miércoles, julio 01, 2015

INAUGURACIÓN EN VALLBONA DE LES MONGES (LLEIDA) DEL PRIMER ESPACIO MUSEÍSTICO DEL CINEMA COLECCIÓN JOSEP M. QUERALTÓ





Estamos de enhorabuena porque por fin se ha creado el primer espacio museístico del cine en la provincia de Lleida, concretamente en Vallbona de les Monges, en la comarca del Urgell. El Espai Museístic del Cinema Col·lecció Josep M. Queraltó está situado en frente del Ayuntamiento, en el edificio restaurado Centre de Recursos, donde también está la Agrobotiga, la Oficina Turística, la sala de actos y un espacio polivalente.    

El nuevo espacio museístico del cine puede ser una herramienta útil, cultural, educativa y de conocimiento para la presente y las futuras generaciones en todos los niveles del aprendizaje. El acto inaugural es el sábado, 4 de julio, a las 18 horas.

Esta iniciativa la han hecho posible, además del propio Josep M. Queraltó, el Ayuntamiento de Vallbona de les Monges, al frente de cual se encuentra su alcalde Ramon Bergadà, diversas entitades públicas catalanas y la Unión Europea.

En Vallbona de les Monges se puede ver una pequeña muestra de esta colección, de más de 20.000 piezas, en donde se exponen máquinas en orden cronológico desde los orígenes del séptimo arte hasta  la actualidad. El espacio se divide en dos salas que reúnen más de un centenar de objetos. 

La primera acoge sombras francesas, cristales pintados a mano de los que se utilizaban en las linternas mágicas, zootropo, praxinoscopio, kinora, cámaras fotográficas, filmadoras y proyectores de diferentes formatos, una moviola profesional, la reproducción de una cabina de cine de 35 mm, etc. 

La segunda sala, denominada “El mundo de Josep M. Queraltó”, es un homenaje a su persona, definida por muchos como “El maestro cinematográfico”. En este espacio se encuentra la reproducción de un taller parecido en el que había trabajado Josep Maria de joven, una bicicleta de 1910,  modelo que utilizaba para desplazarse por la comarca reparando toda clase de aparatos como radios, etc.; un saco donde se llevaban los rollos de películas para trasladarlas del cine de un pueblo a otro; radios y objetos relacionados con el sonido; televisores, entre ellos, un prototipo inglés de 1907; el antiguo proyector de cine del pueblo que ahora funciona perfectamente; una librería que contiene, entre otros libros, diversos publicados por la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó, y los cuadernos y ejercicios prácticos originales de la Escuela Radio Maymó. Completa esta sala unos plafones donde hay recortes de prensa, pósters y fotografías que se han generado durante más de una década para dar a conocer el trabajo, el proyecto y la colección de Josep M. Queraltó. 

El Espai Museístic del Cinema Col·lecció Josep M. Queraltó pretende ser, por un lado, un pequeño homenaje a la técnica del cine y del audiovisual, y  por otro,  a la cultura del esfuerzo y del trabajo representada en la persona de Josep Maria. Y que mejor lugar para hacerlo que en el pueblo de  sus antepasados que le vio nacer: Vallbona de les Monges, población histórica donde se encuentra el monasterio que forma parte de la ruta del Císter, conjuntamente con Santes Creus y Poblet, y donde está enterrada Violante de Hungría, que fue esposa de Jaime I.




martes, junio 23, 2015

LAS ESCALINATAS DE ODESSA, TESORO DE LA CULTURA DEL CINE EUROPEO


Las célebres escalinatas de Odessa (Ucrania), donde el maestro Serguéi Mijailovich Eisenstein rodó la antológica secuencia de El acorazado Potemkin (1925), ha recibido una distinción de la European Film Academy: Tesoro de la Cultura del Cine Europeo.

Esta es la quinta distinción que la Academia de Cine Europeo (EFA) concede a una entidad o lugar relacionado con la cinematografía. Las anteriores fueron el Centre Memorial Eisenstein en Moscú, la Casa de los hermanos Lumière en Lyon, el Centre Bergman en la isla de Farö (Suecia) y el Mundo de Tonino Guerra en Pennabilli (Italia).

