sábado, agosto 08, 2015

"GHADI", O LA SOMBRA DE BERLANGA ES ALARGADA


Estos días veraniegos se ha estrenado en España una singular película libanesa, Ghadi, realizada en 2013 por Amin Dora, que presenta unos valores humanos y artísticos que merecen su visionado y nos facilitan el presente comentario.

Narra la sencilla historia de un músico, profesor de piano, casado y padre de dos niñas, que cuando tienen el tercer hijo nace con síndrome de Down. Tras consultar a su maestro, ya jubilado y defensor de la vida, deciden llevar adelante ese nacimiento. Sin embargo, eso ocasiona un conflicto en el barrio de la pequeña localidad donde viven, El Mshakka, pueblo costero del Líbano.

El pequeño Ghadi emite sonidos que molestan al vecindario y pretenden que los padres lo ingresen en un centro especializado. A fin de lograr que las autoridades permitan que se quede en casa -pues es la alegría de la familia-, inventan una extraña historia: dicen a sus convecinos que su hijo es un ángel, que solucionará los problemas que tiene cada uno.

Y es aquí donde el film posee claras influencias del cineasta Luis García Berlanga, uno de los pocos maestros del cine español, por el sentido del humor sainetesco, su estilo coral, los planos-secuencia y las reminiscencias de la película Los jueves, milagro (1957), como ya han reconocido los entendidos. Ghadi ofrece asimismo un espléndido estudio de mentalidades populares, como hacía Berlanga en sus mejores filmes.

Estamos, por tanto, ante una obra ingeniosa, que rompe una lanza en favor de la vida y del derecho a nacer de las personas disminuidas, que pueden hacer mejores a los demás. Porque a través del engaño -que al final confesarán los protagonistas- cada uno soluciona viejos problemas y miserias personales a través de la creencia en Ghadi,  

De ahí la referencia a Mozart y a la música de este genio, que cultiva el profesor y escuchamos en la película. Un gran artista, a quien habían anunciado con deficiencias y su madre quiso tener.






lunes, julio 20, 2015

"DEL REVÉS", LA NUEVA OBRA MAESTRA DE PIXAR-DISNEY


Cuando Pixar, la compañía de animación por computadora, pasó a las manos de la factoría de Walt Disney, la major que fundara el gran dibujante (1901-1966) ganó en categoría artística. Y ahora acaba de estrenar otra obra maestra: Del revés (Inside Out, 1925), dirigida por el especialista Pete Docter con la colaboración del filipino Ronaldo del Carmen.

Francamente, desde que contemplé en mi infancia Bambi (1942) no recuerdo haber disfrutado tanto con una película de dibujos animados, dirigida a grandes y chicos. Veamos, con todo, su sinopsis oficial:

Crecer puede ser un camino lleno de baches y Riley no es una excepción. Se ve obligada a dejar atrás su vida en el Medio Oeste americano porque su padre encuentra un nuevo trabajo en San Francisco. Como todos nosotros, Riley se deja guiar por sus emociones: Alegría, Miedo, Ira, Enfado y Tristeza. Las emociones viven en el Cuartel General, el centro de control de la mente de Riley, desde donde la ayudan a superar los problemas de la vida cotidiana. Mientras Riley y sus emociones se esfuerzan para adaptarse a una nueva vida en San Francisco, la confusión se apodera del Cuartel General. Aunque Alegría, la emoción más importante de Riley, intenta mantener una actitud positiva, el conflicto de emociones surge al tener que hacer frente a una nueva ciudad, una nueva casa y una nueva escuela.

Estamos, por tanto, ante una película ejemplar, que derrocha ingenio y extraordinaria imaginación incluso con homenajes a las pinturas Picasso y Dalí, donde los valores humanos quedan bien patentes y el público es arrastrado por la belleza y el dinamismo de sus imágenes.
Pero esta opinión está ratificada por la crítica más rigurosa. José María Aresté, director del mejor portal de información cinematográfica (www.decine21.com), la ha calificado con un 10 y los aficionados con 9,5. Y dice así:

Pete Docter (Up, Monstruos S.A.), director y guionista secundado por compañeros como Ronaldo Del Carmen, se mueven más que nunca en el filo de la navaja, pues dar vida a lo que hay dentro de una persona, todo lo que configura su forma de ser, inteligencia y voluntad, y que le lleva a actuar, a soñar, a reír, a llorar, a consolar, parece, esta sí, de verdad, si se nos permite parafrasear a una serie y saga de películas, misión imposible. Y sin embargo, ese manojo de personajes que operan dentro de Riley –y sus semejantes, mostrados a escala menor, en otros seres humanos, como los padres–, no resultan ridículos o increíbles, sino tremendamente entrañables, y el espectador reconoce que por emociones como ésas se mueve en tantas ocasiones. Emocionar representando emociones es rizar el rizo, y aquí se logra de modo sobresaliente, conjugando la risa y el llanto, sonrisas y lágrimas, para así hablar de las cosas que importan, la familia, la amistad, los grandes ideales, el desarrollo de los talentos, que permiten superar los inevitables bajones que acompañan a la existencia humana”.

¡Hasta 39 dibujantes conté en los títulos de créditos finales! Son 95 minutos de un festival de animación, que vale la pena visionar con toda la familia. Posiblemente, Del revés precisará una explicación de los padres para los más pequeños. Pero no se pierdan la gran película de este verano. Y si la quieren disfrutar en catalán, vayan a los cines “Boliche”, precedida de un corto también entrañable: Lava.

viernes, julio 10, 2015

EL CINEMA MUSICAL AMERICANO

 Versión musical de Las noches de Cabiria, de Fellini


Síntesis de la sesión que impartí en el curso de Els Juliols de la UB, Que arriben els Beatles! España 1965, en el Centre Cultural El Carme (Badalona), dirigido por Magí Crusells


El género musical arranca prácticamente con el nacimiento del sonoro, con THE JAZZ SINGER (Alan Crosland, 1927). El cine musical, no obstante, tuvo muchas variantes: desde las revistas de la calle 42, filmadas por Lloyd Bacon, hasta las operetas vienesas de Willi Forst, pasando por las películas dedicadas al lucimiento de cantantes de todo el mundo. Fue el género-rey de la época dorada de Hollywood, heredero del music-hall centroeuropeo y de los espectáculos de Broadway, que gozaría del fervor del público tradicional. Con todo, el género musical está injustamente infravalorado por las nuevas generaciones, por los jóvenes espectadores.

Sin embargo, uno de los grandes valores de los filmes musicales de los años treinta fue  devolver al cine la movilidad de cámara que había perdido por las exigencias del registro sonoro. La primeras películasde este popular género se debieron a Rouben Mamoulian: APLAUSSE (1929) y LOVE ME TONIGHT (1932), o al gran éxito de EL MAGO DE OZ (1939), de Victor Fleming, interpretada por Judy Garland, que contiene el famoso tema musical Over de Rainbow y un tratamiento del color que han pasado a la historia.

