16 Festival de Cortos, con el propósito de ofrecer una panorámica de la actualidad del cine breve.
 
En la presente edición, Curt Ficcions incluye dos novedades: el protagonista es el público, pues los premios son decididos por los espectadores a la salida de las sesiones. Asimismo, el público no paga la entrada, sino que hace una aportación voluntaria al final de la proyección.
 
Como en años anteriores, este reconocido certamen de cortometrajes dedica una atención especial a una disciplina, a modo de hilo conductor de su programación. 2013 ha tenido como protagonista la Danza. De ahí el título específico: Bailando con cortos.
 
Las sesiones se celebran en la Filmoteca de Catalunya, en el Institut Français de Barcelona y en la Biblioteca Jaume Fuster de la Ciudad Condal. Los cortometrajes a concurso, con el título genérico de “Concurts”, se agruparon en tres programas. Y el bailarín y coreógrafo Cesc Gelabert cerró la gala de clausura.
 
Esperemos que de los autores de cortos surjan futuros directores para el diezmado cine español.
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 13-V-2013)

domingo, mayo 05, 2013

SALVAR EL CINE EN CELULOIDE


Esta última semana se ha celebrado el 69 Congreso Internacional de la FIAF (Federación Internacional de Archivos de Films), que ha reunido en Barcelona a más de 300 especialistas procedentes de 62 países.
 
El objetivo de esta reunión mundial de la FIAF -integrada por 151 instituciones públicas de 72 naciones- es la preservación de las películas originales, en un momento en que el sistema digital está acabando con los filmes en formato óptico; pues los grandes laboratorios fotográficos anuncian que en 2015 dejaran de producir celuloide.
 
En su disertación en la Filmoteca de Catalunya -organizadora de este congreso, bajo la dirección de Esteve Riambau-, Guillermo Navarro, director de fotografía de El laberinto del fauno, Jackie Brown y Abierto hasta el amanecer, afirmó que “las películas han hecho una gran contribución a la humanidad, han documentado nuestra época, imaginado el pasado, recreado el futuro y explorado la humanidad. Perder el patrimonio fílmico en formato de celuloide es como perder la piedra de Rosetta de nuestro tiempo”. Mientras la artista visual, Tacita Dean, que es la principal impulsora para que los films de celuloide se declaren por la UNESCO Patrimonio de la Humanidad, añadió: “Puedo parecer melodramática, pero cada día desaparecen laboratorios. Las películas pertenecen a todos, no sólo a la industria, y se están perdiendo muy rápidamente. Deben exhibirse las obras tal y como fueron concebidas”. Aunque el futuro del cine es digital y analógico, se peguntó: “¿Por qué no hemos de poder escoger el medio según el proyecto?”.
 
Durante las concurridas sesiones, también se proyectaron multiversiones de films -tema central del 69 Congreso-, diferentes versiones que existen de muchas películas, como la danesa Atlantis (1919), de August Blom, que rodó otro final para el mercado ruso (foto). Las jornadas de trabajo se clasuraron en el Gran Teatre del Liceu, con la exhibición de la obra maestra de Fritz Lang, Los Nibelungos (1924-25), con música en directo.
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 6-V-2013)

viernes, abril 26, 2013

EDUCACINE, UNA GRAN INICIATIVA




Este sábado 27 de abril se celebrará en Madrid, en los céntricos cines Palafox, la primera sesión de EducaCine-“Coloquios de película”, una iniciativa educativa y cinematográfica promovida por el semanario Magisterio y la web especializada Decine21.com. Dirigida a educadores, sobre todo profesores y padres de familia, y en general a toda persona inquieta por las lagunas culturales del ciudadano de a pie, la actividad, que tendrá continuidad en futuras sesiones, consistirá en la proyección de una película seguida de un coloquio con una personalidad experta en el tema objeto de debate.

El arranque de “Coloquios de película” se produce planteando un interrogante al que conviene dar vueltas: “Enseñar a pensar desde la infancia: ¿Es posible?”. La película francesa Solo es el principio (Ce n’est qu’un debut, Pierre Barougier y Jean-Pierre Pozzi, 2010) describe una singular experiencia pedagógica en el parvulario Jacques Prévert de Le Mée-sur-Seine, en Francia, donde a los niños se les enseñan rudimentos de filosofía, al familiarizarles con conceptos como el amor, la libertad, Dios, la muerte...

A la proyección de la película seguirá un coloquio conducido por el filósofo, ensayista y pedagogo José Antonio Marina. En un momento en que está en marcha una reforma educativa y se debate el papel que debe jugar en ella la filosofía, la reflexión y el diálogo resultan primordiales. Como asegura Marina, “la filosofía es el estudio de la inteligencia humana, de sus límites, sus posibilidades y sus creaciones”, y su vertiente práctica, la educación, “encargada de la transmisión cultural”, es primordial. Bienvenida sea, pues, EducaCine.

(Publicado en DE PELÍCULA, www.diarioya.es, 26-IV-2013)

domingo, abril 21, 2013

15 AÑOS DEL MUSEO DE CINE "TOMÀS MALLOL"



Si la semana pasada hablábamos del la exposición dedicada al mago Georges Méliès, hoy queremos celebrar el 15 aniversario del Museu del Cinema “Tomás Mallol”, que se inauguró en Girona en abril de 1998.

Recuerdo cuando en 1988, este cineasta amateur y gran conservador de aparatos cinematográficos recibió a un grupo de miembros del Centre d’Investigacions Film-Història de la Universidad de Barcelona, y nos mostró sus “tesoros”: esa valiosísima colección de artilugios de la prehistoria del Séptimo Arte, en su casa de Torruella de Fluvià, y le entregamos un Premio especial por su aportación a la investigación histórica del cine a través del museo particular que había iniciado en 1968.

Diez años después de aquella visita y reconocimiento, el Ayuntamiento de Girona se hizo cargo de esta gran colección privada de precinema -que está considerada como una de las más importantes de Europa- e inauguró el

8 de abril el Museu del Cinema (c/ Sèquia, 1), que actualmente es una referencia internacional y de los pocos en el mundo que permiten hacer un trayecto que va desde los antecedentes del Cinematógrafo hasta la llegada de la Televisión. La colección de Tomàs Mallol sumerge al visitante en la historia de los intentos que ha hecho la humanidad para poner imágenes en movimiento sobre una pantalla y fascinar a los espectadores de todas las épocas. Dividido en diferentes ámbitos, destaca la exposición denominada Sortint de les ombres (Saliendo de las sombras), con los primitivos aparatos hasta llegar al invento de los hermanos Lumière.

Asimismo, el Museu del Cinema “Tomàs Mallol” -que posee más de 20 mil unidades- realiza talleres educativos para escolares a partir de tres años, organiza ciclos de cine, seminarios y congresos especializados; además es un centro de consulta para investigadores. En estos 15 años de ilusiones, ya han pasado 930.000 visitantes.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es,  21-IV-2013)

sábado, abril 13, 2013

NUEVO HOMENAJE AL GRAN MÉLIÈS, EL MAGO



Georges Méliès (1861-1938), el genio francés que creó el cine-espectáculo, es el protagonista de una exposición en CaixaForum, que acaba de llegar a Barcelona. Si el año pasado fue homenajeado por Martin Scorsese en su magistral La invención de Hugo, ahora es motivo de una impresionante muestra de su arte creador.

Este gran cineasta galo, autor de los trucos, del género fantástico, pionero del color e iniciador del lenguaje fílmico, fue reivindicado en 1928 por el crítico de Ciné-Journal cuando lo encontró vendiendo juguetes y golosinas en la estación de Montparnasse de París. Después de Léon Druhot, sería el realizador Georges Franju quien le dedicó un cortometraje en 1953, Le grand Méliès, donde se contaba la historia de este olvidado autor de más de 500 películas -sólo se conservan unas 150-, que fue arruinado por los industriales franceses Charles Pathé y Léon Gaumont, y posteriormente por las majors de Hollywood. Pues, el famoso creador de Viaje a la Luna (1902), Viaje a través de lo imposible (1904) y La conquista del Polo (1912) tuvo que vender al trapero sus valiosas cintas para subsistir.

