domingo, marzo 22, 2015

UN ANÁLISIS DE LA EXHIBICIÓN CINEMATOGRÁFICA EN ESPAÑA


La editorial Cátedra acaba de publicar el primer gran estudio sobre el sector de la exhibición cinematográfica en nuestro país, del que es autor José Vicente García Santamaría, profesor de la Universidad Carlos III de Madrid, miembro de la Junta Directiva de la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC) y un reputado experto en economía digital.

La exhibición cinematográfica en España traza una panorámica muy completa, en su vertiente historiográfica, de cómo ha evolucionado el sector de la exhibición en España desde la década de los sesenta del siglo pasado hasta hoy día. La recesión de esta industria duró más de treinta años, prácticamente desde mediados de la década de los años sesenta hasta mediados de los noventa, pasando de 7.761 pantallas en el año 1968 a 1.773 en el año 1994, la cifra más baja de la historia del cine español. Y a partir de este año se produjo una recuperación continuada que llegó hasta el año 2004. En este período, y por motivaciones derivadas del boom inmobiliario español y la inversión extranjera, la proliferación de grandes recintos cinematográficos alcanzó una magnitud tal que España ya se había convertido en el año 2005 en el país de la UE con mayor número de multisalas. Y en el año 2010 casi un tercio de los mayores complejos europeos estaban radicados en nuestro país, a pesar de que España es por población el quinto país de la UE. De ahí que el autor afirme que la exhibición española pueda considerarse una “víctima colateral” de la burbuja inmobiliaria. “La parte positiva –afirma este colega– es que en apenas una década logramos sustituir unas vetustas salas de cine y poco desarrollado tecnológicamente por un parque con una gran oferta de salas y con unas condiciones de confort y proyección que hasta entonces no se habían conocido en España”.

Actualmente, los locales con más de cinco pantallas representan más del 90% del total de pantallas españolas y las escasas monosalas que logran sobrevivir son casi una cuestión del pasado, al contrario de lo que ocurre en otros países de la Unión Europea que siguen manteniendo sus circuitos rurales. Y los más perjudicados por la ausencia de esta red serán los cines nacionales, puesto que el cine norteamericano siempre dispondrá de canales de distribución eficaces. Según un balance realizado por el autor, “en más del 40% del territorio español no existen salas comerciales de cine, con lo que hemos vuelto a la situación de los años ochenta, una época en las que aquellas provincias con menor número de habitantes veían como sus ciudadanos no podían acceder a proyecciones comerciales en sala”. De ahí que los aficionados -añado yo- visionen las películas en la pantalla del ordenador personal, en los smartphone o en las tablets.

viernes, marzo 13, 2015

"SELMA" ROMPE UNA LANZA CONTRA LA SEGREGACIÓN RACIAL


La cineasta afronorteamericana Ava DuVernay ha realizado un film excelente, que evoca la célebre caminata de 50 millas desde la población de Selma (Alabama) y su famoso puente hasta Montgomery, la capital del Estado, que tuvo lugar en 1965, poco después de que Martin Luther King recibiera el Premio Nobel de la Paz.

Aunque el principal protagonista es el Dr. King (perfectamente encarnado por David Oyelowo), no se trata de un biopic ni de una película hagiográfica sobre el líder no violento sobre los Derechos Humanos en su lucha contra la segregación racial; sino un film de reconstitución histórica, muy bien ambientado y capaz de emocionar al espectador.

La recreación de personajes, por ejemplo el presidente Johnson (Tom Wikinson), resulta notable, así como el clima de discriminación que sufrieron los negros estadounidenses durante tan largo período, pese a la legislación de igualdad que no siguieron muchos Estados y un gran número de ciudadanos blancos. Pensar que un afroamericano como Barack Obama llegaría a presidente de los Estados Unidos era un sueño, el mismo que manifestó el propio Luther King en su discurso tras la marcha sobre Washington en 1963: “I have a dream”, también de crítica contra la guerra de Vietnam.

Martin Luther King, Jr., había nacido en 1929, y estaba licenciado en Teología y era doctor en Filosofía. Pastor de la iglesia baptista, promovió el movimiento de los derechos civiles de los negros en USA, y firmó las leyes reivindicativas junto al presidente Johnson. Esta película, candidata a los Oscar del presente año, ha molestado a algunos, ya que el protagonista queda como el gran reformador de la legislación racial y no el presidente del país.

Curiosamente, cuando apenas tenía diez años, Luther King cantó en el coro de Atlanta, durante el estreno de la película Lo que el viento se llevó (1939). Como los Kennedy, cinco años antes y dos meses después, fue asesinado el 4 de abril de 1968, a los 39 años. Su viuda, Coretta Scott (que interpreta en el film Carmen Ejogo), promovió una fundación a su nombre.

sábado, marzo 07, 2015

"EL FRANCOTIRADOR", EL POLÉMICO FILM DE CLINT EASTWOOD


El actor y director Clint Eastwood ha dado a luz otra obra maestra del género bélico, que está batiendo récords de taquilla en Estados Unidos, y al mismo tiempo ha provocado una polémica. ¿Se trata de un film neofascista?, como cuando protagonizó la serie de “Harry”.

El francotirador (American Sniper, 2014) es, ante todo, una película antibélica, que retrata magistralmente la posguerra en Irak -“otro pantano”, como el de Vietnam-, pero centrado en la trágica vida de un SEAL -las fuerzas especiales de la Infantería Marina estadounidense-, Christopher Kyle (1974-2013), un patriota paranoico, a quien su padre le enseñó que había de ser perro pastor y nunca lobo ni cordero. De entrada, parece que está a favor de ese héroe nacional; pues lo despidieron con honores cuando fue asesinado por otro paranoico de la guerra de Irak (estos días juzgado en USA). Sin embargo, puede leerse al revés: una reflexión sobre el fracaso del sueño americano y la creación de mitos.

A tal fin, Eastwood -que ofreció otras reflexiones críticas sobre la guerra y sus trágicas consecuencias en Banderas de nuestros padres y Gran Torino- toma pie en la biografía de Chris Kyle, un tirador de élite que mató a unos 255 iraquíes (al parecer fueron poco más de 160) para describirnos con pelos y señales la barbarie de esa guerra; una posguerra que ganó el protagonista en Irak, con la idea de defender a su país y proteger a sus compañeros, pero que perdió la batalla en su misma casa, en su propia familia.