Asimismo, fueron muy importantes las variaciones caleidoscópicas de las coreografías de Busby Berkeley, que fueron un hito importante en el género durante los años 30 y 40 y el lanzamiento de cantantes, como Bing Crosby y Frank Sinatra, y de parejas bailarinas, como la mítica formada por Fred Astaire y Ginger Rogers, con títulos tan famosos como SOMBRERO DE COPA (1935), de Mark Sandrick, que contó con “números” musicales antológicos. Los temas son de Irving Berlin.

Otro logro popular fue el film de Leo McCarey, LAS CAMPANAS DE SANTA MARÍA (1945), con el cantante Bing Crosby, o las películas del innovador Vincente Minnelli, CITA EN SAN LUIS (1944), con Judy Garland -producida por Arthur Freed- y EL PIRATA (1947), con Gene Kelly, uno de los grandes del musical, que ya había protagonizado antes con Sinatra LEVANDO ANCLAS (1945), de George Sidney. Este coreógrafo y bailarín -Gene Kelly- desarrolló nuevos conceptos y renovó el género: fundir en un todo acción, música y danza, que inició con UN DÍA EN NUEVA YORK (On the Town, 1949), codirigida por Stanley Donen, que está considerado como el primer musical moderno. La partitura es de Leonard Bernstein, que ganó el Oscar de Hollywood.

Con el nuevo Oscar conseguido por UN AMERICANO EN PARÍS (1951), también dirigida por Vincente Minnelli, el musical alcanzó un gran nivel artístico y la MGM se convirtió la productora especializada en el género, con títulos tan prestigioso como CANTANDO BAJO LA LLUVIA (1952), SIEMPRE HACE BUEN TIEMPO (1955), ambos realizados por Gene Kelly y Stanley Donen, junto a los tres realizados por Minnelli, MELODÍAS DE BROADWAY (1953), BRIGADOON (1954) y GIGI (1958), con Leslie Caron y Maurice Chevalier, según la obra de Colette; o el codirigido por Stanley Donen y Michael Kid, SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS (1954), además de ELLOS Y ELLAS (1955), de Joseph L. Mankiewicz, con Marlon Brando, y ALTA SOCIEDAD (1956), de Charles Welters, remake musical de la comedia Historias de Filadelfia.

En esta época de oro del género también cabe destacar otros musicales no producidos por la Metro, como LOS CABALLEROS LAS PREFIEREN RUBIAS (1953), de Howard Hawks, NAVIDADES BLANCAS (1954), de Michael Curtiz, MI HERMANA ELENA (1955), de Richard Quine, UNA CARA CON ÁNGEL (1957), de Stanley Donen, y PORGY AND BESS (1959), de Otto Preminger, basada en la ópera homónima del compositor George Gershwin.

Aun así, a finales de los cincuenta, a causa de los elevados costos de producción, el género entró en un grave declive, limitándose a adaptar éxitos de los musicales de Broadway, política que continúa en la actualidad.

Y así llegamos a los años sesenta, década que nos ocupa en este curso dedicado a los Beatles. Es una década convulsa, como comentó en la sesión inaugural el historiador Andreu Mayayo. Pero en la cual se produce un renacimiento del cine musical, con películas tan famosas como WEST SIDE STORY (1961), de Robert Wise y Jerome Robbins,UN BESO PARA BIRDIE (1962), de George Sidney, MARY POPPINS (1964), de Robert Stevenson, MY FAIR LADY (1964), de George Cukor, SONRISAS Y LÁGRIMAS (1965), de Robert Wise, OLIVER (1968), de Carol Reed, EL VALLE DEL ARCO IRIS (1969), de Francis Coppola, SWEET CHARITY (1968), de Bob Fosse, HELLO, DOLLY (1969), de Gene Kelly, y un western musical LA LEYENDA DE LA CIUDAD SIN NOMBRE (1969), de Joshua Logan, según la obra de Lerner & Loewe.

Estas películas serían coetáneas de las que protagonizaron los Beatles: QUE NOCHE LA DE AQUEL DÍA (1964) y HELP! (1965), ambas de Richard Lester, o el film de animación YELOW SUBMARINE (1968), de George Dunning. Pero todo de todo ello hablará en la siguiente sesión el especialista Alejandro Iranzo, coautor con de Magí Crusells del libro The Beatles. Una filmografía musical.

Aunque por sus características, estilo y organización industrial, el musical no lograría trasplantarse más allá del cine americano, el género ha tenido su influencia en Francia, sobre todo en Jacques Demy, que lo abordó en LOS PARAGUAS DE CHERBURGO (1964) y, con menos éxito, en LAS SEÑORITAS DE RECHEFORD (1966), donde junto a Catherine Deneuve y su hermana Françoise Dorleac, incorporó al gran Gene Kelly como coprotagonista. Y sobre el musical español se ocupará a continuación el profesor Rafael de España.

Y así llegamos a la década de los setenta, con otros títulos destacables, que ganaron los Oscar de Hollywood, como EL VIOLINISTA EN EL TEJADO (1971), de Norman Jewison, coreografiada por Jerome Robbins, CABARET (1972) y ALL THAT JAZZ (1979), de Bob Fosse, precedida esta última del fenómeno Travolta, con FIEBRE DEL SÁBADO NOCHE (1977), de John Badham, a la que seguiría GREASE (1978), y HAIR (1979), de Milos Forman, para entrar el declive del género con ANNIE (1982), de John Huston.  Mucho más adelante, en un intento de resurrección del musical, Alan Parker dirige EVITA (1996), y ya en este principio de siglo Baz Luhrmann realiza MOULIN ROUGE (2001) y Rob Marshall, CHICAGO (2002). Mientras que en el británico Tom Hooper triunfaría con su versión de LOS MISERABLES (2012).

Finalmente, la comedia musical clásica y, sobre todo, el difícil paso del cine mudo al sonoro, sería evocada a modo de homenaje por Michel Hazanavicius en THE ARTIST (2011). Estamos, por tanto, ante un género que nunca morirá para los buenos aficionados, y el cual he intentado sintetizar en esta breve disertación.