Este año ha llegado a nuestro país una exposición titulada “Georges Méliès, la magia del cine”, donde se pueden contemplar -de momento, hasta el 24 de junio en Barcelona- algunas de sus películas, aparatos cinematográficos, elementos de attrezzo y vestuario, además de dibujos y documentos personales procedentes de la Cinémathèque Française. Nadie debería perderse -si no la habían contemplado en Madrid- esta nueva muestra sobre el gran Méliès, el mago. 

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 12-IV-2013)


domingo, abril 07, 2013

CAMBIOS PARA EVITAR EL FRAUDE EN TAQUILLA



Ante la crisis que nos embarga, el Gobierno y los productores de cine españoles están intentando solucionar el futuro de nuestras películas autóctonas, tan diezmadas en la taquilla por la competencia de la industria de Hollywood.

Desde hace meses, y a la espera de una nueva Ley del Cine que sustituya a la del antiguo Gabinete socialista, los dirigentes del PP se han venido reuniendo con diversas organizaciones profesionales para encarrilar los problemas del cine español de nuestros amores (y dolores). Así, han tratado conjuntamente sobre los incentivos fiscales, las ayudas directas y acerca de las relaciones con las cadenas televisivas.
Junto a los responsables del Ministerio de Cultura, que incluye el ICAA (Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales), han negociado Ramón Colom, presidente de la Federación de Productores Audiovisuales (PROA), y José Antonio Félez, junto al otro dirigente del sector, Pedro Pérez, presidente de la FAPAE, que proponen cambiar el sistema de subvenciones. 

Según el mecanismo vigente, las ayudas oficiales están sustentadas en las amortizaciones: una película, por el hecho de estrenarse, recibe un 15% de su recaudación. No obstante, donde el productor se juega el dinero es en la amortización complementaria, que consiste en que si la cifra de entradas vendidas llega a 60 mil, la película recibe hasta un tercio de su inversión, con el tope de un millón y medio de euros. De ahí que, cuando no se llega a esa cifra en taquilla, haya el peligro de fraude; es decir, comprar entradas sin público.

En torno a la desgravación fiscal, Pedro Pérez declaró durante la negociaciones: “Los márgenes son los de siempre: estamos entre el 18% de exención vigente y el 30% como mínimo deseable. Lo interesante -añadió- es que en las reuniones está también el Ministerio de Hacienda”. ¿Se preguntará al sufrido público español qué piensa sobre el tema? Porque las buenas películas, como Lo imposible, no necesitan de esas medidas.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 8-IV-2013)


martes, marzo 26, 2013

PELÍCULAS PARA LAS FIESTAS DE PASCUA




Antiguamente, en la Pascua de Resurrección se estrenaban filmes importantes, tras las películas religiosas de la Semana Santa, y los críticos dábamos cuenta de ellos. 
Ahora, aprovechando las fiestas, cabe recomendar algunos títulos -por apartados y orden alfabético-, que vale la pena visionar:


JÓVENES

Argo
Ganadora del Oscar, cuenta la odisea de los rehenes USA en Teherán

El Hobbit: Un viaje inesperado
Brillante adaptación de la novela de Tolkien

El hombre tranquilo
Reposición de la obra maestra de John Ford

Lincoln
Impresionante biopic sobre los últimos años del presidente USA

La noche más oscura
Trepidante thriller sobre la caza de Bin Laden por la CIA

Oz, un mundo de fantasía
Original precuela de El mago de Oz

La vida de Pi
Otro film “oscarizado” con grandes valores artísticos y humanos


MAYORES

Cristiada
La “guerra de los cristeros” de México evocada con precisión

Grandes esperanzas
Original adaptación de la novela de Dickens

Los Miserables
Atractivo musical basado en la obra de Victor Hugo


CINÉFILOS

Hitchcock
Interesante biopic del “mago del suspense”

No
Cómo fue derrotado Pinochet por un genial publicista


ESPECIAL MENORES

Para los más pequeños, también recomiendo estas cintas de dibujos animados: 

Amics per sempre, Campanilla y el secreto de las hadas, Los Croods: una aventura prehistórica, El gran milagro, Kerity i la casa dels contes, El origen de los guardianes y ¡Rompe Ralph!

Bona Pasqua

(Publicado como artículo, en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 1-IV.2013)

jueves, marzo 21, 2013

ALMODÓVAR: UN FENÓMENO COMERCIAL



Un nuevo traspié artístico ha sufrido Pedro Almodóvar, el más popular cineasta español en el extranjero. Su última película, Los amantes pasajeros, ha recibido un tremendo varapalo de la crítica; aunque parece estar triunfando entre el gran público autóctono.

En efecto, desde los críticos más intelectuales hasta los menos especializados han otorgado a esta cinta una sola estrella; pues “el film más gay de Almodóvar” -así lo calificó La Vanguardia- ha sido vapuleado por el exigente crítico de El País, Carlos Boyero; mientras uno de los titulares de El Mundo, Alberto Bermejo, después de diseccionar sus pretensiones y constatar sus errores, termina diciendo: “Como parábola o metáfora de la actualidad española, ese avión perdido que no sabe adónde va resulta casi un chistecillo amable, indigno de su reputación vitriólica, en relación a la desmesura terrorífica de la realidad”.

Con todo, en el primer fin de semana, Los amantes pasajeros batió el récord de taquilla: 1,89 millones de euros y 246.976 espectadores, con una media de recaudación de 6.320 euros por copia. Pero a la siguiente semana fue desbancada por Oz, un mundo de fantasía. Por eso, cabe preguntarse: ¿qué pasa aquí?

Como sucedió con el último Torrente, su enorme lanzamiento publicitario -incluso en los noticiarios televisivos- ha sido clave. Y el espectador digamos curioso ha respondido con creces ante una película sin calidad artística -al igual ocurrió con el subproducto de Santiago Segura-, pero realizada por un autor que se ha transformado en un fenómeno comercial. Por tanto, resulta muy alarmante con respecto al nivel medio -con perdón- del público español. 

(Publicado en  DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 23-III-2013)

viernes, marzo 15, 2013

La ESCAC, una escuela de cine puntera

Como anunciamos hace pocas semanas, vamos a hablar de la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC), que junto con la Escuela de Cine de la Comunidad Autónoma de Madrid (ECAM), es la más prestigiosa de España.

Ambos centros especializados son herederos del madrileño Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, fundado en 1947, que después se denominaría Escuela Oficial de Cinematografía (EOC), de donde han salido formados los principales cineastas de nuestro país.

Actualmente, la ESCAC posee una productora de cine -Escándalo Films-, que ya ha dado a luz una serie de realizadores y películas premiadas, la mayoría realizadas por mujeres como Roser Aguilar (Lo mejor de mí, 2008), Mar Coll (Tres días con la familia, 2009) o Elena Trapé (Blog, 2010). De sus aulas también ha salido el galardonado Juan Antonio Bayona, el director de las celebradas El Orfanato (2007) y Lo imposible (2012).

Y esta semana, la ESCAC ha organizado, con la colaboración del Ayuntamiento de Terrassa -donde está ubicada esta escuela-, la novena edición del Base Film Festival, dedicado a la promoción de talentos emergentes. Especializado en óperas prima, este certamen ofrece la oportunidad de descubrir diferentes caminos por los que acceder a una primera película. Así, del 11 al 15 de marzo, con el eslogan de “Lluita per donar el salt” (Lucha para dar el salto) -se refiere del cortometraje al largo-, se han celebrado conferencias y sesiones especiales con profesionales de diversos ámbitos: Dirección,  Guión, Montaje, Producción, Maquillaje y Vestuario. Entre los filmes programados, se han exhibido producciones recientes de los jóvenes de la ESCAC: Animals, de Marçal Forés, e Insensibles, de Juan Carlos Medina.