Con esta nueva distinción, la EFA quiere aumentar la conciencia pública de los lugares con carácter simbólico para el cine del Viejo Continente, espacios de gran valor histórico que merecen ser protegidos en la actualidad y para las futuras generaciones. Estas escalinatas son hoy el lugar donde se celebra, desde su fundación el año 2010, el Festival Internacional de Cine de Odessa, que invita al público a proyecciones al aire libre de clásicos internacionales acompañados de música en vivo. En la presente edición del certamen (10 al 18 julio), se descubrirá un emblema conmemorativo en les mismas escalinatas.

Pero, curiosamente, la revolución de Odessa de 1905 -consecuencia de la perdida guerra ruso-japonesa- no tuvo esa masacre en las escalinatas tal como que se reconstruye en la obra maestra de Eisenstein. Fue un mero homenaje -una sinécdoque, en palabras del realizador soviético, las partes por el todo- en torno a la defensa de la población ante el levantamiento de la marinería del acorazado Potemkin, que después fue desguazado por el Gobierno zarista; lo cual no cuenta la famosa película.

viernes, junio 05, 2015

LAS PELÍCULAS DE ESTE VERANO

Nuestro último verano en Escocia (A contracorriente films)


Como todos los veranos por estas fechas, recomiendo una serie de filmes recientes, 
que pueden gustar a los buenos aficionados, bastantes títulos ya en DVD. 
He aquí, pues, mi lista de 20 películas (por orden alfabético):


- BLANCA COMO LA NIEVE, ROJA COMO LA SANGRE
- LA CANCIÓN DEL MAR
- LA CASA DEL TEJADO ROJO
CENICIENTA
DIPLOMACIA
- DOS DÍAS, UNA NOCHE
- EL FRANCOTIRADOR
LA HISTORIA DE MARIE HEURTIN
- INTERSTELLAR
- INVENCIBLE
- EL MAESTRO DEL AGUA
- MANDARINAS
- NUESTRO ÚLTIMO VERANO EN ESCOCIA
- LA PROFESORA DE HISTORIA
- QUÉDATE CONMIGO
- SELMA
- SIEMPRE ALICE
- LA TEORÍA DEL TODO
- TOMORROWLAND. EL DÍA DEL MAÑANA
- TIMBUKTU


Para más información: www.decine21.com y www.cinemanet.info

miércoles, mayo 27, 2015

LAS AYUDAS AL CINE ESPAÑOL NO DEPENDERÁN DE LA TAQUILLA

Recientemente, el Consejo de ministros del Gobierno del PP ha aprobado un Real decreto que modifica la discutida Ley del Cine, aprobada por el Gobierno del PSOE en el año 2007. La nueva ley iniciará de inmediato la transición del actual modelo de ayudas al cine español.
Se trata de conceder las ayudas a la amortización, que los productores reciben a posteriori -se reciben dos años después de estrenada una película-, a un nuevo modelo de ayudas a priori, que se implementarán a través de un sistema de puntuación automático que evite la arbitrariedad en la concesión de las subvenciones. Aun así, continuarán las ayudas a los proyectos de cine alternativo, como ha sucedido hasta ahora.
El acuerdo pactado entre el actual Gobierno y los sectores profesionales de nuestra endémica industria cinematográfica ha costado tres años. No obstante, hasta el año 2008 convivirá este nuevo modelo con las obligaciones de financiación generadas por el antiguo. De ahí que el Gabinete Rajoy también haya aprobado de forma paralela un crédito extraordinario para hacer frente a las obligaciones de amortización que vencen este 2015, por un importe de 16 millones de euros.
Con esta modificación de ayudas al cine autóctono se pretende mejorar la seguridad jurídica y financiera de un sector muy afectado por la crisis económica, que se completa desde el pasado enero con el aumento de las desgravaciones fiscales a la inversión hasta el 20 por ciento.