Bibliografía básica

ALTMAN, R.: Los géneros cinematográficos. Barcelona, Paidós, 2000.
BAXTER, J.: Hollywood in the thirties. New York, Zewmmer & Barnes, 1968.
FORDIN, H. : La comédie musicale américaine, París, Ramsay, 1987.
MUNSÓ CABÚS, J.: Cine musical. Madrid, T&B, 2005.
SANTOS FONTENLA, C.: El musical americano. Madrid, Akal, 1973.
SPEARS, J.: Hollywood. The Golden Era. South Brunswick, A. S. Barnes, 1971.
VALLANCE, T.: The American Musical. New York, Barnes, 1979.
WOOL, A. L.: Song from the Hollywood Musical Comedies, 1927 to the present: A Dictionnary. New York-London, Garland, 1976.

martes, julio 07, 2015

GRAN ÉXITO DE PÚBLICO EN LA INAUGURACIÓN DEL ESPAI MUSEÍSTIC DEL CINEMA COL·LECCIÓ JOSEP M. QUERALTÓ


Reproducimos la crónica de Maria Lluïsa Pujol de este evento celebrado en Vallbona de les Monges (Lleida)

La inauguración del Espai Museístic del Cinema Col·lecció Josep M. Queraltó, el 4 de julio de 2015, fue el gran evento del pueblo que lo acoge, Vallbona de les Monges, y de las poblaciones vecinas de la comarca del Urgell, reuniendo a más de 200 personas. A esa cifra hay que añadir 40 invitados que llegaron en autocar procedentes de Barcelona, la mayoría de ellos miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España  y de la Acadèmia del Cinema Català. Asímismo estuvieron presentes cuatro patrones de honor de la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó: el director de Antaviana Films Josep M. Aragonés, la diseñadora de vestuario Yvonne Blake, el director de fotografía y restaurador fílmico, Juan Mariné, y el director de fotografía Tomás Pladevall. Completan la lista de invitados Ana Arrieta, asesora jurídica de la ECAM y antigua directora de la Fundación Borau, el catedrático de la Universidad de Lyon, Jean-Claude Seguin, la restauradora fílmica Concha Figueras, y el director de la Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya, Juan Ferrer. Entre las personalidades llegadas de Barcelona se encontraban el director de la Filmoteca de Catalunya, Esteve Riambau, el presidente del Gremi d’Exhibidors de Catalunya, Camilo Tarrazón, el Presidente de Filmax, Julio Fernández, y el catedrático emérito de Historia Contemporánea y Cine, Dr. Josep M. Caparrós. Finalmente destacar la asistencia de la delegada de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España en Cataluña, Clara Agustí, del escultor Josep Castellana, que ha hecho el busto de Josep M. Queraltó situado en el hall del Centre de Recursos, y los carteles que decoran el edificio, así como la periodista Marta Armengou, directora del programa semanal “La Cartellera” de Barcelona Televisió (BTV).

El acto inaugural se inició en la sala de actos adyacente a la sala dos del espacio museístico, con las intervenciones del Alcalde de Vallbona, Ramon Bergadà, el vicepresidente de la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó y curator del Espai Museístic del Cinema, Jordi S. Bonet, y el propio Josep M. Queraltó, fundador de Kelonik. Justo en el momento de finalizar los parlamentos un intempestivo “Groucho Marx” hizo aparición en la abarrotada sala provocando las sonrisas y más tarde las carcajadas de los asistentes con sus jocosos comentarios y sarcásticas palabras. Una de las frases más aplaudidas fue “El museo de Vallbona es la central, ahora haremos la sucursal en Barcelona”. También tuvo palabras para María Rosa Barceló, la esposa de Josep M. Queraltó, visiblemente emocionada por el importante acontecimiento.

A continuación se pasó a hacer una visita guiada, que condujo Jordi S. Bonet haciendo gala de su potente voz y realizando esfuerzos sobrehumanos para atraer la atención de la multitud congregada allí. Josep M. Queraltó mientras tanto se dedicó a firmar libros y catálogos del museo a un nutrido grupo de fans incondicionales.

Fue una tarde de emociones y un final feliz después de tantos años de lucha de Josep Maria Queraltó apoyado por un equipo de personas que siempre han creído en su proyecto. Y que como dice Apolinar Losada –el actor que daba vida al artista norteamericano “Groucho Marx”, el Espai Museístic del Cinema Col·lecció Josep M. Queraltó es la primera piedra para otro gran museo que será la sucursal del de Vallbona de les Monges. 

(TV3, en "Telenotícies vespre", también ofreció una espléndida crónica del acto inaugural)  

miércoles, julio 01, 2015

INAUGURACIÓN EN VALLBONA DE LES MONGES (LLEIDA) DEL PRIMER ESPACIO MUSEÍSTICO DEL CINEMA COLECCIÓN JOSEP M. QUERALTÓ





Estamos de enhorabuena porque por fin se ha creado el primer espacio museístico del cine en la provincia de Lleida, concretamente en Vallbona de les Monges, en la comarca del Urgell. El Espai Museístic del Cinema Col·lecció Josep M. Queraltó está situado en frente del Ayuntamiento, en el edificio restaurado Centre de Recursos, donde también está la Agrobotiga, la Oficina Turística, la sala de actos y un espacio polivalente.    

El nuevo espacio museístico del cine puede ser una herramienta útil, cultural, educativa y de conocimiento para la presente y las futuras generaciones en todos los niveles del aprendizaje. El acto inaugural es el sábado, 4 de julio, a las 18 horas.

Esta iniciativa la han hecho posible, además del propio Josep M. Queraltó, el Ayuntamiento de Vallbona de les Monges, al frente de cual se encuentra su alcalde Ramon Bergadà, diversas entitades públicas catalanas y la Unión Europea.

En Vallbona de les Monges se puede ver una pequeña muestra de esta colección, de más de 20.000 piezas, en donde se exponen máquinas en orden cronológico desde los orígenes del séptimo arte hasta  la actualidad. El espacio se divide en dos salas que reúnen más de un centenar de objetos. 

La primera acoge sombras francesas, cristales pintados a mano de los que se utilizaban en las linternas mágicas, zootropo, praxinoscopio, kinora, cámaras fotográficas, filmadoras y proyectores de diferentes formatos, una moviola profesional, la reproducción de una cabina de cine de 35 mm, etc. 

La segunda sala, denominada “El mundo de Josep M. Queraltó”, es un homenaje a su persona, definida por muchos como “El maestro cinematográfico”. En este espacio se encuentra la reproducción de un taller parecido en el que había trabajado Josep Maria de joven, una bicicleta de 1910,  modelo que utilizaba para desplazarse por la comarca reparando toda clase de aparatos como radios, etc.; un saco donde se llevaban los rollos de películas para trasladarlas del cine de un pueblo a otro; radios y objetos relacionados con el sonido; televisores, entre ellos, un prototipo inglés de 1907; el antiguo proyector de cine del pueblo que ahora funciona perfectamente; una librería que contiene, entre otros libros, diversos publicados por la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó, y los cuadernos y ejercicios prácticos originales de la Escuela Radio Maymó. Completa esta sala unos plafones donde hay recortes de prensa, pósters y fotografías que se han generado durante más de una década para dar a conocer el trabajo, el proyecto y la colección de Josep M. Queraltó. 