En fin, estamos ante un centro puntero en la promoción de nuevos directores para renovar el cine español.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 15-III-2013)

domingo, marzo 10, 2013

"FILM X DÍA" REIVINDICA EL CINE DE AUTOR

 
Tras comentar los populares Oscar de Hollywood, quería hoy informar sobre una web española que está realizando un gran servicio en favor de las películas de autor, alejada de la mera comercialidad de la Meca del Cine,

Se trata de “Film x día. Sólo cine autoral y diversificador” (www.filmxdia.com), que se ha incorporado a la Red destacando entre las muchas páginas dedicadas al Séptimo Arte. Ha sido creada en Barcelona por Alfons Mas, filósofo, y Andrés Expósito, historiador.

Partiendo de los trabajos realizados en el grupo del Centre d’Investigacions Film-Història de la Universidad de Barcelona, ambos críticos cinematográficos llegaron a la idea de “la posibilidad de poder informar diariamente sobre el cine de línea más autoral, ahora que cada vez se encuentra más arrinconado. Para intercambiar y acoger las opiniones de las personas que gustan de este tipo de cine, proyectando su difusión”.

De ahí que visionen las películas antes del estreno y redacten una reseña diaria de cada film (original de Alfons Mas), con un atractivo diseño (por Andrés Expósito) y una información muy completa. Cada film incluye ficha técnica, sinopsis, cartel, comentario, imágenes y tráiler. Además, hay una sección de noticias, así como crónicas de festivales, recensiones de libros, fotos de eventos, frases famosas, aniversarios y necrológicas… En fin, toda la actualidad cinematográfica se puede obtener en FxD.

Asimismo, cabe inscribirse para recibir diariamente esa información especializada, dirigiéndose a info@filmxdia.com, al tiempo que se puede entrar en diálogo sobre las películas. Pero, eso sí, hay que ser un buen aficionado, porque la web está concebida primordialmente para cinéfilos y seguidores del cine de autor, el cual no ha muerto.
 
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 9-III-2013)
ç

domingo, marzo 03, 2013

"THE OSCARS" MUY BIEN REPARTIDOS


Como cada año, los Oscar de Hollywood han gozado de enorme glamour. Los miembros de la primera Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas –la europea, española y catalana sólo intentan emularla– han concedido sus estatuillas doradas con la brillantez que ya caracteriza a la vieja Meca del Cine.

En su 85 edición, se han repartido los preciados galardones entre las películas previstas: La vida de Pi, 4 (sobre todo, el de Mejor director al tawainés Ang Lee); Argo, 3 (especialmente, los codiciados a la Mejor película y Guión adaptado); Los Miserables, 3 (destacando el de Anne Hathaway); Lincoln, 2 (Mejor actor para Daniel Day-Lewis y la Dirección artística); Django desencadenado (Guión original de Quentin Tarantino y al alemán Christoph Waltz como Mejor actor de reparto); y el último Agente 007 Skyfall, 2; aparte de estatuilla para la joven Jennifer Lawrence por su interpretación de El lado bueno de las cosas.

El maestro Steven Spielberg, que fue reconocido como tal por Ben Affleck al recoger su galardón –anunciado desde la Casa Blanca por Michelle Obama, la esposa del presidente–, fue el gran perdedor; mientras la elegantísima Lawrence tropezó por las escaleras al ir a buscar muy emocionada el suyo. Aun así, la fiesta estuvo sazonada con números musicales y la “oscarizada” canción de Adele, en Skyfall, y toda la gala se desarrolló a ritmo trepidante, como si de un filme de James Bond se tratara.

También se quedaron de vacío la representación española –Paco Delgado, el diseñador del vestuario de Los Miserables, junto a la protagonista de Lo imposible, Naomi Watts– y la intérprete de La noche más oscura, Jessica Chastain; pero no así la película del austríaco Michael Haneke, Amour, que obtuvo el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa. Al final, con este reparto equitativo y “políticamente correcto”, acaso todos se fueron contentos. Ahora los nuevos galardones repercutirán en la taquilla mundial, que para eso los entrega cada año la industria de Hollywood. 
 
(Publicado en DE PELÍCULA, www.diarioya.es, 3-III-2013)

domingo, febrero 24, 2013

LA CARA FEA DE LOS "GOYA"



Como miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, habitualmente asisto a la famosa Gala de entrega de los Premios “Goya”, en reconocimiento a los mejores filmes  profesionales del año. Pero no voy a repetir aquí la valoración crítica que ya hizo la redacción del Diario YA. Una crónica a la que me sumo, con dolor. Me explicaré. 

Aunque la fiesta del cine español tuvo categoría artística, le faltó ética. Y como dijo el antiguo catedrático de Estética de la Universidad de Barcelona, José María Valverde, “nulla estetica sine etica”. La presentadora, la humorista Eva Hache, y algunos de los premiados al recibir el “Goya”, se dedicaron a criticar a diestro y siniestro. Es más, se aprovechó la gran audiencia televisiva que tuvo la gala para dirigir improperios a los miembros de la Casa Real, a los representantes del Gobierno o a las instituciones. No digo que, en sus sátiras, no tuvieran un parte de razón; pero no resultó elegante, porque allí iba de cine, o “de película”, nunca mejor dicho. 

La protesta posterior ha venido de un hospital que quedó en tela de juicio por los comentarios de la actriz Candela Peña, así como de la Federación Española de Balonmano, a causa de la broma de poco gusto de la Hache (en la foto). Además, el error de un premio “cantado” y después retirado a la Mejor canción del film Els nens salvatges, con broma posterior incluida, hizo que los frustrados galardonados abandonaran enfadados la sala. No se les dio excusa alguna, hasta dos días más tarde en que la Academia Española ha dirigido una explicación justificativa a sus miembros.

Estimados colegas: si bien las películas más premiadas -Blancanieves, Lo imposible, Las aventuras de Tadeo Jones- se lo han merecido, con “salidas” como ésta no hacemos un favor al cine español -¡qué de eso se trata!-, ya tan poco valorado por nuestro público. Por tanto, el gremio al que pertenezco tiene que replantearse seriamente la gala.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 24-II-2013)

martes, febrero 19, 2013

CONGRESO SOBRE CINE Y NUEVA EVANGELIZACIÓN

 
En el ínterin de los premios “Gaudí” y “Goya”, mientras esperamos los Oscar de Hollywood, se ha celebrado en Barcelona un nuevo Congreso Internacional sobre Cine y Nueva Evangelización.
 
Dirigido por el especialista Peio Sánchez, doctor en Teología y director de la Mostra de Cinema Espiritual, ha estado presidido por Liana Marabini, con asistencia del Cardenal-Arozobispo  Velasio De Paolis, que llegó de Roma para disertar sobre “El reto de la nueva evangelización”.
 
Se tuvieron dos mesas redondas, tituladas “Tres iconos para la nueva evangelización” y “Cine para creer”, con intervención de distintos cineastas que explicaron su experiencia de relación entre cine y fe -Paco Arango, realizador de Maktub, y Lluís Josep Comeron, director de La otra cara de la luna, -, y una sesión dedicada a Gaudí, proyectándose los documentales de Josep Maria Forn (1952) y de Massimo Manservigi, Cercando le sette chiavi di Antoni Gaudí (2012), que se pre-estrenaba en España.
 
Asimismo, en el Auditorio de la Facultad de Comunicación Blanquerna (Universitat Ramon Llull) -donde se celebró este encuentro, con numerosa asistencia- los profesores Daniel Arasa, Joan-Andreu Rocha y Francesc Grané trataron sobre “Cine y familia”, “Cine y diálogo interreligioso” y “Cine y educación”, respectivamente, junto a un nueva serie de animación para TV.
 