De momento, aunque el cine español subsista con las criticadas subvenciones, al menos no se beneficiarán de las ayudas oficiales -que proceden del erario público- los meros subproductos (léase Torrente) que no benefician en nada al cine español.  

miércoles, mayo 20, 2015

BALANCE DE LA NUEVA FIESTA DEL CINE

Ya tenemos los datos de la 8ª edición de la Fiesta del Cine, celebrada en toda España durante cuatro días de la pasada semana. Ha participado un total de 343 cines de nuestra geografía, con entradas 2,9 euros. Como en los años anteriores, su finalidad es “fomentar la asistencia a las salas de cine como un hábito social y cultural”. Los interesados tenían que acreditarse antes en la web fiestadelcine.com. No obstante, los menores de 14 y los mayores de 60 años no tenían que reservar entrada.
Organizada por la Confederación de Productores Audiovisuales Españoles (FAPAE), la Federación de Distribuidores de Cine (FEDICINE), la Federación de Cine de España (FECE) y el Instituto de Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), la reciente Fiesta del Cine no presenta un balance muy positivo. Por primera vez desde que se creó esta iniciativa ha descendido el público. A pesar de contar con un día extra, desde el lunes al jueves de la semana anterior, se vendieron un total de 1,6 millones de entradas, un 27% menos que en la pasada edición (celebrada en octubre de 2014) y un 15,7% menos que en la anterior (hace justo un año).
La caída no sorprende. El fútbol es un elemento a tener en cuenta (las semifinales de la Champions League). Pero la clave ha sido la floja cartelera, como si las salas estuvieran de liquidación; por muy barata que ha sido la entrada, mucha gente no pasa por taquilla si no se exhiben buenas películas o atractivas. En la presente edición, el film más visto ha sido Vengadores: La era de Ultrón.

Con todo, los organizadores parecen contentos: “La Fiesta del Cine está diseñada para superar el millón de espectadores. Todo lo que sea superar esa cifra lo consideramos un éxito”, han manifestado. La cifra global de este año 2015 ha sido 1.625.862 espectadores. 

sábado, mayo 02, 2015

NUEVAS PERSPECTIVAS PARA EL CINE ESPAÑOL


Tras la celebración del Festival de Málaga 2015, la cinematografía española anuncia un resurgimiento, tras el exitoso año pasado; al menos en la taquilla, gracias a Ocho apellidos vascos.

En este certamen especializado, se han presentado las últimas producciones autóctonas: nueve debutantes -entre ellos el actor y ahora director Daniel Guzmán, que se llevó el primer premio con su A cambio de  nada-, o los ya presentes en otras ediciones, como Jonás Trueba y Joaquín Oristrell.

Asimismo, la nueva Directora general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Lorena González -nombrada para sustituir a la especialista Susana de la Sierra-, anunció en Málaga la firma de un acuerdo entre la entidad pública española que avala las producciones cinematográficas, Audiovisual SGR -que ella misma preside-, y la francesa Natixis Coficiné -el llamado banco del cine galo-, que supondrá una financiación suplementaria de 20 millones de euros para el cine español.

No obstante, el referido Jonás Trueba se quejaría al recoger su premio por Los exiliados románticos, que nuestro cine está viviendo una grieta brutal entre las películas grandes -producidas por las cadenas televisivas- y las pequeñas -como la suya-, pues se ha “tragado las producciones medias que hasta hace poco eran hegemónicas en las industria”. Y afirmaba que no está tan claro si esto era consecuencia del modelo de financiación del cine español -el de ayudas, que está muerto- y otro todavía por nacer -el de incentivos-, y “qué peso tiene en ello la reconversión a la que la tecnología ha abocado a las industrias culturales”.

Aun así, con la próxima Fiesta del Cine (11, 12 y 13 de mayo), que las entradas costarán sólo 2,9 euros, y los estrenos que se anuncian para el otoño -llegan los nuevos filmes de Alejandro Amenábar, Fernando León de Aranoa, Julio Medem, Kike Maíllo y Álex de la Iglesia, entre otros- se espera superar en un 11 por ciento de la recaudación del año 2014. 

domingo, abril 26, 2015

CENTENARIO DE ORSON WELLES


Uno de los grandes directores del cine mundial, Orson Welles (1915-1985) cumple este año el 100 aniversario de su nacimiento. De ahí que se hayan programado diversas actividades conmemorativas.