El Espai Museístic del Cinema Col·lecció Josep M. Queraltó pretende ser, por un lado, un pequeño homenaje a la técnica del cine y del audiovisual, y  por otro,  a la cultura del esfuerzo y del trabajo representada en la persona de Josep Maria. Y que mejor lugar para hacerlo que en el pueblo de  sus antepasados que le vio nacer: Vallbona de les Monges, población histórica donde se encuentra el monasterio que forma parte de la ruta del Císter, conjuntamente con Santes Creus y Poblet, y donde está enterrada Violante de Hungría, que fue esposa de Jaime I.




martes, junio 23, 2015

LAS ESCALINATAS DE ODESSA, TESORO DE LA CULTURA DEL CINE EUROPEO


Las célebres escalinatas de Odessa (Ucrania), donde el maestro Serguéi Mijailovich Eisenstein rodó la antológica secuencia de El acorazado Potemkin (1925), ha recibido una distinción de la European Film Academy: Tesoro de la Cultura del Cine Europeo.

Esta es la quinta distinción que la Academia de Cine Europeo (EFA) concede a una entidad o lugar relacionado con la cinematografía. Las anteriores fueron el Centre Memorial Eisenstein en Moscú, la Casa de los hermanos Lumière en Lyon, el Centre Bergman en la isla de Farö (Suecia) y el Mundo de Tonino Guerra en Pennabilli (Italia).

Con esta nueva distinción, la EFA quiere aumentar la conciencia pública de los lugares con carácter simbólico para el cine del Viejo Continente, espacios de gran valor histórico que merecen ser protegidos en la actualidad y para las futuras generaciones. Estas escalinatas son hoy el lugar donde se celebra, desde su fundación el año 2010, el Festival Internacional de Cine de Odessa, que invita al público a proyecciones al aire libre de clásicos internacionales acompañados de música en vivo. En la presente edición del certamen (10 al 18 julio), se descubrirá un emblema conmemorativo en les mismas escalinatas.

Pero, curiosamente, la revolución de Odessa de 1905 -consecuencia de la perdida guerra ruso-japonesa- no tuvo esa masacre en las escalinatas tal como que se reconstruye en la obra maestra de Eisenstein. Fue un mero homenaje -una sinécdoque, en palabras del realizador soviético, las partes por el todo- en torno a la defensa de la población ante el levantamiento de la marinería del acorazado Potemkin, que después fue desguazado por el Gobierno zarista; lo cual no cuenta la famosa película.

viernes, junio 05, 2015

LAS PELÍCULAS DE ESTE VERANO

Nuestro último verano en Escocia (A contracorriente films)


Como todos los veranos por estas fechas, recomiendo una serie de filmes recientes, 
que pueden gustar a los buenos aficionados, bastantes títulos ya en DVD. 
He aquí, pues, mi lista de 22 películas (por orden alfabético):


- BEGIN AGAIN
- BLANCA COMO LA NIEVE, ROJA COMO LA SANGRE
- LA CANCIÓN DEL MAR
- LA CASA DEL TEJADO ROJO
CENICIENTA
DIPLOMACIA
- DOS DÍAS, UNA NOCHE
- EL FRANCOTIRADOR
LA HISTORIA DE MARIE HEURTIN
- INTERSTELLAR
- INVENCIBLE
- EL MAESTRO DEL AGUA
- MANDARINAS
- NEBRASKA
- NUESTRO ÚLTIMO VERANO EN ESCOCIA
- LA PROFESORA DE HISTORIA
- QUÉDATE CONMIGO
- SELMA
- SIEMPRE ALICE
- LA TEORÍA DEL TODO
- TOMORROWLAND. EL DÍA DEL MAÑANA
- TIMBUKTU


Para más información: www.decine21.com y www.cinemanet.info

miércoles, mayo 27, 2015

LAS AYUDAS AL CINE ESPAÑOL NO DEPENDERÁN DE LA TAQUILLA

Recientemente, el Consejo de ministros del Gobierno del PP ha aprobado un Real decreto que modifica la discutida Ley del Cine, aprobada por el Gobierno del PSOE en el año 2007. La nueva ley iniciará de inmediato la transición del actual modelo de ayudas al cine español.
Se trata de conceder las ayudas a la amortización, que los productores reciben a posteriori -se reciben dos años después de estrenada una película-, a un nuevo modelo de ayudas a priori, que se implementarán a través de un sistema de puntuación automático que evite la arbitrariedad en la concesión de las subvenciones. Aun así, continuarán las ayudas a los proyectos de cine alternativo, como ha sucedido hasta ahora.
El acuerdo pactado entre el actual Gobierno y los sectores profesionales de nuestra endémica industria cinematográfica ha costado tres años. No obstante, hasta el año 2008 convivirá este nuevo modelo con las obligaciones de financiación generadas por el antiguo. De ahí que el Gabinete Rajoy también haya aprobado de forma paralela un crédito extraordinario para hacer frente a las obligaciones de amortización que vencen este 2015, por un importe de 16 millones de euros.
Con esta modificación de ayudas al cine autóctono se pretende mejorar la seguridad jurídica y financiera de un sector muy afectado por la crisis económica, que se completa desde el pasado enero con el aumento de las desgravaciones fiscales a la inversión hasta el 20 por ciento.

De momento, aunque el cine español subsista con las criticadas subvenciones, al menos no se beneficiarán de las ayudas oficiales -que proceden del erario público- los meros subproductos (léase Torrente) que no benefician en nada al cine español.  

miércoles, mayo 20, 2015

BALANCE DE LA NUEVA FIESTA DEL CINE

Ya tenemos los datos de la 8ª edición de la Fiesta del Cine, celebrada en toda España durante cuatro días de la pasada semana. Ha participado un total de 343 cines de nuestra geografía, con entradas 2,9 euros. Como en los años anteriores, su finalidad es “fomentar la asistencia a las salas de cine como un hábito social y cultural”. Los interesados tenían que acreditarse antes en la web fiestadelcine.com. No obstante, los menores de 14 y los mayores de 60 años no tenían que reservar entrada.
Organizada por la Confederación de Productores Audiovisuales Españoles (FAPAE), la Federación de Distribuidores de Cine (FEDICINE), la Federación de Cine de España (FECE) y el Instituto de Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), la reciente Fiesta del Cine no presenta un balance muy positivo. Por primera vez desde que se creó esta iniciativa ha descendido el público. A pesar de contar con un día extra, desde el lunes al jueves de la semana anterior, se vendieron un total de 1,6 millones de entradas, un 27% menos que en la pasada edición (celebrada en octubre de 2014) y un 15,7% menos que en la anterior (hace justo un año).
La caída no sorprende. El fútbol es un elemento a tener en cuenta (las semifinales de la Champions League). Pero la clave ha sido la floja cartelera, como si las salas estuvieran de liquidación; por muy barata que ha sido la entrada, mucha gente no pasa por taquilla si no se exhiben buenas películas o atractivas. En la presente edición, el film más visto ha sido Vengadores: La era de Ultrón.