Estos congresos especializados -pues, tras el celebrado el pasado año en Roma y ahora en Barcelona, están previstos otros en París, Bruselas, Oxford, Budapest, Viena, Los Ángeles, Toronto y Río de Janeiro- pretenden formular una propuesta internacional que permitirá una reflexión sobre las posibilidades del cine como un arte y medio de comunicación que puede llegar al corazón del hombre para enfrentarlo al Misterio último de su propio ser.
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 17-II-2013)

domingo, febrero 10, 2013

PREMIOS "GAUDÍ", LA ANTESALA DE LOS "GOYA"



La nueva edición de los Premios “Gaudí”, concedidos por la joven Acadèmia del Cinema Català, no han sido polémicos este año. En su quinta convocatoria, la gala se ha vestido de esplendor. Celebrada en el Barcelona Teatro Musical -el antiguo Palacio de los Deportes- se ha llenado hasta la bandera. Todo el mundillo del cine catalán estaba presente en la fiesta: 1.700 invitados.

Presentados por el humorista Andreu Buenafuente, que estuvo bastante comedido -este año las críticas fueron para el PP y no dirigidas al Gobierno catalán-, los 500 miembros de la Academia repartieron casi por igual los galardones a las películas que también son candidatas a los “Goya” de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

Blancaneu -en la versión autóctona- se llevó cuatro “Gaudí”: Mejor film en lengua catalana (aunque es muda, sólo por los letreros), Mejor dirección artística, Música original y Vestuario. Mientras la mayor triunfadora de la noche sería Lo imposible, con seis premios: Mejor director (Juan Antonio Bayona), Fotografía, Montaje, Sonido, Maquillaje y peluquería, además del “Gaudí” como Mejor película europea (pues se rodó en inglés y está en versión castellana). 

Otros cuatro galardones fueron para Una pistola en cada mano, del catalán Cesc Gay; al tiempo que la más exitosa cinta de dibujos animados, Las aventuras de Tadeo Jones, se llevó dos “Gaudí”, entre los 22 galardones otorgados.

El presidente de la Academia del Cinema Català, el actor y ahora también realizador Joel Joan, se despidió con un discurso amable, dando paso a la nueva candidata, Isona Passola, productora famosa por su independentismo; así como la gran actriz Montserrat Carulla, que se manifestó así al recibir emocionada el “Gaudí d’Honor” de manos de Joel Joan (ambos en la foto). 

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es,  10-II-2013)

domingo, febrero 03, 2013

TERRASSA,¿CAPITAL DEL CINE ESPAÑOL?



La ciudad de Terrassa se está transformando en la capital del cine español. Si antes lo fue Barcelona, durante el período mudo y en la II República, ahora esta localidad catalana está acogiendo numerosas producciones autóctonas. 

A lo largo de 2012, Terrassa albergó 51 rodajes a través del Parc Audiovisual de Catalunya (PAC); concretamente, siete largometrajes, once producciones televisivas, 19 spots y vídeos publicitarios, ocho cortometrajes académicos, y seis producciones diversas (fotografía, videoclips e institucionales).

Estas cifras sitúan a Terrassa como el principal centro de producción de Cataluña. De ahí que el teniente de alcalde de esta histórica villa barcelonesa, Amadeu Aguado, manifestara a la prensa: “En un año en el que la industria audiovisual ha sufrido tanto los efectos de la crisis, los cuatro platós del PAC han funcionado a pleno rendimiento y hemos tenido numerosos rodajes en localizaciones de nuestra ciudad, lo que demuestra que Terrassa está consolidada como gran centro de producción audiovisual de Catalunya”.

Entre las películas realizadas en Terrassa, cabe destacar la recién estrenada El cuerpo, de Oriol Paulo, con Belén Rueda y José Coronado como protagonistas (foto), la coproducción Los últimos días, de Àlex Pastor, y Grand Piano, de Eugeni Mira. Este film, protagonizado por Elijah Wood, convirtió el plató 3 en un glamuroso teatro de Chicago y convocó a 350 figurantes. Para cubrir a estos “extras” se presentaron más de 800 personas de la ciudad. Los otros largos que se han rodado en Terrassa fueron Mamá, Los inocentes, Mindscape y Tres bodas y más.

¿Estamos ante un renacimiento del cine español? De momento, esta ciudad barcelonesa cuenta con la Escuela de Cine más importante del país, de la que hablaremos otro día.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 3-II-2013)



miércoles, enero 30, 2013

UNA DE HISTORIA CON PALOMITAS

 
Las películas sobre hechos reales copan la cartelera
Los historiadores recelan de su valor como fuente para conocer el pasado
 
Por ROCÍO GARCÍA
 
 
Quizás fue una reflexión exagerada pero el caso es que David W. Grifith (1875-1948), considerado por muchos el padre del cine moderno, la soltó en 1915: “Llegará un momento en el que a los niños en las escuelas se les enseñe prácticamente todo a través de películas; nunca más se verán obligados a leer libros de historia”. Sin llegar a este maximalismo, lo que parece claro es que el cine se ha convertido en un elemento clave para conocer el pasado lejano o el más cercano. Aun sin voluntad expresa de hacer historia. ¿Hay algo mejor para explicar la pena de muerte en la España franquista que El verdugo, de Berlanga? ¿La vida de los otros, de Florian Henckel von Donnersmarck, no traslada en imágenes y emociones lo que fue el terror de la Stasi alemana? Si alguien tiene interés en saber lo que fue realmente la depresión americana de los años treinta, ¿cómo no recomendarle Las uvas de la ira, de John Ford? ¿Cuándo uno piensa en la guerra fría y esas atmósferas inquietantes no le viene a la mente El Tercer hombre, de Carol Reed? Todos estos títulos y muchos más, aun rodados sin intención de reflejar un acontecimiento histórico, se terminan convirtiendo con el tiempo en testimonios indiscutibles e indispensables de un determinado periodo. ¿Es o no historia?

Hay algunos historiadores que miran de forma crítica, a veces con desprecio, el cine histórico, porque piensan que no puede ser fiel. Siendo cierto que una película no puede sustituir a un texto histórico —1.000 páginas y cientos de citas a pie de página frente a dos horas de imágenes—, sí puede ser un complemento y una fuente más. Rigor es lo que se debe de exigir a la historia y al cine.

Por oleadas invaden las salas de cine títulos que hacen referencia a hechos del pasado o a los más recientes. No hay duda de que ahora, en estos inicios de año, estamos en plena cresta de la ola. Los recientes premios de los Globos de Oro, aquellos que conceden los miembros de la Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood, y las candidaturas de los Oscar, cuya ceremonia se celebrará el próximo 24 de febrero en Los Ángeles, han dado valor a toda una cosecha cinematográfica centrada en acontecimientos históricos. Argo, el thriller de Ben Affleck sobre la crisis de los rehenes norteamericanos en el Irán de 1979, basándose en papeles desclasificados hace un tiempo por parte de los servicios secretos, obtuvo dos Globos de Oro (mejor película dramática y mejor director); La noche más oscura, de Kathryn Bigelow, que narra la operación de la CIA que acabó con la vida de Bin Laden, líder de Al Qaeda, el 1 de mayo de 2011, en una localidad de Pakistán, logró el premio a la mejor actriz dramática para Jessica Chastain y, finalmente, Lincoln, la narración de los últimos tres meses en la vida del presidente norteamericano que abolió la esclavitud, dirigida por uno de los magos del cine, Steven Spielberg, salió de la ceremonia con el Globo de Oro al mejor actor para Daniel Day-Lewis. Los tres títulos, todos ya en la cartelera española, parten también como grandes favoritos ante los Oscar. Lincoln es, de momento, la historia preferida de los académicos de Hollywood que han respaldado con mayor número de candidaturas (12), entre ellas mejor película y director, seguida de Argo (7) y La noche más oscura (5).

No hay relación feliz entre el cine y la historia, sostiene Julián Casanova, catedrático de Historia Contemporánea en la Universidad de Zaragoza y director de una sección en el programa radiofónico de Julia Otero, en Onda Cero, sobre cine e historia. “Nunca puede ser feliz porque el historiador piensa que el cine no puede ser nunca fiel, porque el cine busca imágenes de impacto diferente. Dicho esto, si uno es capaz de distinguir los dos discursos, lo cierto es que el cine ayuda mucho a comprender la historia, es un instrumento básico, sea verdad o mentira, para conocer los olores, los contextos, los discursos de la época. El cine cuando es bueno y transmite imágenes de buena factura es una fuente histórica, una fuente más. En mis clases, cuando quiero explicar a los alumnos extranjeros de Erasmus lo que fue el garrote vil y la pena de muerte en España les pongo El verdugo, de Berlanga”.