Como manifiesta el primer especialista español, Esteve Riambau, “su actividad se extendió también a la radio, al teatro, la televisión, la magia y múltiples ramificaciones todavía en proceso de estudio”. La Filmoteca de Catalunya tiene previsto un ciclo desde el 6 de mayo -fecha de su nacimiento- hasta el 30 de junio, donde se proyectará una completísima retrospectiva: 35 títulos, que incluye la totalidad de su filmografía como realizador, algunos de sus trabajos como actor y películas inacabadas -Don Quijote- e inéditas.

Enamorado de España, este artista multimediático también será objeto de un seminario internacional, del estreno de un espectáculo teatral -Feliç centenari, Mr. Welles!-, con libreto de Riambau y entrevistas ficticias a cargo del actor Carles Canut (a Welles lo encarnará Josep Maria Pou), así como la presentación de tres libros: la reedición de Mr. Arkadin; Conversaciones con Orson Welles, de Henry Jaglom; y Las cosas que hemos visto. Welles y Falstaff, asimismo de Esteve Riambau. Cabe recordar que ésta es una significativa frase que pronuncia al final de Campanadas a medianoche (1965) -que dirigió en España el propio Welles- el escudero del caballero Sir John Falstaff, personaje de ficción que encarnó el mismo Orson Welles (foto) y aparece en tres obras de William Shakespeare -Enrique IV, Enrique V y Las alegres comadres de Windsor-, del que el maestro americano fue un gran especialista. 

Por último, habrá una exposición de fotografías de Colita, en Cardona, donde se rodó una parte de esta producción española. Además, el 5 de junio se proyectará la versión restaurada de Campanadas a medianoche, en la Colegiata de Sant Viçent de Cardona, una de las joyas del románico catalán. En este film -producido por Emiliano Piedra, que fue marido de la también fallecida Emma Penella- participó mucha gente de esa localidad. 


(Publicado en DE PELÍCULA, www.diarioya.es, 3-V-2915)

sábado, abril 18, 2015

II FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE Y EDUCACIÓN


Del 11 al 16 de abril se ha celebrado en Madrid el II Festival Internacional de Cine y Educación, organizado por EDUCACINE, marca que promueve el portal Decine21 con la revista especializada Magisterio.

Según el equipo directivo -encabezado por el crítico José María Aresté-, se trata de hacer una “apuesta decidida para que el profesorado, padres de familia y alumnos utilicen las películas y series televisivas con cabeza, como entretenimiento, pero también como una forma de ampliar la visión que tenemos del mundo y del hombre, el afán de aumentar la propia cultura, conocer distintas mentalidades y costumbres, el amor a la naturaleza y el deseo de ayudar a los demás”.

A tal fin, se han celebrado conferencias y mesas redondas, con proyecciones de películas clásicas -como Tiempos modernos, de Charles Chaplin; y Adiós, muchachos, de Louis Malle- y actuales. Entre los filmes contemporáneos, cabe destacar Class Enemy, La profesora de Historia (foto), Ciencias naturales, La lección, Nuestro último verano en Escocia y Regreso a Ítaca, este último presentado por el propio director, Laurent Cantet, que mantuvo un animado coloquio con el público asistente.

Finalmente, hubo una jornada profesional para educadores; pues se habla mucho de una asignatura de cultura audiovisual en las aulas, y de que los jóvenes consumen sin parar obras de diverso metraje a través de numerosos medios, desde el ordenador al teléfono móvil, aunque todavía queda mucho para lograr que las nuevas generaciones “piensen” las películas, series de televisión, sketches de YouTube… más allá del consumo rápido, con un asimilado muchas veces inconsciente, pero que no contribuye como debiera a la formación integral de la persona.