Con todo, los organizadores parecen contentos: “La Fiesta del Cine está diseñada para superar el millón de espectadores. Todo lo que sea superar esa cifra lo consideramos un éxito”, han manifestado. La cifra global de este año 2015 ha sido 1.625.862 espectadores. 

sábado, mayo 02, 2015

NUEVAS PERSPECTIVAS PARA EL CINE ESPAÑOL


Tras la celebración del Festival de Málaga 2015, la cinematografía española anuncia un resurgimiento, tras el exitoso año pasado; al menos en la taquilla, gracias a Ocho apellidos vascos.

En este certamen especializado, se han presentado las últimas producciones autóctonas: nueve debutantes -entre ellos el actor y ahora director Daniel Guzmán, que se llevó el primer premio con su A cambio de  nada-, o los ya presentes en otras ediciones, como Jonás Trueba y Joaquín Oristrell.

Asimismo, la nueva Directora general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Lorena González -nombrada para sustituir a la especialista Susana de la Sierra-, anunció en Málaga la firma de un acuerdo entre la entidad pública española que avala las producciones cinematográficas, Audiovisual SGR -que ella misma preside-, y la francesa Natixis Coficiné -el llamado banco del cine galo-, que supondrá una financiación suplementaria de 20 millones de euros para el cine español.

No obstante, el referido Jonás Trueba se quejaría al recoger su premio por Los exiliados románticos, que nuestro cine está viviendo una grieta brutal entre las películas grandes -producidas por las cadenas televisivas- y las pequeñas -como la suya-, pues se ha “tragado las producciones medias que hasta hace poco eran hegemónicas en las industria”. Y afirmaba que no está tan claro si esto era consecuencia del modelo de financiación del cine español -el de ayudas, que está muerto- y otro todavía por nacer -el de incentivos-, y “qué peso tiene en ello la reconversión a la que la tecnología ha abocado a las industrias culturales”.

Aun así, con la próxima Fiesta del Cine (11, 12 y 13 de mayo), que las entradas costarán sólo 2,9 euros, y los estrenos que se anuncian para el otoño -llegan los nuevos filmes de Alejandro Amenábar, Fernando León de Aranoa, Julio Medem, Kike Maíllo y Álex de la Iglesia, entre otros- se espera superar en un 11 por ciento de la recaudación del año 2014. 

domingo, abril 26, 2015

CENTENARIO DE ORSON WELLES


Uno de los grandes directores del cine mundial, Orson Welles (1915-1985) cumple este año el 100 aniversario de su nacimiento. De ahí que se hayan programado diversas actividades conmemorativas.

Como manifiesta el primer especialista español, Esteve Riambau, “su actividad se extendió también a la radio, al teatro, la televisión, la magia y múltiples ramificaciones todavía en proceso de estudio”. La Filmoteca de Catalunya tiene previsto un ciclo desde el 6 de mayo -fecha de su nacimiento- hasta el 30 de junio, donde se proyectará una completísima retrospectiva: 35 títulos, que incluye la totalidad de su filmografía como realizador, algunos de sus trabajos como actor y películas inacabadas -Don Quijote- e inéditas.

Enamorado de España, este artista multimediático también será objeto de un seminario internacional, del estreno de un espectáculo teatral -Feliç centenari, Mr. Welles!-, con libreto de Riambau y entrevistas ficticias a cargo del actor Carles Canut (a Welles lo encarnará Josep Maria Pou), así como la presentación de tres libros: la reedición de Mr. Arkadin; Conversaciones con Orson Welles, de Henry Jaglom; y Las cosas que hemos visto. Welles y Falstaff, asimismo de Esteve Riambau. Cabe recordar que ésta es una significativa frase que pronuncia al final de Campanadas a medianoche (1965) -que dirigió en España el propio Welles- el escudero del caballero Sir John Falstaff, personaje de ficción que encarnó el mismo Orson Welles (foto) y aparece en tres obras de William Shakespeare -Enrique IV, Enrique V y Las alegres comadres de Windsor-, del que el maestro americano fue un gran especialista. 

Por último, habrá una exposición de fotografías de Colita, en Cardona, donde se rodó una parte de esta producción española. Además, el 5 de junio se proyectará la versión restaurada de Campanadas a medianoche, en la Colegiata de Sant Viçent de Cardona, una de las joyas del románico catalán. En este film -producido por Emiliano Piedra, que fue marido de la también fallecida Emma Penella- participó mucha gente de esa localidad. 


(Publicado en DE PELÍCULA, www.diarioya.es, 3-V-2915)

sábado, abril 18, 2015

II FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE Y EDUCACIÓN


Del 11 al 16 de abril se ha celebrado en Madrid el II Festival Internacional de Cine y Educación, organizado por EDUCACINE, marca que promueve el portal Decine21 con la revista especializada Magisterio.

Según el equipo directivo -encabezado por el crítico José María Aresté-, se trata de hacer una “apuesta decidida para que el profesorado, padres de familia y alumnos utilicen las películas y series televisivas con cabeza, como entretenimiento, pero también como una forma de ampliar la visión que tenemos del mundo y del hombre, el afán de aumentar la propia cultura, conocer distintas mentalidades y costumbres, el amor a la naturaleza y el deseo de ayudar a los demás”.

A tal fin, se han celebrado conferencias y mesas redondas, con proyecciones de películas clásicas -como Tiempos modernos, de Charles Chaplin; y Adiós, muchachos, de Louis Malle- y actuales. Entre los filmes contemporáneos, cabe destacar Class Enemy, La profesora de Historia (foto), Ciencias naturales, La lección, Nuestro último verano en Escocia y Regreso a Ítaca, este último presentado por el propio director, Laurent Cantet, que mantuvo un animado coloquio con el público asistente.

Finalmente, hubo una jornada profesional para educadores; pues se habla mucho de una asignatura de cultura audiovisual en las aulas, y de que los jóvenes consumen sin parar obras de diverso metraje a través de numerosos medios, desde el ordenador al teléfono móvil, aunque todavía queda mucho para lograr que las nuevas generaciones “piensen” las películas, series de televisión, sketches de YouTube… más allá del consumo rápido, con un asimilado muchas veces inconsciente, pero que no contribuye como debiera a la formación integral de la persona.