A Casanova le gusta la explicación que utilizaba Truman Capote para referirse a su libro A sangre fría, una historia sobre el salvaje asesinato de cuatro miembros de la familia Clutter en un pequeñito pueblo de Kansas en 1959, que, a juicio del catedrático, “tiene mucho más rigor que algunos ensayos históricos”. Capote decía de su obra que era una “novela de no ficción”. “Es esa narrativa de investigación que no se puede confundir con la novela histórica y que si la trasladas a la pantalla se convierte en un cine de no ficción. Dentro de este cine de no ficción es donde yo situaría claramente las películas La noche más oscura o Argo. Es un cine de investigación realizado sobre hechos reales, en el que se utilizan documentos de todo tipo. Estas películas no pueden ser consideradas cine histórico como tal, al contrario que Lincoln, que es un filme que trata de un personaje histórico, un presidente de Estados Unidos, que además va en busca de la identidad norteamericana”, explica Casanova para quien, aunque las fronteras entre ambos géneros no están muy claras, la diferencia radica en que el cine de no ficción se basa en hechos reales que el espectador ha vivido y de alguna manera se acuerda de ellos y, por tanto, puede opinar sobre ellos. “El cine histórico ayuda a comprender o distorsionar o falsear la historia sobre hechos remotos que el espectador no ha vivido”.

No hay que olvidar, resalta Casanova, el contexto en el que se hace la película. “A mí lo que me interesa como historiador es lo que bulle detrás. Las películas no son inocentes, hay que explicar las razones políticas, culturales y sociales. ¿Si no fuera hoy Obama presidente de Estados Unidos, el primer presidente afroamericano, se hubiera hecho Lincoln?”.

José María Caparrós, profesor de la Universidad de Barcelona y autor del libro 100 películas sobre historia contemporánea (Alianza Editorial), prefiere referirse a los términos de “reconstitución” para aquellas películas que hablan del pasado evocado desde el presente y las de “reconstrucción”, que son las que rodadas en una determinada época reflejan la vida y con los años se convierten en historia. Woody Allen, Berlanga, Bardem, Saura o Gutiérrez Aragón son ejemplos claros, según Caparrós, de este cine de reconstrucción, al igual que las películas nominadas a los Oscar, incluida la española Lo imposible, el filme de Juan Antonio Bayona sobre la tragedia del tsunami de Indonesia en diciembre de 2004, y cuya protagonista femenina, Naomi Watts, es candidata al premio de Hollywood. Auténtico defensor de que toda película es histórica —“con el tiempo serán históricas hasta las malas”—, Caparrós cree que una de las razones del aluvión en los últimos tiempos del cine basado en hechos reales es consecuencia del descenso de la lectura. “Cada vez se leen menos libros y una forma de conocer el pasado es a través de las películas. El problema es que el cine que evoca la historia es a menudo parcial, porque tiene que someterse a una estructura de un drama, con arranque, desarrollo, clímax y desenlace. Las películas históricas reflejan también lo que piensan los guionistas y el director sobre el contexto, de cómo se ve el pasado desde el presente”, dice Caparrós, que en sus clases en la universidad explica la historia a través del cine, analizando películas rodadas en su momento y que se han convertido en historia con el paso del tiempo.

Esto será lo que ocurra probablemente con Lo imposible, el gran éxito del cine español de esta temporada: casi 87 millones de euros recaudados en todo el mundo, de los que 42,5 millones corresponden solo a España. Serán muchas las personas que cuando recuerden esas olas gigantescas que llegaron a las costas de Indonesia y acabaron con la vida de 230.000 personas tendrán en su mente las imágenes de la película de Bayona. Su productora, Belén Atienza, asegura que a diferencia de La noche más oscura, con documentos no del todo públicos, o Lincoln, por el tiempo transcurrido, en Lo imposible toda la información, los documentos y los testimonios de tanta gente sobre esta tragedia jugaron a favor del filme. “Cuanto más nos documentábamos, más obsesiva se volvía la necesidad de hacerla lo más real posible. La hora, cómo llegaba el agua, de qué color era, cómo se vivió en los distintos lugares de la isla y en los hoteles, qué pasó cuando el agua se retiró, qué fue lo que allí quedó. Las fotos e imágenes nos ayudaron a ser rigurosos”. A este retrato de lo que fue el tsunami, se añade la historia real más delicada de esa familia afectada por esa terrible experiencia y de lo que sintieron a cada minuto. En este caso, lo importante, puntualiza la productora, no era tanto lo que pasó, sino lo que se sintió. “Sí creo que esta película es un documento histórico. Me gusta que el cine se convierta en referente histórico pero, como todo, tiene que ser bueno. Yo he aprendido muchas cosas de la historia a través del cine y por eso creo que es una buena forma de introducir o despertar un interés que luego cada uno puede profundizar más”, explica Atienza.

Con final feliz o no, el cine y la historia viajan juntos en la pantalla.
 
(Publicado en El País, 27-I-2013, pp. 38-39)

domingo, enero 27, 2013

LOS DOMINGOS, MATINAL INFANTIL


Desde principios de este 2013, los cinemas Verdi de Barcelona han ideado una fórmula para ganar espectadores. Todos los domingos programan sesiones matinales de cortometrajes para niños y niñas entre dos y siete años. El objetivo es formar futuros espectadores mediante el mejor método: exhibiendo buenas películas y adecuadas para el público menor.
 
Bajo el título “El meu primer Verdi”, se proponen difundir un principio de la educación, que hacen suyo con este lema: “Trae un niño a nuestras sesiones -todos los domingos, a partir de las once y media de la mañana- y te devolveré un espectador”. La programación de tales sesiones busca diferenciarse de las propuestas comerciales al uso, pues ya se encuentran en las multisalas y en DVD al alcance de las familias. Se trata de exhibir cortos de animación con una misma temática o hilo argumental. Además, estas proyecciones están precedidas de actividades lúdicas.
 
La sesión inaugural contó con un famoso cortometraje, El muñeco de nieve (foto), de 26 minutos de duración y dirigido en 1982 por Dianne Jackson. Esta deliciosa película -nominada al Oscar como Mejor corto de dibujos animados- es un film mágico y encantador, basado en el libro-álbum del británico Raymond Briggs, que ha gozado del parabién del público anglosajón desde que apareció en 1978. Asimismo, se exhibió Una nina a la neu, corto de 14 minutos realizado por Co Hoedeman.
 
¿Será ésta una nueva fórmula para salvar el cine y, a la vez, tener distraídos a los más pequeños los domingos por la mañana?