El francotirador evidencia, por tanto, las serias contradicciones de una nación y de sus ciudadanos. De ahí que, dentro de la ambigüedad característica de las últimas películas de Clint Eastwood como director, en palabras del crítico e historiador Àngel Quintana, “es lo bastante inteligente para crear una de las visiones más desencantadas de toda su carrera cinematográfica”.

Perfectamente interpretada por Bradley Cooper, y ambientada con enorme realismo en escenarios naturales de Marruecos -parece que estemos en plena acción bélica-, El francotirador es una película muy violenta, que ya ha generado una polémica mundial. Con su nuevo biopic, el californiano Clint Eastwood (84 años) sigue dando que hablar. 

martes, marzo 03, 2015

ABBAS KIAROSTAMI, ENTRE NOSOTROS


El más famoso maestro del cine iraní, Abbas Kiarostami, ha vuelto a nuestro país para enseñar a hacer cine a los jóvenes. Si en 2006 estuvo en el CCCB para dialogar con el cineasta español Víctor Erice -allí tuve el honor de saludarle-, ahora va a impartir durante diez días un taller de cortos a 55 estudiantes y una masterclass con José Luis Guerín.

El más famoso maestro del cine iraní, Abbas Kiarostami, ha vuelto a nuestro país para enseñar a hacer cine a los jóvenes. Si en 2006 estuvo en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), para dialogar con el cineasta español Víctor Erice -allí tuve el honor de saludarle-, ahora va a impartir durante diez días un taller de cortos a 55 estudiantes.

Kiarostami (Teherán, 1940), que es un gran especialista en cine infantil -fundó en 1969 el Departamento Cinematográfico Intelectual de Niños y Adolescentes en su ciudad natal-, ha sido el creador de una escuela fílmica en su país. Destacó con su premiado tríptico ¿Dónde está la casa de mi amigo? (1987), Y la vida continúa (1992) y A través de los olivos (1994), antes de brindarnos esa obra maestra que es El sabor de las cerezas (1997). Después nos ofrecería El viento nos llevará (1999) y Copia certificada (2010), entre otras.

El maestro Abbas Kiarostami ha ejercido una gran influencia en toda una generación de cineastas iraníes, algunos tan aplaudidos como su discípulo Jafar Panahi (último Oso de Oro en el Festival de Berlín’2015 y todavía en la cárcel por su defensa de los Derechos Humanos), Marzieh Meshkini (El día que llegué a ser mujer, 2001) o Majad Majidi (El color del paraíso, 2002), que como todas sus películas testimonian la evolución de su país.

Con todo, “la sombra de Kiarostami es alargada”; pues el desaparecido maestro del cine japonés, Akira Kurosawa, se manifestó así en el Festival de Tokio’94 sobre su admirado colega iraní: “Es difícil encontrar las palabras justas para hablar de las películas de Kiarostami. Hay que ir a verlas y darse cuenta de que son simplemente maravillosas. Cuando Satyajit Ray murió [el maestro del cine indio], me quedé muy triste. Pero después de ver los filmes de Kiarostami pensé que Dios había enviado a la persona para reemplazarlo. Me pregunto -continuaba el gran cineasta oriental (que antes se había declarado ateo)- por qué los países que tienen una larga historia cinematográfica me parecen menos buenos hoy, mientras los países que poseen una cultura cinematográfica más reciente son formidables. Es una pregunta que me planteo cuando veo las películas de Abbas Kiarostami”.


Sus filmes se pueden ver en la Filmoteca de Catalunya hasta el 31 de marzo; al tiempo que la productora Black Factory ha sido la organizadora del referido taller especializado, cuyo objetivo es que los alumnos aprendan y acaben esta semana con un cortometraje bajo el brazo, mientras Kiarostami realizará también el suyo. 

lunes, febrero 23, 2015

UNOS OSCAR REIVINDICATIVOS


La 87 edición de los preciados Oscar de Hollywood ha tenido un carácter bastante reivindicativo. La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas acaba de celebrar su gran fiesta anual en Los Ángeles, para premiar las mejores producciones de 2014 y, al mismo tiempo, exhibirse las “estrellas”.

Birdman, del mexicano Alejandro González Iñárritu, ha sido la principal vencedora, con cuatro estatuillas doradas: Mejor película, Director, Guión original y Fotografía. Pero ha empatado a Oscars con El gran hotel Budapest, del también innovador West Anderson; aunque este film sólo se ha llevado los premios técnicos. En sus palabras de agradecimiento, Iñárritu -ya bien instalado en la Meca del Cine- reivindicó a los mejicanos, que sufren en su país y también en los Estados Unidos. Se trata de una autocrítica del mundo del espectáculo, realizada con originalidad, narrada a modo de un falso plano-secuencia. Boyhood -la otra original candidata, rodada durante doce años- fue la gran perdedora: sólo alcanzó el Oscar a la Mejor actriz de reparto, para Patricia Arquette, que aprovechó su discurso para pedir la igualdad laboral entre hombres y mujeres.

Los galardones a los Mejores actor y actriz fueron para Eddie Redmayne, por su impresionante creación del físico Stephen Hawking, en La teoría del todo -ganando al también sufrido protagonista de Birdman, Michael Keaton-, y para Julianne Moore, por su emotiva interpretación de una enferma de Alzheimer, en Siempre Alice.

En el capítulo de Mejor película extranjera -o de habla no inglesa, mejor- ha ganado la polaca Ida, sobre la odisea existencial de una novicia hebrea tras la II Guerra Mundial, derrotando a la nominada cinta hispano-argentina Relatos salvajes. Y casi se fueron de vacío, Clint Eastwood, con su discutido film asimismo reivindicativo, El francotirador, y la magnífica Interestellar, de Christopher Nolan. Sólo ganó cada uno un Oscar técnico.