Nuestra felicitación a EDUCACINE por tan loable iniciativa. Y esperamos la tercera edición. 

domingo, abril 12, 2015

"LOREAK" Y "BLANCA COMO LA NIEVE, ROJA COMO LA SANGRE", PREMIOS "FAMILIA" 2014


El pasado sábado tuvo lugar la gala de las “Olas de Oro”, los premios cinematográficos “Familia”,  que concede desde hace 19 años la entidad CinemaNet.

En esta edición correspondieron exaequo a la película vasca Loreak (“Flores”) y a la italiana  Blanca como la nieve, roja como la sangre. Recogieron los galardones los directores de ambos filmes, Jon Garaño y Giacomo Campiotti, llegados del País Vasco e Italia.

Asimismo, en el transcurso del concurrido acto, se hizo un homenaje al psiquiatra Paulino Castells, que fue miembro del jurado desde su creación y falleció el pasado mes de enero, y al también recientemente desaparecido maestro Manoel de Oliveira, el gran cineasta portugués, que había recibido el Premio “Familia” por su mejor trayectoria el año 2000. Galardón que el presente año correspondió al director Rafael Gordon (foto), que también se desplazó desde Madrid para recoger el premio.
La gala -celebrada en el auditorio de CaixaForum, en Barcelona- concluyó con un concierto sobre música de cine a cargo de la cantante Mariona Bosch y el pianista Àngel Puig.

Una vez más, la entidad presidida por el cineasta Lluís J. Comeron y dirigida por el historiador Daniel Arasa -que está realizando una gran labor educativa en el mundo del cine, con su web www.cinemanet.info y dos congresos especializados- ha reconocido a las personas y películas con valores humanos, familiares y sociales, que periódicamente aparecen en nuestras pantallas.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 12-IV-2015)




viernes, abril 03, 2015

ADIÓS AL GRAN MANOEL DE OLIVEIRA


A los 106 años, ha fallecido el cineasta más viejo del mundo: el portugués Manoel de Oliveira. Fue un maestro del Séptimo Arte, que se ganó el respeto y la admiración de cinéfilos y profesionales. Como católico que era, reflexionada sobre los grandes temas de la Humanidad. En España, recibió el premio cinematográfico “Familia” por sus valores artísticos y humanos.

Nacido en Oporto (11 de diciembre de 1908), trabajó a finales de época muda y triunfó en la sonora y moderna. Su debut fue con el documental Douro, faina fluvial (1929-31), de 17 minutos de duración, cuya belleza plástica y voluntad testimonial ya evidenciaban la categoría creadora de un autor que ha pasado a la historia del cine con letras de oro. Tras esta obra magistral, Manoel de Oliveira siguió como actor (A canção de Lisboa, 1933) y director de largometrajes -su Aniki-Bóbó (1942) está considerado como precursor del Neorrealismo-, para volver a la realización en los años sesenta (Acto de primavera y A caçá, ambos de 1963) hasta transformarse en uno de los cineastas más importantes de la última década del siglo XX y principios del tercer milenio. Y ahí están estos títulos para demostrarlo: A Divina Comédia (1991), El valle Abraham (1993), A caixa (1994), El convento (1995), Viaje al principio del mundo (1997), La carta (1999), Vuelvo a casa (2000), El principio de la incertidumbre (2002), Una película hablada (2003), El espejo mágico (2005) o El extraño caso de Angélica (2009), por no citar más.

Estudioso de la unidad entre el lenguaje escénico y fílmico -hablaba del “cine como preservación audiovisual del teatro”, y su cinta Los caníbales (1988) dio lugar a una ópera-, sería valorado como vanguardista y clásico a la vez. Con una planificación muy estática, cabe considerarle también un heredero de los maestros Flaherty, Dreyer, Bergman y Buñuel. Su obra fue más prolífica en los últimos años: casi un film anual, pese a la edad, hasta 62 como director. Oliveira está reconocido como un maestro del cine europeo, desde su “tetralogía de los amores frustrados” (O pasado e o presente, Benilde ou a Virgem-Mae y Amor de perdição) a sus premiadas películas en los festivales internacionales (Le soulier de satin recibió el “León de Oro” de la Mostra de Venecia). Seriamente preocupado por la condición humana, había manifestado: “Lo que mejor podría venir es lo que más falta hace ahora: respeto y amor al prójimo y a la humanidad. Y respeto y amor por la naturaleza. La técnica ha sustituido a la realidad”. 