Nuestra felicitación a EDUCACINE por tan loable iniciativa. Y esperamos la tercera edición. 

domingo, abril 12, 2015

"LOREAK" Y "BLANCA COMO LA NIEVE, ROJA COMO LA SANGRE", PREMIOS "FAMILIA" 2014


El pasado sábado tuvo lugar la gala de las “Olas de Oro”, los premios cinematográficos “Familia”,  que concede desde hace 19 años la entidad CinemaNet.

En esta edición correspondieron exaequo a la película vasca Loreak (“Flores”) y a la italiana  Blanca como la nieve, roja como la sangre. Recogieron los galardones los directores de ambos filmes, Jon Garaño y Giacomo Campiotti, llegados del País Vasco e Italia.

Asimismo, en el transcurso del concurrido acto, se hizo un homenaje al psiquiatra Paulino Castells, que fue miembro del jurado desde su creación y falleció el pasado mes de enero, y al también recientemente desaparecido maestro Manoel de Oliveira, el gran cineasta portugués, que había recibido el Premio “Familia” por su mejor trayectoria el año 2000. Galardón que el presente año correspondió al director Rafael Gordon (foto), que también se desplazó desde Madrid para recoger el premio.
La gala -celebrada en el auditorio de CaixaForum, en Barcelona- concluyó con un concierto sobre música de cine a cargo de la cantante Mariona Bosch y el pianista Àngel Puig.

Una vez más, la entidad presidida por el cineasta Lluís J. Comeron y dirigida por el historiador Daniel Arasa -que está realizando una gran labor educativa en el mundo del cine, con su web www.cinemanet.info y dos congresos especializados- ha reconocido a las personas y películas con valores humanos, familiares y sociales, que periódicamente aparecen en nuestras pantallas.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 12-IV-2015)




viernes, abril 03, 2015

ADIÓS AL GRAN MANOEL DE OLIVEIRA


A los 106 años, ha fallecido el cineasta más viejo del mundo: el portugués Manoel de Oliveira. Fue un maestro del Séptimo Arte, que se ganó el respeto y la admiración de cinéfilos y profesionales. Como católico que era, reflexionada sobre los grandes temas de la Humanidad. En España, recibió el premio cinematográfico “Familia” por sus valores artísticos y humanos.

Nacido en Oporto (11 de diciembre de 1908), trabajó a finales de época muda y triunfó en la sonora y moderna. Su debut fue con el documental Douro, faina fluvial (1929-31), de 17 minutos de duración, cuya belleza plástica y voluntad testimonial ya evidenciaban la categoría creadora de un autor que ha pasado a la historia del cine con letras de oro. Tras esta obra magistral, Manoel de Oliveira siguió como actor (A canção de Lisboa, 1933) y director de largometrajes -su Aniki-Bóbó (1942) está considerado como precursor del Neorrealismo-, para volver a la realización en los años sesenta (Acto de primavera y A caçá, ambos de 1963) hasta transformarse en uno de los cineastas más importantes de la última década del siglo XX y principios del tercer milenio. Y ahí están estos títulos para demostrarlo: A Divina Comédia (1991), El valle Abraham (1993), A caixa (1994), El convento (1995), Viaje al principio del mundo (1997), La carta (1999), Vuelvo a casa (2000), El principio de la incertidumbre (2002), Una película hablada (2003), El espejo mágico (2005) o El extraño caso de Angélica (2009), por no citar más.

Estudioso de la unidad entre el lenguaje escénico y fílmico -hablaba del “cine como preservación audiovisual del teatro”, y su cinta Los caníbales (1988) dio lugar a una ópera-, sería valorado como vanguardista y clásico a la vez. Con una planificación muy estática, cabe considerarle también un heredero de los maestros Flaherty, Dreyer, Bergman y Buñuel. Su obra fue más prolífica en los últimos años: casi un film anual, pese a la edad, hasta 62 como director. Oliveira está reconocido como un maestro del cine europeo, desde su “tetralogía de los amores frustrados” (O pasado e o presente, Benilde ou a Virgem-Mae y Amor de perdição) a sus premiadas películas en los festivales internacionales (Le soulier de satin recibió el “León de Oro” de la Mostra de Venecia). Seriamente preocupado por la condición humana, había manifestado: “Lo que mejor podría venir es lo que más falta hace ahora: respeto y amor al prójimo y a la humanidad. Y respeto y amor por la naturaleza. La técnica ha sustituido a la realidad”. 

Elegante y no exento de un agudo sentido del humor, Manoel de Oliveira ha cultivado la comedia negra, ofrecido parábolas sobre el cielo y el infierno, y su cine -discursivo y de hondo cariz intelectual- posee dos temas recurrentes: el desengaño y la tentación. Hollywood se olvidó de él en los Oscars, pero habrá recibido el más preciado galardón en el Más allá por un trabajo bien hecho.  

(Publicado en www.cinemanet.info, 8-IV-2015)

domingo, marzo 22, 2015

UN ANÁLISIS DE LA EXHIBICIÓN CINEMATOGRÁFICA EN ESPAÑA


La editorial Cátedra acaba de publicar el primer gran estudio sobre el sector de la exhibición cinematográfica en nuestro país, del que es autor José Vicente García Santamaría, profesor de la Universidad Carlos III de Madrid, miembro de la Junta Directiva de la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC) y un reputado experto en economía digital.

La exhibición cinematográfica en España traza una panorámica muy completa, en su vertiente historiográfica, de cómo ha evolucionado el sector de la exhibición en España desde la década de los sesenta del siglo pasado hasta hoy día. La recesión de esta industria duró más de treinta años, prácticamente desde mediados de la década de los años sesenta hasta mediados de los noventa, pasando de 7.761 pantallas en el año 1968 a 1.773 en el año 1994, la cifra más baja de la historia del cine español. Y a partir de este año se produjo una recuperación continuada que llegó hasta el año 2004. En este período, y por motivaciones derivadas del boom inmobiliario español y la inversión extranjera, la proliferación de grandes recintos cinematográficos alcanzó una magnitud tal que España ya se había convertido en el año 2005 en el país de la UE con mayor número de multisalas. Y en el año 2010 casi un tercio de los mayores complejos europeos estaban radicados en nuestro país, a pesar de que España es por población el quinto país de la UE. De ahí que el autor afirme que la exhibición española pueda considerarse una “víctima colateral” de la burbuja inmobiliaria. “La parte positiva –afirma este colega– es que en apenas una década logramos sustituir unas vetustas salas de cine y poco desarrollado tecnológicamente por un parque con una gran oferta de salas y con unas condiciones de confort y proyección que hasta entonces no se habían conocido en España”.