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 27-I-2013)

domingo, enero 20, 2013

IR AL CINE CON TARIFA PLANA

Ante la crisis que están sufriendo las salas, un empresario catalán ha ideado una nueva modalidad de ir al cine. Se trata de aplicar la tarifa plana -ya famosa en internet- en las entradas.
Este exhibidor, Pere Sallent, permite a los espectadores ver todas las películas que quieran por el precio único de 22,50 euros al mes. Propietario de los multicines El Punt de Cerdanyola del Vallès (Barcelona), ha puesto en marcha en España una iniciativa que ya está funcionando en otros países europeos, como Alemania, Inglaterra y Francia, donde el 25% de las entradas se venden por medio de este sistema.
“Había que inventar alguna cosa”, afirma Sallent. El alarmante descenso de público de cine en Cataluña pasó de 29 millones de espectadores en 2004 a 19 en el 2011. Y de una recaudación de 151 millones de euros en 2004 a 134,6 en 2011. Las cifras, según el Gremio de Empresarios de Cines indican un descenso del 6% en espectadores y taquilla.
Pere Sallent, que también dirige las multisalas Full HD Cornellà y Alzira (Valencia), facturó en 2012 un total de 13,7 millones de euros. Para mantener el negocio, ideó esta modalidad de tarifa plana denominado “El Puntàs”, con el que espera mantener el rendimiento de los cines y a sus 87 empleados.
Es más, Sallent espera ampliar las multisalas de Cornellà de Llobregat, que pasarán de 18 a 28 pantallas. Salas pequeñas, con capacidad para 50 espectadores, pero con pantalla gigante y ligeramente inclinada al patio de butacas. “El espectador -dice- se encontrará como si estuviera viendo un partido de tenis justo al lado de la red”. Por tanto, iniciativas como ésta pueden beneficiar no sólo al público, sino al mismo cine.
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 20-I-2013)

domingo, enero 13, 2013

LINCOLN Y PI CAMINAN HACIA LOS OSCAR

 
 
Steven Spielberg, con su biografía de Lincoln (see trailer), y Ang Lee, con su adaptación de La vida de Pi, son los máximos candidatos a los Oscar de Hollywood, con 12 y 11 nominaciones, respectivamente.

El año pasado ha habido una buena cosecha en las pantallas mundiales. De ahí que los académicos de la vieja Meca del Cine lo hayan tenido bastante fácil a la hora de seleccionar las películas que optan a la preciada estatuilla dorada.
 
A estas primeras candidatas a los Oscar, se unen El lado bueno de las cosas (ocho nominaciones), la impresionante versión musical de Los Miserables (siete), La noche más oscura, de la “oscarizada” Kathryn Bigelow, Amor, del austriaco Michael Haneke, el nuevo Tarantino, Django desencadenado, y el último James Bond, Skyfall, con cinco.
 
Había esperanzas de que España estuviera representada en las candidaturas por Blancanieves y Javier Bardem por su interpretación del villano de Skyfall, pero nos hemos tenido que conformar con la nominación a Naomi Watts, como Mejor actriz por su duro trabajo en Lo imposible, de Juan Antonio Bayona, que disputará el Oscar con Jessica Chastain, la sufrida agente de la CIA que “cazó” a Bin Laden. Con todo, el diseñador canario Paco Delgado ha obtenido la candidatura al Mejor vestuario por Los Miserables, del británico Tom Hooper.

Mientras el Mejor actor es muy posible que recaiga sobre Daniel Day-Lewis, que encarna magistralmente a Abraham Lincoln, resulta indiscutible la nominada a la Mejor actriz secundaria, Anne Hathaway, por su también sufrido papel en Los Miserables.
 
Asimismo, la espléndida Argo concurre como Mejor película, Guión adaptado y Mejor sonido. Y entre las películas de habla no inglesa, cabe destacar la austriaca Amor, que acaba de estrenarse en nuestras pantallas. No obstante, el 24 de febrero saldremos de dudas.
 
(Artículo publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 13-I-2013)

domingo, enero 06, 2013

SUBE LA CUOTA DE PANTALLA EN EL CINE ESPAÑOL

 
El año 2012 se ha cerrado con un alza en la cuota de mercado de nuestra pobre cinematografía. A pesar de la crisis económica y la subida del 13% del IVA, la recaudación de las películas españolas ha alcanzado los 106 millones de euros; o sea, el 17,9% en contra de los 99 millones y el 15,59% contabilizados en 2011.
 
Con todo, hay que constatar que esta subida se ha debido al gran éxito de Lo imposible, de Juan Antonio Bayona, que ha sumado 40,5 millones de euros de esos 106 (es decir, un tercio del total); seguida del film de animación Las aventuras de Tadeo Jones, con 18 millones, y del drama romántico Tengo ganas de ti (12 millones de euros).
 
La nueva cuota de mercado, que ha llegado a los niveles del año 2001 (110 millones de recaudación y 17,87%), se ha debido más al fenómeno comercial de esos tres títulos que a una mejor calidad artística en la producción del cine autóctono. De ahí que los profesionales del sector hayan manifestado que tales cifras no significan una mayor aceptación del cine español por parte del público, ya que los datos globales suman 592 millones de euros de recaudación en las pantallas españolas del año 2012.
 
En plena negociación de otra Ley del Cine, Pedro Pérez, el presidente los productores, acaba de declarar que estas cifras “justifican la necesidad de apoyar una industria sólida y con muchas posibilidades”. De hecho, para la primavera próxima, el Ministerio de Cultura se ha comprometido a tener listo el nuevo texto. Esperemos que no provoque tanta polémica como el Proyecto de Ley de Educación.
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 4-I-2013)

lunes, diciembre 31, 2012

WOODY ALLEN, EN CÓMIC Y TRAS LA CÁMARA

 
Más de un centenar de libros se han publicado sobre este famoso creador norteamericano; entre ellos, uno del titular de esta columna semanal: Woody Allen, barcelonés accidental. Sólo detrás de la cámara (Madrid: Encuentro, 2008), que coincidió con el estreno de la fallida Vicky Cristina Barcelona.

Ahora nos sorprendido con sendas obras acerca de su persona: la reedición de las tiras cómicas de los años setenta, originales del dibujante de historietas para periódicos Stuart Hample; y la cinta biográfica del “oscarizado” Robert B. Weide, Woody Allen: El documental (2012), que se acaban de editar y estrenar en España.

Mientras Weide, mediante un año y medio siguiendo al cineasta por todas partes, intenta la biografía definitiva sobre este genial autor -desde sus trabajos para televisión hasta la última película, pasando por los primeros proyectos como director de cine-, con entrevistas a sus colaboradores y el propio Allen, Stuart Hample publicó su cómic en 460 periódicos de los Estados Unidos, cuando el hoy célebre cineasta sólo contaba con 39 años (ahora acaba de cumplir 77) y aún no estaba reconocido como uno de los maestros del Séptimo Arte contemporáneo. El mismo Woody Allen colaboró con la idea de las tiras cómico-satíricas de Humple, pero le comentó al dibujante: “Por favor, no me hagas tan masoquista. No lo soy en la vida. Intentarlo y fracasar, es divertido; ser masoquista, no”.

Asimismo, el documental de Robert Weide corrobora algunas de las viñetas del Inside Woody Allen de Stuart Humple. Y con el film también colaboraría el propio Allen, donde se recogen algunas de sus primeras bromas; aunque se echa de menos su faceta más humana. Con todo, se explican anécdotas como el intento de Woody Allen por cancelar Manhattan.
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 29-XII-2012)

lunes, diciembre 24, 2012

10 PELÍCULAS PARA ESTAS NAVIDADES


Como todos los años, ofrecemos una selección de filmes recomendables para estas fiestas. Aquí va su lista (por orden alfabético):


ARGO (Jóvenes)

Se trata de un thriller político, dirigido e interpretado por Ben Affleck, sobre el rescate de los diplomáticos norteamericanos secuestrados en Irán, en noviembre de 1979.

ASTÉRIX Y OBÉLIX (Todos los públicos)

Nuevo episodio del famoso cómic, interpretado por Gérard Depardieu, aunque inferior a los anteriores filmes.

BRAVE (INDOMABLE) (Todos los públicos)

Espléndida cinta de animación de la factoría Disney, que acaba de salir en vídeo. También vale la pena visionar el DVD de la producción española Las aventuras de Tadeo Jones.

CÉSAR DEBE MORIR (Mayores)

Los hermanos Paolo y Vittorio Taviani vuelven a la pantalla grande con una original propuesta basada en la pieza de Shakespeare.

EL FESTÍN DE BABETTE (Jóvenes)

Reposición de una obra maestra de Gabriel Axel, que vale la pena volver a ver.

EL HOBBIT: UN VIAJE INESPERADO (Todos los públicos)

Primera parte de la trilogía de Peter Jackson sobre la novela de Tolkien, que precedió a “El señor de los anillos”

LO IMPOSIBLE (Jóvenes)

Basada en un hecho real, el drama de este tsunami en Tailandia realizado por el barcelonés J. A. Bayona al estilo de Hollywood está batiendo récords en taquilla.