La fiesta -que hizo un homenaje al género musical- transcurrió un tanto pesada, pero tuvo su culmen con la actuación de Lady Gaga, que interpretó la melodía de Sonrisas y lágrimas -e hizo llorar a la que fuera su protagonista, Julie Andrews-, y con la canción premiada de Selma. Ahora, los codiciados Oscars aumentarán la taquilla de los filmes galardonados en todo el mundo.

Publicado en "Opinión", http://www.diarioya.es, 24-II-2015


miércoles, febrero 18, 2015

LA HISTORIA DEL CINE MUDO NORTEAMERICANO


Amb aquest títol, continuem els cursos sobre la història del cine americà que vàrem començar amb el dedicat al film clàssic, per continuar amb el cinema modern i concloure l'any passat amb el període contemporani.

Enguany iniciem altre cicle especialitzat, ara sobre el cine mut de Hollywood, 15 joyas de la época del cine mudo de americano. Projectarem 15 obres mestres de l'època silent, però mai va ser tal perquè les pel·licules se sonoritzaven amb una orquestra o directament un piano.

Totes les sesiones tindran lloc a l'Institut d'Estudis Nord-americans (IEN), de Barcelona (Via Augusta, 123), els dimecres de 10 a 14 hores.

Presentació i col·loqui un càrrec de Josep Maria Caparrós Lera, catedràtic emèrit d'Història Contemporània i Cinema de la Universitat de Barcelona. Aquest és el Programa:

18 de febrer de 2015
Fred Niblo: La marca del Zorro (1920). 90 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
25 de febrer
David Wark Griffith: Las dos tormentas (1920). 145 min.
4 de març
Rex Ingram: Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921). 134 min.
11 de març
Allan Dwan: Robin Hood (1922). 120 min.
18 de març
Ernst Lubitsch: El abanico de Lady Windermere (1925). 85 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
 25 de març
Cecil B. De Mille: Los Diez Mandamientos (1923). 131 min.
8 d'abril
Raoul Walsh: El ladrón de Bagdad (1924). 140 min.
15 d 'abril
John Ford: El caballo de hierro (1924). 133 min.
22 d'abril
Buster Keaton: El maquinista de la General (1926). 74 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble  
29 d 'abril
Rupert Julian: El fantasma de la ópera (1925). 93 min.
6 de maig
Edmund Goulding: Anna Karenina (1927). 82 min.
13 maig
Friedrich Wilhelm Murnau: Amanecer (1927). 90 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
20 de maig
Frank Borzage: El séptimo cielo (1927). 110 min.
27 d e maig
King Vidor: ...Y el mundo marcha (1928). 90 min.
3 de juny
Josef von Sternberg: La ley del hampa (1927). 80 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
10 de juny
Sesión de clausura: Exhibición de la obra maestra de la Charles Chaplin, Luces de la ciudad (1930). 

El Departament d'Història Contemporània de la UB concedeix per 60 hores lectives 3 crèdits acadèmics als alumnes que aprofitin aquest nou curs especialitzat, L'entrada es lliure i s'expedirà certificat acreditatiu.

(Publicat també, en castellà, a DE PELÍCULA, www.diarioya.es, 22-II-2015)


martes, febrero 10, 2015

LA GRAN NOCHE DEL CINE ESPAÑOL


Una semana después de la gala de Acadèmia del Cinema Català se ha celebrado en Madrid la 29 ceremonia de entrega de premios, los “Goya”, de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. La gala, conducida con gracejo por el actor Dani Rovira, fue bastante simpática y pero demasiado larga; alcanzó las 4 horas y, al final, se hizo un tanto pesada, pese a los atractivos “números” musicales. El mundillo del cine español estaba presente; no asistió el Rey pero sí el ministro de Cultura, José Ignacio Wert, que fue un ligeramente vapuleado.

Este año, los codiciados “Goya” se concentraron en una película más minoritaria: La isla mínima, de Alberto Rodríguez, con diez premios de los diecisiete a los que aspiraba: mejor película, director, actor, vestuario, actriz revelación, montaje, dirección artística, dirección de fotografía, música original y guión original. Le siguieron dos éxitos de público del pasado año: El Niño, de Daniel Monzón, que optaba a 16 estatuillas, y Ocho apellidos vascos,  de Emilio Martínez-Lázaro, con cuatro y tres “Goya”, respectivamente.

Entre los numerosos galardones, destacaron la argentina Relatos salvajes y la polaca Ida, como mejores filmes iberoamericano y europeo; mientras el Goya de Honor fue para Antonio Banderas, que hizo un largo discurso. Igualmente, el presidente de la Academia Española, el productor Enrique González Macho, fue extenso: puso el acento en el excelente año que ha representado 2014 para el cine español, pues consiguió reconciliarse con el público autóctono –al menos, en la taquilla–, en el apoyo a los cortometrajes y en reiterar al ministro Wert que baje el IVA por el bien de la cultura en España.


La verdad, desde mi perspectiva crítica –prácticamente cada año asisto a la gala como miembro de la Academia–, todo me pareció bastante autobombo. Sin embargo, fue una ocasión para saludar a colegas y celebrar en esa gran noche el cine español de nuestros amores (y dolores). 

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 9-II-2015)

lunes, febrero 02, 2015

LA GRAN NOCHE DEL CINE CATALÁN


La Acadèmia del Cinema Català acaba de celebrar su VII ceremonia de entrega de premios, los “Gaudí”, que preceden en una semana a los “Goya” de la Academia Española. La gala, conducida por el humorista Àngel Llàcer, fue bastante brillante y dinámica, acaso también porque se realizó en el club anexo al estadio deportivo San Jordi, de las Olimpíadas de Barcelona’92. 1.800 invitados fuimos los asistentes.

Los codiciados “Gaudí” se concentraron en dos películas: El Niño, el nuevo thriller del mallorquín Daniel Monzón, con siete estatuillas doradas (técnicas), y 10.000 Km, el soporífero drama de un catalán residente en USA, Carlos Marqués-Marcet, con cinco premios (artísticos); si bien el mejor film rodado en lengua vernácula correspondió a la espléndida cinta de Maria Ripoll, Rastres de sàndal, que narra la historia de dos hermanas indias, una de ellas adoptada por una familia catalana, y la otra, convertida en una famosa actriz de Bollywood que decide viajar a Barcelona en busca de su hermana pequeña.