Actualmente, los locales con más de cinco pantallas representan más del 90% del total de pantallas españolas y las escasas monosalas que logran sobrevivir son casi una cuestión del pasado, al contrario de lo que ocurre en otros países de la Unión Europea que siguen manteniendo sus circuitos rurales. Y los más perjudicados por la ausencia de esta red serán los cines nacionales, puesto que el cine norteamericano siempre dispondrá de canales de distribución eficaces. Según un balance realizado por el autor, “en más del 40% del territorio español no existen salas comerciales de cine, con lo que hemos vuelto a la situación de los años ochenta, una época en las que aquellas provincias con menor número de habitantes veían como sus ciudadanos no podían acceder a proyecciones comerciales en sala”. De ahí que los aficionados -añado yo- visionen las películas en la pantalla del ordenador personal, en los smartphone o en las tablets.


(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 29-III-2015)

viernes, marzo 13, 2015

"SELMA" ROMPE UNA LANZA CONTRA LA SEGREGACIÓN RACIAL


La cineasta afronorteamericana Ava DuVernay ha realizado un film excelente, que evoca la célebre caminata de 50 millas desde la población de Selma (Alabama) y su famoso puente hasta Montgomery, la capital del Estado, que tuvo lugar en 1965, poco después de que Martin Luther King recibiera el Premio Nobel de la Paz.

Aunque el principal protagonista es el Dr. King (perfectamente encarnado por David Oyelowo), no se trata de un biopic ni de una película hagiográfica sobre el líder no violento sobre los Derechos Humanos en su lucha contra la segregación racial; sino un film de reconstitución histórica, muy bien ambientado y capaz de emocionar al espectador.

La recreación de personajes, por ejemplo el presidente Johnson (Tom Wikinson), resulta notable, así como el clima de discriminación que sufrieron los negros estadounidenses durante tan largo período, pese a la legislación de igualdad que no siguieron muchos Estados y un gran número de ciudadanos blancos. Pensar que un afroamericano como Barack Obama llegaría a presidente de los Estados Unidos era un sueño, el mismo que manifestó el propio Luther King en su discurso tras la marcha sobre Washington en 1963: “I have a dream”, también de crítica contra la guerra de Vietnam.

Martin Luther King, Jr., había nacido en 1929, y estaba licenciado en Teología y era doctor en Filosofía. Pastor de la iglesia baptista, promovió el movimiento de los derechos civiles de los negros en USA, y firmó las leyes reivindicativas junto al presidente Johnson. Esta película, candidata a los Oscar del presente año, ha molestado a algunos, ya que el protagonista queda como el gran reformador de la legislación racial y no el presidente del país.

Curiosamente, cuando apenas tenía diez años, Luther King cantó en el coro de Atlanta, durante el estreno de la película Lo que el viento se llevó (1939). Como los Kennedy, cinco años antes y dos meses después, fue asesinado el 4 de abril de 1968, a los 39 años. Su viuda, Coretta Scott (que interpreta en el film Carmen Ejogo), promovió una fundación a su nombre.

sábado, marzo 07, 2015

"EL FRANCOTIRADOR", EL POLÉMICO FILM DE CLINT EASTWOOD


El actor y director Clint Eastwood ha dado a luz otra obra maestra del género bélico, que está batiendo récords de taquilla en Estados Unidos, y al mismo tiempo ha provocado una polémica. ¿Se trata de un film neofascista?, como cuando protagonizó la serie de “Harry”.

El francotirador (American Sniper, 2014) es, ante todo, una película antibélica, que retrata magistralmente la posguerra en Irak -“otro pantano”, como el de Vietnam-, pero centrado en la trágica vida de un SEAL -las fuerzas especiales de la Infantería Marina estadounidense-, Christopher Kyle (1974-2013), un patriota paranoico, a quien su padre le enseñó que había de ser perro pastor y nunca lobo ni cordero. De entrada, parece que está a favor de ese héroe nacional; pues lo despidieron con honores cuando fue asesinado por otro paranoico de la guerra de Irak (estos días juzgado en USA). Sin embargo, puede leerse al revés: una reflexión sobre el fracaso del sueño americano y la creación de mitos.

A tal fin, Eastwood -que ofreció otras reflexiones críticas sobre la guerra y sus trágicas consecuencias en Banderas de nuestros padres y Gran Torino- toma pie en la biografía de Chris Kyle, un tirador de élite que mató a unos 255 iraquíes (al parecer fueron poco más de 160) para describirnos con pelos y señales la barbarie de esa guerra; una posguerra que ganó el protagonista en Irak, con la idea de defender a su país y proteger a sus compañeros, pero que perdió la batalla en su misma casa, en su propia familia.

El francotirador evidencia, por tanto, las serias contradicciones de una nación y de sus ciudadanos. De ahí que, dentro de la ambigüedad característica de las últimas películas de Clint Eastwood como director, en palabras del crítico e historiador Àngel Quintana, “es lo bastante inteligente para crear una de las visiones más desencantadas de toda su carrera cinematográfica”.

Perfectamente interpretada por Bradley Cooper, y ambientada con enorme realismo en escenarios naturales de Marruecos -parece que estemos en plena acción bélica-, El francotirador es una película muy violenta, que ya ha generado una polémica mundial. Con su nuevo biopic, el californiano Clint Eastwood (84 años) sigue dando que hablar. 

martes, marzo 03, 2015

ABBAS KIAROSTAMI, ENTRE NOSOTROS


El más famoso maestro del cine iraní, Abbas Kiarostami, ha vuelto a nuestro país para enseñar a hacer cine a los jóvenes. Si en 2006 estuvo en el CCCB para dialogar con el cineasta español Víctor Erice -allí tuve el honor de saludarle-, ahora va a impartir durante diez días un taller de cortos a 55 estudiantes y una masterclass con José Luis Guerín.

El más famoso maestro del cine iraní, Abbas Kiarostami, ha vuelto a nuestro país para enseñar a hacer cine a los jóvenes. Si en 2006 estuvo en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), para dialogar con el cineasta español Víctor Erice -allí tuve el honor de saludarle-, ahora va a impartir durante diez días un taller de cortos a 55 estudiantes.

Kiarostami (Teherán, 1940), que es un gran especialista en cine infantil -fundó en 1969 el Departamento Cinematográfico Intelectual de Niños y Adolescentes en su ciudad natal-, ha sido el creador de una escuela fílmica en su país. Destacó con su premiado tríptico ¿Dónde está la casa de mi amigo? (1987), Y la vida continúa (1992) y A través de los olivos (1994), antes de brindarnos esa obra maestra que es El sabor de las cerezas (1997). Después nos ofrecería El viento nos llevará (1999) y Copia certificada (2010), entre otras.