LOS MISERABLES (EL MUSICAL) (Mayores)

La famosa novela de Victor Hugo llevada a la pantalla por enésima vez, después de triunfar en la escena.

EL ORIGEN DE LOS GUARDIANES (Todos los públicos)

Otra muestra del auge del cine de animación, que hará las delicias del público menor.

LA VIDA DE PI (Jóvenes)

Bello espectáculo del “oscarizado” Ang Lee, que adapta un relato indio lleno de valores éticos.
 

(Publicado en http://www.cinemanet.info, 20-XII-2012)

viernes, diciembre 21, 2012

MOSTRA DE CINEMA ITALIANO

 
 
Tras el Festival de Cine Italiano celebrado en Madrid a finales de noviembre, ha aterrizado en Barcelona el Istituto Luce Cinecittà con una Primera Mostra del Cinema autóctono más reciente, celebrada del 14 al 18 de diciembre en sesiones gratuitas.
 
El programa -seleccionado por los críticos Gianni Canova y Maurizio Di Rienzo- se inició con la proyección de Padroni di casa de Eduardo Gabriellini, una comedia que retrata la Italia de hoy. Sin embargo, el plato fuerte fue la proyección en los cines Verdi del documental La guerra de los volcanes de Francesco Patierno, dedicado a Roberto Rossellini, Ingrid Bergman y Anna Magnani. El film es un testimonio de la “volcánica” historia de amor que vivieron estos tres personajes, en el marco de las también eruptivas Islas Eòlies. Ese mismo día se rescataría una copia restaurada de Stromboli (1949), del maestro Rossellini, en versión original con subtítulos en inglés.
 
El referido Instituto -fundado en los tiempos de Mussolini- ha llevado a la capital catalana el cine italiano del momento. Por tanto, se han seleccionado películas que huyen de los convencionalismos propios del país y las cuales fueron presentadas en otros festivales internacionales. Todas las películas pertenecen a la presente temporada y aún no se han estrenado comercialmente en España.
 
Asimismo, se exhibió una película de animación, Pinocchio (2012) de Enzo d’Alò, con música del desaparecido Lucio Dalla, en La Pedrera de Barcelona. En total fueron ocho largometrajes, más ocho cortos y tres proyecciones especiales. Algunas de las sesiones contaron con los propios directores y actores invitados, como Ferzan Ozpetek o Marco Tullio Giordana, quienes compartirían protagonismo con nuevos realizadores como Nina Fuksas, Leonardo Di Costanzo o Edoardo Gabbriellini.
 
El maestro Berlanga me comentó en 1972 que él y Bardem se inspiraron en una Semana de Cine Italiano para sus famosas películas neorrealistas “a la española” de los años 50. ¿Tomarán también ejemplo hoy nuestros jóvenes cineastas?
 
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 21-XII-2012)
     

domingo, diciembre 16, 2012

EL "GUERNICA", CINEMATOGRÁFICO


Uno de los grandes cuadros del siglo XX, Guernica, original de Pablo Ruiz Picasso, que hoy podemos contemplar en el Museo Reina Sofía, de Madrid, al parecer tiene una inspiración cinematográfica; aparte de evocar la tragedia del bombardeo de la Legión Condor a la capital de fuerismo vasco, en 1937, durante la Guerra Civil española.
 
Así lo ha manifestado el director de fotografía José Luis Alcaine, uno de los cameramen más importantes del cine español y ganador de cinco premios “Goya”. Visionando el clásico de Frank Borzage, Adiós a lar armas (1932), película basada en la famosa novela de Ernest Hemingway, ambientada en la Primera Guerra Mundial y protagonizada por Gary Cooper y Helen Hayes, Alcaine ha llegado a la conclusión que Picasso se inspiró en una secuencia de este film para realizar su genial pintura.
 
Según la hipótesis de José Luis Alcaine, hasta once elementos del famoso cuadro aparecen en la secuencia del bombardeo de esta “oscarizada” película. A partir del minuto 50 (en el 54, en el DVD que visioné de Adiós a las armas) se puede comprobar una escena con numerosas coincidencias: la mujer que grita con los brazos abiertos, la que agoniza con un bebé, el caballo, una oca, la puerta, el resplandor… y otro elemento común -señala el cineasta- en el film y el cuadro: los soldados y civiles que huyen y son víctimas de las bombas se desplazan de derecha a izquierda.
 
Aunque Picasso nunca explicaba de dónde le venían las ideas, se sabe que era amigo de Hemingway y también de Gary Cooper, y que el realizador de la antológica secuencia no fue el galardonado Frank Borzage, sino el director de la segunda unidad, el rumano Jean Negulesco, por aquel entonces pintor que había frecuentado los círculos artísticos de París y era conocido del propio Picasso.
 
José Luis Alcaine concluyó así su verosímil estudio, presentado en la Filmoteca de Catalunya: “Es el cuadro de Picasso de formato más cinematográfico: en blanco y negro, con sensación de movimiento y un tipo de montaje de diferentes escenas cinematográficas”. Con todo, los especialistas picassianos habían relacionado hasta ahora el Guernica con Rubens.
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 16-XII-2012)

domingo, diciembre 09, 2012

LA PREHISTORIA DEL CINEMATÓGRAFO



Tras su exhibición en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, ha llegado a Barcelona la espléndida exposición de Josep Maria Queraltó, un coleccionista de aparatos primitivos del Séptimo Arte.

Queraltó Bonell posee una de las mejores colecciones de artefactos de los orígenes del cine, desde el zoótropo y las sombras chinescas hasta un Cinématographe de los hermanos Lumière, pasando por todo tipo de ingenios prehistóricos. Sus aparatos -perfectamente conservados- componen hoy la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó (coleccionjmqueralto.blogspot.com). Miembro de la Academia Española y honorífico de la Acadèmia del Cinema Català, es también coautor del libro Barcelona, la façana del cinema (2011), catálogo de la exposición que inauguró el pasado año, formada por una treintena de acuarelas de Josep Marfà. Tales pinturas se enmarcan dentro del impresionismo catalán y retratan las fachadas de cines de Barcelona de diferentes épocas, desde finales del siglo XVIII con el Teatro Principal Palacio hasta el Imax Port Vell construido en 1995, que son comentadas por el propio Queraltó. 

Este gran cinéfilo es uno de los coleccionistas de aparatos y material cinematográfico más importantes de Europa. Leridano, nacido en Vallbona de les Monges (1937), ha reunido durante más de 35 años cerca de 20.000 piezas relacionadas con la técnica cinematográfica. Su sueño es crear un museo pedagógico e interactivo de la historia del cine para todos los públicos. 

Actualmente, su valiosa colección se expone por primera vez en la Ciudad Condal, en la Capilla de Santa Ágata, bajo el título “Ilusión y movimiento: De las sombras al film”.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 9-XII-2012)

lunes, diciembre 03, 2012

BERLANGA, PATRIMONIO NACIONAL

 
Todo Berlanga, en Internet. Sí, la Filmoteca de la Generalitat Valenciana, con la colaboración del Ministerio de Cultura y la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, ha “colgado” en la Red la obra de Luis García Berlanga.
 
Sin duda, Berlanga (1921-2010) es el más genuino director del cine español. Así se lo manifesté a quien sería mi amigo hasta su fallecimiento. En la visita que le hice antes de la Navidad de 2009, este maestro de Séptimo Arte se sorprendió de esa valoración. Y en su casa, rememoramos sus películas y, en su enfermedad, me hizo contar Calabuch (1956) -que había olvidado por completo-, la obra que mejor refleja su idiosincrasia valenciana. Emocionados, lloramos juntos.
 
Luis me había prologado -y perdón al lector por estos recuerdos tan personales- mi libro Las grandes películas del cine español (2007, redactado con Magí Crusells y Rafael de España), donde aparecían reseñados tres filmes suyos: ¡Bienvenido, Míster Marshall (1952), Plácido (1961) y El verdugo (1963), este último considerado como el mejor de la historia de nuestra cinematografía, con El espíritu de la colmena (1973), del también maestro Víctor Erice. Volumen que le llevé, y cuyo prólogo está incluido en su bibliografía personal. Y él me dedicó ¡Viva Berlanga! (2009).
 