La presidenta de la Academia, la productora Isona Passola, hizo un discurso optimista ante las autoridades asistentes, agradeciendo la puesta en marcha de una ley que obliga a las operadoras de internet a pagar 20 millones de euros al año para financiar la producción autóctona, así como el convenio firmado el pasado jueves por la Generalitat para subvencionar el audiovisual catalán con 25 millones.

No obstante, en 2014 se produjeron en Cataluña sólo 61 largometrajes, uno de cada tres filmes producidos en España, la cifra más baja desde el año 2005. Pero en 2013 fueron 77, un volumen de producción semejante a países como Bélgica y Holanda, e inferior a Suiza; aunque cuatro de cada diez películas catalanas se produjeron en régimen de coproducción con otra empresa del Estado español. De ahí que Isona Passola animará al final a los espectadores a ir más al cine y ver películas “catalanas”.

La semana que viene daremos cuenta de la gala de los “Goya”, en Madrid, que tiene previsto la asistencia el nuevo rey de España.

sábado, enero 31, 2015

LA HISTORIA, EL CINEMA I LA RELIGIÓ ES FUSIONEN









Una guia audiovisual per entendre i conèixer la profunditat teològica de grans pel·lícules religioses

Per MONTSE PUNSODA




Pel·lícules com Àgora (2009), Noé (2014), La Pasión de Cristo (2004), La Última Cima (2010), Cristiada (2012) i d’altres més antigues, com El evangelio según San Mateo (1964) o Un hombre para la eternidad (1966), entre d’altres, s’han recopilat en el llibre Cinema, Historia, ReligiónAquest, redactat pel crític en cinema i catedràtic a la Universitat de Barcelona, Josep Maria Caparrós, i pel periodista i doctor en Teologia, Ferran Blasi, es basa en una anàlisi sobre diverses pel·lícules i la seva relació amb les tres vessants que titulen el llibre.

Cinema, Historia, Religión és la primera obra literària en castellà que desenvolupa aquestes temàtiques en el món del cinema, la qual aconsegueix ser una guia per a tot aquell espectador cinèfil interessat en el gènere cinematogràfic religiós. 

Com explica al pròleg el crític de cinema espiritual Mn. Peio Sánchez “las relaciones entre el cinema y la religión siempre han sido peligrosas”, tant per la capacitat representativa del món audiovisual, com per l'estreta línia que separa en el  la realitat de la ficció. És per això, que aquesta crítica pot ajudar tractant amb profunditat teològica les pel·lícules seleccionades, i destacant els trets més característics de cada producció, així com el perfil i el recorregut dels directors que les van crear.

El relat destaca els punts forts i els més dèbils de manera que donen les bases a l’espectador per jutjar la profunditat de tota la selecció cinematogràfica escollida. A més a més, repassa i avalua la trajectòria de directors cinematogràfics tan diferents com, Alejandro Amenabar (Agora, 2009), Giacomo Campioti (Prefiero el Paraiso, 2010), Juan Manuel Cotelo (La Última Cima, 2010), Margarethe von Trotta (Visión, 2009), Mel Gibson (La Pasión de Cristo, 2004) o Martin Scorsese (La última tentación de Cristo, 1988). 

(Publicado en http://www.esglesiabarcelona.cat/node/6998)


HISTORIA Y RELIGIÓN EN EL CINE

ALFONSO MÉNDIZ


Acaba de aparecer en las librerías Cinema, Historia, Religión, un libro interesante tanto para los amantes del Séptimo Arte, como para los estudiosos de las relaciones Cine-Historia o Cine-Religión.

Los autores son dos grandes expertos en las tres materias que el título entrelaza. José María Caparrós, Catedrático de Historia Contemporánea y Cine en la Universidad de Barcelona, dirige desde 1983 el Centro de Investigaciones Film Historia y ha publicado más de 40 libros sobre historia del cine. Ferrán Blasi, Doctor en Teología por la Universidad Lateranense de Roma, es sacerdote y ha sido periodista, abogado y maestro; es autor de 8 libros, ente ellos: Los nombres de Cristo en la Biblia y Conocer la biblia.

El presente volumen analiza 23 películas de gran calado: desde El Evangelio según San Mateo (1964), de Pier Paolo Pasolini, o Un hombre para la eternidad (1966), de Fred Zinnemann, hasta Cristiada (For Greater Glory, 2012), Un Dios prohibido (2013) o la aún reciente Noé (2014), de Darren Aronofsky. En medio, grandes hitos del cine religioso, como La pasión de Cristo (2004), de Mel Gibson, o La Natividad (2006), de Catherine Hardwicke; y también biopics [Visión (2009), sobre santa Hildegarda; Prefiero el Paraíso (2010), sobre san Felipe Neri], documentales [El gran silencio (2005), Lourdes (2009), La última cima (2010)] y filmes que unen la biografía con la ficción [Encontrarás dragones (2011)]. Finalmente, tienen cabida también algunas películas “heterodoxas”, como Je vous Salve, Marie (1984), La última tentación de Cristo (1988) o Ágora (2009), que son analizadas con serenidad, rigor histórico y visión cristiana.

Como explica en el prólogo el crítico de cine espiritual Mn. Peio Sánchez “las relaciones entre el cine y la religión siempre han sido peligrosas”, tanto por la capacidad representativa del mundo audiovisual, como por la estrecha línea que separa la realidad de la ficción. Teniendo esto muy presente, parece claro que esta crítica cinematográfica, llevada a cabo por expertos, puede ayudar a los lectores por la profundidad teológica de su análisis, por la misma selección de las películas, y por el acertado contexto que rodea a cada filme: sus características como producción artística, y el perfil cinematográfico y personal de su director.

El interés por conocer el rostro de Cristo se manifiesta hoy en día en las películas: cada nuevo filme sobre Jesús levanta inevitablemente una ola de expectación y entusiasmo. Por eso no es de extrañar que 4 de los filmes analizados tengan como figura central a Jesucristo. Pero la vida de Cristo se continúa de alguna manera en sus seguidores. Por eso las vidas de santos son el segundo gran grupo de películas: porque hoy, como ayer, sus biografías despiertan un inusitado atractivo para las generaciones actuales.