El maestro Abbas Kiarostami ha ejercido una gran influencia en toda una generación de cineastas iraníes, algunos tan aplaudidos como su discípulo Jafar Panahi (último Oso de Oro en el Festival de Berlín’2015 y todavía en la cárcel por su defensa de los Derechos Humanos), Marzieh Meshkini (El día que llegué a ser mujer, 2001) o Majad Majidi (El color del paraíso, 2002), que como todas sus películas testimonian la evolución de su país.

Con todo, “la sombra de Kiarostami es alargada”; pues el desaparecido maestro del cine japonés, Akira Kurosawa, se manifestó así en el Festival de Tokio’94 sobre su admirado colega iraní: “Es difícil encontrar las palabras justas para hablar de las películas de Kiarostami. Hay que ir a verlas y darse cuenta de que son simplemente maravillosas. Cuando Satyajit Ray murió [el maestro del cine indio], me quedé muy triste. Pero después de ver los filmes de Kiarostami pensé que Dios había enviado a la persona para reemplazarlo. Me pregunto -continuaba el gran cineasta oriental (que antes se había declarado ateo)- por qué los países que tienen una larga historia cinematográfica me parecen menos buenos hoy, mientras los países que poseen una cultura cinematográfica más reciente son formidables. Es una pregunta que me planteo cuando veo las películas de Abbas Kiarostami”.


Sus filmes se pueden ver en la Filmoteca de Catalunya hasta el 31 de marzo; al tiempo que la productora Black Factory ha sido la organizadora del referido taller especializado, cuyo objetivo es que los alumnos aprendan y acaben esta semana con un cortometraje bajo el brazo, mientras Kiarostami realizará también el suyo. 

lunes, febrero 23, 2015

UNOS OSCAR REIVINDICATIVOS


La 87 edición de los preciados Oscar de Hollywood ha tenido un carácter bastante reivindicativo. La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas acaba de celebrar su gran fiesta anual en Los Ángeles, para premiar las mejores producciones de 2014 y, al mismo tiempo, exhibirse las “estrellas”.

Birdman, del mexicano Alejandro González Iñárritu, ha sido la principal vencedora, con cuatro estatuillas doradas: Mejor película, Director, Guión original y Fotografía. Pero ha empatado a Oscars con El gran hotel Budapest, del también innovador West Anderson; aunque este film sólo se ha llevado los premios técnicos. En sus palabras de agradecimiento, Iñárritu -ya bien instalado en la Meca del Cine- reivindicó a los mejicanos, que sufren en su país y también en los Estados Unidos. Se trata de una autocrítica del mundo del espectáculo, realizada con originalidad, narrada a modo de un falso plano-secuencia. Boyhood -la otra original candidata, rodada durante doce años- fue la gran perdedora: sólo alcanzó el Oscar a la Mejor actriz de reparto, para Patricia Arquette, que aprovechó su discurso para pedir la igualdad laboral entre hombres y mujeres.

Los galardones a los Mejores actor y actriz fueron para Eddie Redmayne, por su impresionante creación del físico Stephen Hawking, en La teoría del todo -ganando al también sufrido protagonista de Birdman, Michael Keaton-, y para Julianne Moore, por su emotiva interpretación de una enferma de Alzheimer, en Siempre Alice.

En el capítulo de Mejor película extranjera -o de habla no inglesa, mejor- ha ganado la polaca Ida, sobre la odisea existencial de una novicia hebrea tras la II Guerra Mundial, derrotando a la nominada cinta hispano-argentina Relatos salvajes. Y casi se fueron de vacío, Clint Eastwood, con su discutido film asimismo reivindicativo, El francotirador, y la magnífica Interestellar, de Christopher Nolan. Sólo ganó cada uno un Oscar técnico.

La fiesta -que hizo un homenaje al género musical- transcurrió un tanto pesada, pero tuvo su culmen con la actuación de Lady Gaga, que interpretó la melodía de Sonrisas y lágrimas -e hizo llorar a la que fuera su protagonista, Julie Andrews-, y con la canción premiada de Selma. Ahora, los codiciados Oscars aumentarán la taquilla de los filmes galardonados en todo el mundo.

Publicado en "Opinión", http://www.diarioya.es, 24-II-2015


miércoles, febrero 18, 2015

LA HISTORIA DEL CINE MUDO NORTEAMERICANO


Amb aquest títol, continuem els cursos sobre la història del cine americà que vàrem començar amb el dedicat al film clàssic, per continuar amb el cinema modern i concloure l'any passat amb el període contemporani.

Enguany iniciem altre cicle especialitzat, ara sobre el cine mut de Hollywood, 15 joyas de la época del cine mudo de americano. Projectarem 15 obres mestres de l'època silent, però mai va ser tal perquè les pel·licules se sonoritzaven amb una orquestra o directament un piano.

Totes les sesiones tindran lloc a l'Institut d'Estudis Nord-americans (IEN), de Barcelona (Via Augusta, 123), els dimecres de 10 a 14 hores.

Presentació i col·loqui un càrrec de Josep Maria Caparrós Lera, catedràtic emèrit d'Història Contemporània i Cinema de la Universitat de Barcelona. Aquest és el Programa:

18 de febrer de 2015
Fred Niblo: La marca del Zorro (1920). 90 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
25 de febrer
David Wark Griffith: Las dos tormentas (1920). 145 min.
4 de març
Rex Ingram: Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921). 134 min.
11 de març
Allan Dwan: Robin Hood (1922). 120 min.
18 de març
Ernst Lubitsch: El abanico de Lady Windermere (1925). 85 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
 25 de març
Cecil B. De Mille: Los Diez Mandamientos (1923). 131 min.
8 d'abril
Raoul Walsh: El ladrón de Bagdad (1924). 140 min.
15 d 'abril
John Ford: El caballo de hierro (1924). 133 min.
22 d'abril
Buster Keaton: El maquinista de la General (1926). 74 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble  
29 d 'abril
Rupert Julian: El fantasma de la ópera (1925). 93 min.
6 de maig
Edmund Goulding: Anna Karenina (1927). 82 min.
13 maig
Friedrich Wilhelm Murnau: Amanecer (1927). 90 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
20 de maig
Frank Borzage: El séptimo cielo (1927). 110 min.
27 d e maig
King Vidor: ...Y el mundo marcha (1928). 90 min.
3 de juny
Josef von Sternberg: La ley del hampa (1927). 80 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
10 de juny
Sesión de clausura: Exhibición de la obra maestra de la Charles Chaplin, Luces de la ciudad (1930). 

El Departament d'Història Contemporània de la UB concedeix per 60 hores lectives 3 crèdits acadèmics als alumnes que aprofitin aquest nou curs especialitzat, L'entrada es lliure i s'expedirà certificat acreditatiu.

(Publicat també, en castellà, a DE PELÍCULA, www.diarioya.es, 22-II-2015)