Para consultar ese Museo virtual sobre Berlanga, sólo tienen que “picar” esta dirección electrónica: www.berlangafilmmuseum.com, y encontrarán los siguientes apartados: El Museo, Bibliografía, Filmografía, Dimensión y Archivo.
 
Después de aprobar la Real Academia Española de la Lengua el término “berlanguiano”, Luis G. Berlanga -como firmaba sus películas- se ha convertido ahora en patrimonio nacional.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 2-XIU-2012)

viernes, noviembre 30, 2012

MI ENCUENTRO CON TONY LEBLANC

 
Sin duda, Tony Leblanc, ha sido uno de los mejores actores españoles. Fallecido el pasado sábado, 24 de noviembre, a los 90 años de edad, recibió el Premio FAMILIA por su trayectoria profesional el año 1998. José María Caparrós le entrevistó en verano de 1967, y su encuentro sería publicado en la revista Hogar 2000 (núm. 8, Madrid, octubre 1967, pp. 42-45). Como postrer homenaje a esta gran persona, reproducimos aquella hoy histórica entrevista.
 
Le pregunté por su salud. Me dijo que ya está recuperado. (Mi encuentro fue en Barcelona, junto a su esposa, en su camerino del teatro Calderón).
 
- ¿No crees que tu prestigio como actor pierde categoría al dedicarte al género de revista?
- No, porque este género de revista, en el extranjero, internacionalmente, ha sido uno de los de más categoría. Por lo tanto, si en el mundo el género de “music-hall” tiene prestigio, ¿por qué no ha de ser el que yo hago uno de los de mayor categoría?
- Vi tus films: El pobre García y Los pedigüeños, y, sin cumplidos, me gustaron mucho; sobre todo, el último. Pero, ¿por qué realizaste esa película de tan poca calidad -y perdona la confianza- que es Una isla con tomate.
- Porque fue la que más dinero me daba.
- Sin embargo, creo que te arruinó…
- Sí, en aquel momento me cogió desprevenido y perdí tres millones y medio de pesetas. Era mi capital, en dinero y demás. Después la gente entró a verla; el distribuidor se vio obligado a pagarme la cantidad estipulada y entonces pude salir adelante.
- ¿Fue esta la razón por la que dejaste el cine?
- Pues no. Después de eso he hecho varias películas. La última fue Historias de la Televisión, dirigida por José Luis Sáenz de Heredia.
- ¿Piensas volver?
- Si Dios quiere, sí. Vuelvo con José Luis Dibildos como productor, o con Ignacio F. Iquino.
- Tony, tu figura se hizo popular en la “tele”, y la verdad es que estoy seguro que muchos te echan en falta. ¿Hubo alguna razón especial por la que dejaste la pequeña pantalla?
- Sí; fue mi “tournée” en provincias. No era posible estar en los estudios de Madrid y actuar, a la vez, en provincias. Eso, lamentablemente, me ha obligado a dejar mi espacio; y quizás sea yo el que más lo echa de menos, porque estaba encariñado con él.
- ¿Es compatible tu vida de familia con la agitada vida de actor?
- No es muy compatible; pero hay que hacerla. No se puede compaginar la vida de familia con la vida artística; estás contrapuestas las horas; sobre todo, en la función de noche: no se puede cenar con la familia; no se puede estar con ellos ni con los niños a la hora de acostarse… Pero yo, al fin y al cabo, conocí a mi mujer en el teatro, y mi forma de ser es productor de mi línea teatral.
- Tienes siete hijos ¿Te gustaría que algunos siguieran tus pasos, tu carrera?
- Si supiera que mis hijos iban a tener la popularidad que yo, no me importaría lo más mínimo. No creo en condiciones a ninguno de los –por mucho que los quiera, como puedes figurarte-, ni lo suficientemente capacitados para saber las “ratonerías” que yo ya sé de teatro o quizá las virtudes que yo pueda tener como actor y autor teatral.
- ¿Te ha dado mucho dinero la profesión?
- Sí; me ha dado el dinero suficiente para vivir cómodamente, para que mis hijos estén en buenos colegios… y para poder echar una mano a gente de  mi familia que no tiene dinero.
- ¿Amas la profesión? ¿Antes ella, o tu familia?
- Mi familia, ante todo; después, mi profesión. A la hora de elegir tendría que escoger primero a mi familia. No obstante, puedo compaginarla, ya que ésta depende de mi profesión.
- ¿Quién te ayudó más en tu carrera? ¿Te lo has ganado todo a pulso?
- No tengo ningún nombre que darte de quién me  haya ayudado; y nadie ha cometido la tontería de colgarse el cartelito de: “Yo descubrí a Tony Leblanc”, porque no es cierto. Yo salí de un concurso de aficionados y era “extra” de cine cuando suplanté a un actor que se puso enfermo; salí por casualidad. O sea, mis méritos, los pocos méritos que pueda tener, son míos exclusivos, porque Dios me ha ayudado. Estoy donde Dios ha querido ponerme, no donde me ha puesto un señor o una señora que me haya ayudado.
- ¿Con qué realizadores prefieres trabajar?
- Con todos, siempre que sean del estilo, de la formación, de carácter de Tony Leblanc. Y estos son muy numerosos en España; por eso no te doy nombres. Hay muchos productores y directores cinematográficos que les encanta trabajar conmigo, y yo les correspondo; nos sabemos adaptar mutuamente y hacemos buenas películas.
- ¿Dónde te encuentras más seguro, en la escena o en el plató?
- En ambos sitios. El actor-actor profesional, tan profesional como yo, debe estar seguro siempre; con un miedo, con un sentido de la responsabilidad de debe tener todo actor profesional de mi categoría.
- ¿Estás satisfecho de tu vida como actor, o todavía esperas mucho más?
- No; yo soy un insatisfecho artísticamente, porque todo lo que he hecho se puede hacer mejor: Mi cine, mi teatro, mi televisión, diariamente trato de mejorarlo. Lo pasado ya no se puede repetir; pero todo lo que he hecho sería capaz de mejorarlo.
- De las noventa películas en que has intervenido, ¿qué papeles recuerdas con más agrado?
- Pues quizá el más difícil de interpretar, “Felipe”, de La Revoltosa. En popularidad, Los tramposos; fue la película que más me dio el “trampolín” fuerte, y Currito de la Cruz. Las demás, aun las malas, han colaborado lo suficiente para que Tony Leblanc sea conocido hasta en el último rincón de España.
- ¿Y de las obras escénicas?
- Pues creo que Yo me llevo el gato al agua es la mejor revista que he hecho. Y de lo que he escrito, un monólogo de un solo personaje que estrené en el Teatro Eslava, de Madrid, El pobre Jorge, con el cual he pasado a la antología del teatro; ya que no existe en el mundo un autor-actor que haya estrenado un monólogo de un solo personaje, nada más que yo.
- La pregunta de rigor: ¿Qué aconsejarías a un actor que empieza?
- Paciencia, que tenga mucha paciencia. Hay que tener suerte, valer, que le ayuden los compañeros, calar en el público… Son varios factores lo que influyen. Pero, sobre todo, paciencia; no se puede ir de prisa. Mira, yo llevo trabajando treinta años –debuté a los catorce, y tengo cuarenta y cuatro-, y parece que llegué hacer poco…
 
Apuramos los vasos. Tony Leblanc, un hombre sencillo, cordial, sincero.
 
 
(Off the record: Cuando se fue al escenario, le pregunté entonces a su muy joven mujer: ¿Estás siempre a su lado en el trabajo? - Sí, no quiero que ninguna “lagarta” me lo quite. Nos despedimos. Han pasado 45 años de aquel entrañable encuentro).
 
(Publicado en www.cinemanet.info, 29-XI-2012)