El libro tiene un gran valor. Cinema, Historia, Religión es la primera obra en castellano que desarrolla esas dos temáticas (historias y religión) en el mundo del cine. Por eso consigue ser una guía muy especial para todo espectador cinéfilo interesado en el género cinematográfico religioso.

(Publicado en http://jesucristoenelcine,blogspot.com.es, 22-II-2015)


CINEMA, HISTORIA, RELIGIÓN

J. M. Caparrós Lera / Ferran Blasi Birbe 
Editorial Balmes - Barcelona (2014)
170 págs. - 25 €
Público: AMPLIO. NO FICCIÓN

En el prólogo, Peio Sánchez -director de la Semana de Cine Espiritual de Barcelona- propone una cuestión de fondo: ¿Puede haber diálogo entre el cine, donde la imagen  -la ficción- es la única moneda legal en curso, el lenguaje  exclusivo y el transmisor del relato; y la religión que es la relación real -no ficción- entre Dios y el hombre?

Sánchez dice que estas relaciones son peligrosas. Pero son necesarias porque el cine es un canal de expresión del hombre y merece la pena analizarlo. Para ello, dos buenas plumas -y sobre todo dos grandes cabezas-, que han visto mucho cine y pueden aportar en el diálogo antes anunciado, nos ofrecen veintidós largas críticas sobre películas con temática religiosa.

Más que críticas -término que podría malinterpretarse- son auténticas disecciones de veintidós filmes, el primero de ellos de 1964, coincidiendo con el 50 aniversario del Evangelio según san Mateo, de Pasolini. Tanto para el experto en cine, como para el aficionado, este libro es, más que una interesante aportación, una joya. 
                                                         
                                                                                         DARIO CHIMENO

(Publicado en Mundo Cristiano, núm. 656, marzo 2015, p. 66)



domingo, enero 25, 2015

WOODY ALLEN SE PASA A LA TELEVISIÓN


El más famoso cómico norteamericano prepara su primera serie para TV. Woody Allen, que realiza una película por año, ha sido contratado por Amazon para realizar una comedia por diez capítulos de media hora de duración, que se emitirá por la pequeña pantalla. “No sé cómo me he metido en esto. No tengo ninguna idea y no estoy seguro por dónde empezar. Apuesto a que Roy Price [vicepresidente de Amazon Studios] se arrepentirá de esto”, ha manifestado.

Lo más curioso del caso es que no ha sido una gran cadena televisiva la que haya encargado a Woody Allen, sino una plataforma de difusión de contenidos audiovisuales la que ha optado por este ambicioso proyecto. De hecho, en los recientes “Globos de Oro”, Amazon consiguió sus dos primeros premios con la tragicomedia Transparent, protagonizada por Jeffrey Tambor. Anteriormente, ya presentó Mozart in the Jungle, interpretada por Gael García Bernal, y ahora tiene pendiente de estreno un drama policíaco titulado Bosch.

El paso del veterano cineasta neoyorquino a Amazon refuerza todavía más el papel que juegan en el nuevo ecosistema del entretenimiento este tipo de plataformas online, una competencia que las cadenas generalistas y de cable tienen que tener cada vez más en cuenta. “Woody Allen es un creador visionario que ha hecho algunas de las más grandes películas de todos los tiempos y es un honor trabajar con él en su primera serie”, ha dicho Roy Price.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 24-I-2015)


viernes, enero 23, 2015

EN LA VANGUARDIA DEL CINE BARCELONÉS


GONZALO QUESADA (1931-2014)

Productor cinematográfico y economista


A los 83 años, ha fallecido el que fuera Administrador de La Vanguardia, Gonzalo de Quesada Hernández. Doctor en Filosofía y Letras por la UB y Economista por el IESE, becado por el Consejo Superior de Investigaciones Científicas para ampliar estudios en Italia, Gonzalo Quesada había sido productor de cine entre 1954 y 1959, en los que trabajó en los célebres Estudios Balcázar (Esplugues de Llobregat) y en Unión Cinematográfica Eolo, de Barcelona. También estuvo en los primeros años del Cine-Club Monterols (1951-1966), donde organizó cursos e impartió conferencias sobre economía cinematográfica y financiación de filmes, y formó parte del consejo de redacción de la revista Documentos Cinematográficos (1960-1963). 

A fin de historiar este cine-club y tal publicación vanguardista, entrevisté a Gonzalo en 1998 y 1999, entablando una buena amistad. En aquellos años ya había dejado la Administración de La Vanguardia -diario al que se incorporó en 1960- y se dedicaba a la empresa privada con su hijo, Gonzalo Quesada Vallet. Fue clave para la reconstrucción de la historia de ese famoso cine-club, pues me puso en contacto con las personas que lo habían impulsado, al tiempo que facilitó el estudio de la citada revista: su génesis y desaparición. 

Entonces declaró (y me entregó este texto por escrito): “La paulatina introducción de lo que llamábamos la civilización de la imagen, habría de influir decisivamente en las formas de expresión oral y escrita. De alguna manera, contribuimos a que el cine se considerara no sólo espectáculo sino como forma de expresión, cuyo lenguaje influiría enormemente en todas las artes y mostrándolo, además, desde una crítica objetiva y una industria que debía desarrollarse con parámetros económicos. Estos objetivos se especificaron en el Manifiesto del color. Uno de los resultados fue la Semana de Cine en Color -quizá la primera muestra de esta especialidad-, que fue una innovación. En esos años el arte cinematográfico tenía que ser en blanco y negro; no se valoraban como arte las películas en color. Con la Semana queríamos anticipar que el cine debía ser en color. Era color. Estéticamente tan expresivo y con más hondura psicológica que el blanco y negro. Eran otros tiempos”. 

Estuvo en los orígenes, de la famosa Setmana Internacional de Cinema en Color de Barcelona, que dirigieron sus antiguos colegas del Cine-Club Monterols, José María Otero y José Luis Guarner, entre 1959 y 1990. 

Gonzalo Quesada -natural de Valencia- nos ha dejado asimismo un grato recuerdo como gran trabajador. Fue concejal y ponente de Deportes en el Ayuntamiento de Barcelona, Adjunto a la gerencia de Talleres de Imprenta (La Vanguardia), consejero de Barcelonesa de Publicaciones (Diario de Barcelona) y consejero delegado de Barcelonesa Press (Tele/eXpres), además de subdirector general del Banco Condal. Y, por supuesto, pionero de las actividades cinematográficas en Barcelona.

(Publicado en La Vanguardia, 23-I-2015, p. 33)

domingo, enero 18, 2015

COMIENZA LA CARRERA DE LOS OSCAR


La Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de Hollywood acaba de anunciar las nominaciones de los codiciados Oscar. Se inicia, por tanto, una carrera muy competitiva.

Películas audaces y poco convencionales encabezan esta edición: Boyhood (Momentos de una vida) del texano Richard Linklater, rodada durante doce años con los mismos actores; y Birdman (La inesperada virtud de la ignorancia) del mexicano Alejandro González Iñárritu, una comedia negra sobre el mundo del espectáculo, salen como grandes favoritas. Pero pisándoles los talones parten El gran hotel Budapest, de West Anderson, y Whiplash, de Damien Chazelle. También pueden dar la sorpresa Clint Eastwood, con su nuevo film bélico, El francotirador, o los biopics de Martin Luther King (Selma), Stephen Hawking (La teoría del todo) y del matemático Alan Turing (The Imitation Game. Descifrando Enigma). No obstante, han quedado relegadas a nominaciones técnicas películas tan importantes como Interstellar, de Christopher Nolan, e Invencible, de Angelina Jolie.

Entre las candidaturas a la mejor interpretación, destacan Julianne Moore, por su gran trabajo como enferma de Alzheimer, en Siempre Alice (foto), y Marion Cotillard, por su obrera reivindicativa, en Dos días, una noche; mientras Michael Keaton (Birdman) y Eddie Redmayne (La teoría del todo) parten también como favoritos en los papeles masculinos.

Asimismo, en el apartado al mejor film de habla no inglesa, sobresalen sendos títulos: Relatos salvajes, del argentino Damián Szifron; y Leviatán, del ruso Andrey Zvyangintsev. Al tiempo que entre los documentales cabe consignar el impresionante La sal de la tierra, de Wim Wenders, que seguro alcanza la estatuilla dorada.

Todos estos filmes están en cartel, y las anunciadas candidaturas a los Oscar facilitan su éxito en taquilla. De ahí que sean tan apreciados por la industria del cine.  

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 17-I-2015) 

domingo, enero 11, 2015

ANGELINA JOLIE RECIBIDA POR EL PAPA FRANCISCO


La famosa actriz Angelina Jolie, que acaba de estrenar su segundo largometraje como directora, Invencible, fue recibida el pasado jueves por el Papa Francisco, en el Vaticano.

Angelina Jolie (Los Ángeles, 1975), aunque no se manifiesta creyente, admira al nuevo pontífice y recibió del Santo Padre un rosario. Iba acompañada de su hermano, dos de sus seis hijos y un intérprete. Antes había presentado en la sede de la Pontificia Academia de Ciencias Sociales del Vaticano su última película, dirigida pero no interpretada.

Invencible (Unbroken, 2014), con guión de los hermanos Coen, cuenta el drama real de Louis Zamperini, un hombre que durante la Segunda Guerra Mundial sufrió un accidente aéreo, tuvo que pasar 47 días en una balsa con otros compañeros y fue capturado por la Armada japonesa, que lo envió a un campo de prisioneros. En palabras de la Jolie, “la historia del héroe Louis es un gran ejemplo de fuerza y perdón”. Zamperini (1917-2014) era un deportista de élite, que compitió en 1936 en el Berlín de la Alemania Nazi. Con 19 años, quedó octavo en la final de los 5.000 metros y fue el olímpico norteamericano más joven hasta ese momento. Con su sprint final asimismo batió el récord de la vuelta más rápida y llamó la atención de Adolf Hitler.


Aunque Angelina Jolie y su actual marido, el actor Brad Pitt, no son religiosos, ambos han manifestado que “admiran al Papa Francisco” y les gusta “su mensaje”. Sin embargo, no es la primera vez que un Papa recibe a artistas del mundo del cine. San Juan Pablo II recibió en su día a Jim Caviezel, con motivo también de la presentación en el Vaticano de La Pasión de Cristo, de Mel Gibson; y muchos años antes Pío XII recibió al famoso galán de Hollywood, Gary Cooper, quien muy poco después se convertiría al catolicismo

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 9-I-2015)  

jueves, enero 08, 2015

"LA ISLA MÍNIMA" Y "EL NIÑO", CANDIDATAS A LOS PREMIOS GOYA


 Las dos mejores producciones españolas del año 2014 son las grandes favoritas a los Premios “Goya”: La isla mínima, con 17 candidaturas, y El Niño, con 16. Récord que hasta ahora tenía la discutida Mar adentro, que obtuvo en su día 14 nominaciones.

El film del sevillano Alberto Rodríguez, La isla mínima, está inspirado en un hecho real: la desaparición de dos hermanas adolescentes en las Marismas del Guadalquívir (1980). Rodado en escenarios naturales, cuenta con una espléndida interpretación de Javier Gutiérrez, Raúl Arévalo y Antonio de la Torre. Hasta ahora había obtenido seis millones de euros en taquilla.

La nueva película de Daniel Monzón, El Niño, trata del tráfico de drogas en el Estrecho de Gibraltar. Es un thriller de frontera, trepidante (ver foto), muy bien realizado por el autor de Celda 211, con notables interpretaciones de Jesús Castro y los ya veteranos Luis Tosar y Eduard Fernández. Su rendimiento en taquilla ya alcanza los 16,2 millones.

Estas películas, seguida de la coproducción hispano-argentina Relatos salvajes (con nueve nominaciones), han derrotado a la exitosa Ocho apellidos vascos, que sólo se ha hecho con cinco candidaturas. Pero esta comedia costumbrista -que ya anuncia una segunda parte, ahora satirizando a la independencia de Cataluña- ha batido el récord del cine español, con 56 millones de euros.

El 7 de febrero, en el Centro de Congresos Príncipe Felipe (el hoy rey ha sido invitado), de Madrid, se dilucidará quiénes son los ganadores de los premios de la 29 edición de Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 8-I-2015) 


lunes, diciembre 22, 2014

12 PELÍCULAS RECOMENDADAS PARA ESTAS NAVIDADES


Como todos los años en estas fiestas, ofrezco una selección de películas recientes, para todos los gustos (algunas ya en DVD). Aquí está, pues, mi lista de Navidad y Año Nuevo 
(por orden alfabético de títulos):

ALGUIEN A QUIEN AMAR (Dinamarca, 2014), de Pernille Fisher Christensen, con Mikael Persbrandt y Trine Dryholm. Color - 100 min.
            Impresionante producción danesa, realizada por una cineasta autóctona con gran sensibilidad artística, que expone un drama familiar no exento de esperanza y un tanto reivindicativo. Inspirado en el novelista y cantautor Leonard Cohen. Gustará más a los cinéfilos.

BLANCA COMO LA NIEVE, ROJA COMO LA SANGRE (Italia, 2013), de Giacomo Campiotti, con Filippo Scicchitano y Aurora Ruffino. Color - 106 min.
            Basado en el best-seller de Alessandro D’Avenia, profesor de Secundaria en Verona, capta muy bien la situación emocional del mundo adolescente en el período escolar. Muy espontánea y bien interpretada, está plena de valores humanos.

EL CIELO ES REAL (USA, 2014), de Randall Wallace, con Kelly Reilly y Greg Kinnear. Color - 99 min.
            Basada en un hecho verídico, narra la historia de una familia metodista, que vive en el Medio Oeste estadounidense, cuyo hijo pequeño tuvo una singular experiencia sobrenatural. Es una película bella, que además posee valores trascendentes.

DIPLOMACIA (Francia-Alemania, 2014), de Volker Schlöndorff, con Niels Arestrup y André Dussollier. Color - 80 min.
            Espléndida película del maestro del nuevo cine alemán, que pone en imágenes la pieza escénica de Cyril Gely, la cual ficcionaliza un evento histórico: el intento de destruir París en agosto de 1944, al final de la Ocupación. Gran duelo interpretativo (foto).

DOS DÍAS, UNA NOCHE (Bélgica, 2014), de Jean-Pierre y Luc Dardenne, con Marion Cotillard y Fabrizio Rongione. Color - 95 min.
            Otro filme excelente de los innovadores hermanos Dardenne, que muestra las consecuencias de la actual crisis económica en la vida de las personas corrientes. Notable interpretación de Marion Cotillard. Gustará especialmente al público cinéfilo.

EXODUS: DIOSES Y REYES (USA, 2014), de Ridley Scott, con Christian Bale y Joel Edgerton. Color - 150 min.
            Espectacular película bíblica, bien ambientada e interpretada, que sintetiza el segundo libro del Antiguo Testamento sin rigor escriturístico. Realizada en la línea monumental de Los Diez Mandamientos (1956), de Cecil B. DeMille, pero menos espiritual que el clásico del maestro del género.   

INTERSTELLAR (USA, 2014), de Christopher Nolan, con Matthew McConaughey y Anne Hathaway. Color - 169 min.
            Nueva odisea del espacio, ahora firmada por el vanguardista Christopher Nolan (Memento, Origen), que hará historia en el género de ciencia-ficción. Es un espectáculo visual fascinante. Notables interpretaciones de secundarios como Michael Caine, Jessica Chastain y Matt Damon. Firme candidata a los Oscar de Hollywood.

EL JUEZ (USA, 2014), de David Dobkin, con Robert Downey, Jr. y Robert Duvall. Color - 141 min.
            Drama judicial, que relata las difíciles relaciones de un joven abogado con su padre, juez de una pequeña localidad estadounidense. Emotiva y llena de valores familiares.

MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA (USA, 2014), de Woody Allen, con Colin Firth y Emma Stone. Color - 97 min.
            Genial comedia romántica del gran cómico estadounidense, aquí solo detrás de la cámara, que indaga de nuevo sobre una de sus constantes temáticas: la existencia de Dios. Gran interpretación de su acaso álter ego, el “oscarizado” Colin Firth (El discurso del rey).  

MATAR AL MENSAJERO (USA, 2014), de Michael Cuesta, con Jeremy Renner y Mary Elizabeth Winstead. Color - 112 min.
Basado en la historia real del periodista norteamericano Gary Webb, que puso en evidencia las conexiones de la CIA con el mundo del narcotráfico. Es un thriller duro y trepidante, pero muy bien narrado.

LOS PINGÜINOS DRE MADAGASCAR (USA, 2014), de Simon J. Smith. Animación 3D. Color - 93 min.
            Es una divertida comedia de aventuras, de dibujos animados, disparatada y acción trepidante, plena de imaginación y sorpresas finales, que hará las delicias del público menor.  Resulta una atractiva opción familiar para estas fiestas.

WALESA, LA ESPERANZA DE UN PUEBLO (Polonia, 2013), de Andrzej Wajda, con Robert Wieckiewicz y Agnieszka Grochowska. Color - 128 min.
            Nueva película del maestro polaco, a modo de biopic sobre el líder del sindicato Solidarnosc y después presidente de su país. Wajda imprime a la película un ritmo intenso y vibrante, que no decae en ningún momento, y transmite el espíritu combativo y la fe del protagonista.


¡Feliz Navidad y Mejor Año 2015!

(Publicado también en http://www.cinemanet.info, 24-XII-2014)

lunes, diciembre 15, 2014

"MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA", OTRA GENIAL COMEDIA DE WOODY ALLEN



De nuevo el gran cómico estadounidense nos ha sorprendido con un film genial. Se trata de Magic in the Moonlight (2014), una comedia romántica que plantea más allá de lo habitual dos de las grandes constantes de su obra cinematográfica: la existencia de Dios y el amor verdadero. Sin llegar a ser una obra maestra, Magia a la luz de la luna es una película de gran categoría artística, que vale la pena deleitar.

En efecto, Woody Allen vuelve a escenificar una simpática comedia de enredo, perfectamente ambientada en la Costa Azul de la Francia de los años 20 del siglo pasado, donde la magia y el espiritismo se hacen presentes en la vida cotidiana de los protagonistas: un falso hechicero chino, que encarna magistralmente el “oscarizado” actor británico Colin Firth (El discurso del rey); y una joven y también falsa médium, que incorpora con gracia la encantadora Emma Stone. Pero los actores secundarios resultan asimismo geniales, sobre todo el mago que interpreta Simon McBurney, que casi viene ser el álter ego de Allen.

            Sobre los videntes que causaron furor en los “felices” años veinte, el propio Woody Allen manifestaría: “En la época eran toda una sensación, y muchos famosos, como Arthur Conan Doyle [creador de Sherlock Holmes] se lo tomaban muy en serio. Había sucesos de todo tipo, como por ejemplo fotografías de espíritus de las que todo el mundo hablaba, y las sesiones de espiritismo eran muy habituales”.

            Sin embargo, el cineasta norteamericano no se queda en la mera anécdota; pues tras el cinismo y escepticismo que parece apuntar, se halla una reflexión crítica y evoca un período histórico con gran acierto. Además, profundiza en esos grandes temas que parecen preocuparle sobremanera: Dios y el Más allá -incluso el descreído y altivo protagonista empieza a rezar ante el peligro de muerte de su querida tía, secundado por el referido álter ego- y concluye con un entrañable canto al amor auténtico. 

A sus 79 años recién cumplidos, ¿estará Woody Allen buscando a Dios? Juega con la magia y el racionalismo, invoca a Nietzsche y al ilusionismo de Federico Fellini, junto al amor romántico de los filmes de Leo McCarey. Pero, burla burlando, se hace preguntas trascendentes que transmite al espectador con su original sentido del humor. No se pierdan esta espléndida película.

jueves, diciembre 11, 2014

JORDI ÉVOLE CLAUSURA EL CURSO DE "FALS DOCUMENTAL" A LA UB

  
El miércoles, día 10, tuvo lugar en la Facultad de Geografía e Historia la clausura del curso de extensión universitaria dedicado a los falsos documentales. Titulado Ficció o realitat? El fals documental ha sido organizado por el Centre d’Investigacions Fiulm-Història del Departament d’Història Contemporània de la Universitat de Barcelona.

El famoso periodista televisivo Jordi Évole (“Salvados”), autor del documental Operación Palace (2014) sobre el 23-F, fue el protagonista de la última sesión, donde se proyectó esta polémica película. 

Con numerosa asistencia de alumnos del grado de Historia, del Máster de Història Contemporània i Món Actual y de la asignatura de cinema que imparte el profesor Magí Crusells, Évole debatió con los universitarios y los catedráticos de la UB Andreu Mayayo y Josep Maria Caparrós, directores del curso, la importancia de los falsos documentales para interpretar la historia. Fue un diálogo apasionante, con un público que llenaba a rebosar la Sala Gran de nuestra Facultad.

Además de Operación Palace, durante estas sesiones especializadas se han proyectado y debatido otros falsos documentales, como Zelig, ¡Qué noche la de aquel día!, La verdadera historia del cine, C.S.A., El proyecto de la bruja Blair, The War Game, This Spinel Tap, título que consolidó a los hoy denominados “mockumentaries”, y Operación Luna, que inspiró a Jordi Évole para realizar su célebre documental.

viernes, diciembre 05, 2014

"CINEMA EN TEMPS DE GUERRA", A LA PANTALLA


Cinema en temps de guerra (2014), el documental que recull la producció cinematogràfica catalana durant la Guerra Civil, s’estrena aquest divendres 5 de desembre a les 18:30h al Cinema Maldà de Barcelona. El documental contribueix així en la recuperació de la memòria històrica d’un cinema que va ser intencionadament apartat i oblidat. La pel·lícula es mantindrà en cartellera fins l’11 de desembre.
La pel·lícula documental del director Bartomeu Vilà reviu les vivències d’un dels darrers directors de fotografia del cinema de la República, Joan Mariné (Barcelona, 1920) , testimoni d’excepció d’un moment de la història del cinema català que, tot i la precarietat econòmica, la manca de mitjans i les difícils circumstàncies internacionals, va caracteritzar-se per la seva alta producció, mai superada, i la seva innovació en les formes i els continguts.
A través dels records i les experiències de Joan Mariné, el documental fa un recorregut per les pel·lícules que va filmar durant aquells anys de la contesa, tant amb el Sindicat d’Espectacles de la CNT, com desprès amb la productora de la Generalitat republicana, Laya Films. Testimoni d’excepció, Mariné va ser l’encarregat també de la recuperació i restauració de gran part del material fílmic realitzat durant els anys de la guerra, que van arribar a les seves mans quaranta anys després, quan treballava de restaurador i conservador a la Filmoteca de Madrid, des d’on va reconstruir, pla a pla, la història del cinema català durant la guerra civil espanyola.
Fragments cinematogràfics inèdits, recentment descoberts, com un de Paquete, el fotógrafo número uno, film protagonitzat pels llavors joves i desconeguts actors Mary Santpere i Paco Martínez Soria, son inclosos també en el documental, que ensenya fragments de més de 40 pel·lícules, alguns d’ells també inèdits.
En els dos anys, vuit mesos i quinze dies que va durar la guerra civil espanyola, es van realitzar mes de 350 pel·lícules, produïdes tant pels sindicats, els partits polítics i el govern, que van veure en el cinema una poderosa eina de propaganda enfront dels militars franquistes. Una vasta producció que es rememora al documental a través de les aportacions d’experts historiadors, com ara Magí Crusells i Josep Maria Caparrós, i familiars dels realitzadors de l’època.
Cinema en temps de guerra ha estat produïda per BV Produccions amb la col·laboració del Centre d’Investigacions Film-Història de la Universitat de Barcelona i del Memorial Democràtic de la Generalitat. La pel·lícula és candidata al Millor documental de la Acadèmia del Cinema Català.