Elegante y no exento de un agudo sentido del humor, Manoel de Oliveira ha cultivado la comedia negra, ofrecido parábolas sobre el cielo y el infierno, y su cine -discursivo y de hondo cariz intelectual- posee dos temas recurrentes: el desengaño y la tentación. Hollywood se olvidó de él en los Oscars, pero habrá recibido el más preciado galardón en el Más allá por un trabajo bien hecho.  

(Publicado en www.cinemanet.info, 8-IV-2015)

domingo, marzo 22, 2015

UN ANÁLISIS DE LA EXHIBICIÓN CINEMATOGRÁFICA EN ESPAÑA


La editorial Cátedra acaba de publicar el primer gran estudio sobre el sector de la exhibición cinematográfica en nuestro país, del que es autor José Vicente García Santamaría, profesor de la Universidad Carlos III de Madrid, miembro de la Junta Directiva de la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC) y un reputado experto en economía digital.

La exhibición cinematográfica en España traza una panorámica muy completa, en su vertiente historiográfica, de cómo ha evolucionado el sector de la exhibición en España desde la década de los sesenta del siglo pasado hasta hoy día. La recesión de esta industria duró más de treinta años, prácticamente desde mediados de la década de los años sesenta hasta mediados de los noventa, pasando de 7.761 pantallas en el año 1968 a 1.773 en el año 1994, la cifra más baja de la historia del cine español. Y a partir de este año se produjo una recuperación continuada que llegó hasta el año 2004. En este período, y por motivaciones derivadas del boom inmobiliario español y la inversión extranjera, la proliferación de grandes recintos cinematográficos alcanzó una magnitud tal que España ya se había convertido en el año 2005 en el país de la UE con mayor número de multisalas. Y en el año 2010 casi un tercio de los mayores complejos europeos estaban radicados en nuestro país, a pesar de que España es por población el quinto país de la UE. De ahí que el autor afirme que la exhibición española pueda considerarse una “víctima colateral” de la burbuja inmobiliaria. “La parte positiva –afirma este colega– es que en apenas una década logramos sustituir unas vetustas salas de cine y poco desarrollado tecnológicamente por un parque con una gran oferta de salas y con unas condiciones de confort y proyección que hasta entonces no se habían conocido en España”.

Actualmente, los locales con más de cinco pantallas representan más del 90% del total de pantallas españolas y las escasas monosalas que logran sobrevivir son casi una cuestión del pasado, al contrario de lo que ocurre en otros países de la Unión Europea que siguen manteniendo sus circuitos rurales. Y los más perjudicados por la ausencia de esta red serán los cines nacionales, puesto que el cine norteamericano siempre dispondrá de canales de distribución eficaces. Según un balance realizado por el autor, “en más del 40% del territorio español no existen salas comerciales de cine, con lo que hemos vuelto a la situación de los años ochenta, una época en las que aquellas provincias con menor número de habitantes veían como sus ciudadanos no podían acceder a proyecciones comerciales en sala”. De ahí que los aficionados -añado yo- visionen las películas en la pantalla del ordenador personal, en los smartphone o en las tablets.


(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 29-III-2015)

viernes, marzo 13, 2015

"SELMA" ROMPE UNA LANZA CONTRA LA SEGREGACIÓN RACIAL


La cineasta afronorteamericana Ava DuVernay ha realizado un film excelente, que evoca la célebre caminata de 50 millas desde la población de Selma (Alabama) y su famoso puente hasta Montgomery, la capital del Estado, que tuvo lugar en 1965, poco después de que Martin Luther King recibiera el Premio Nobel de la Paz.

Aunque el principal protagonista es el Dr. King (perfectamente encarnado por David Oyelowo), no se trata de un biopic ni de una película hagiográfica sobre el líder no violento sobre los Derechos Humanos en su lucha contra la segregación racial; sino un film de reconstitución histórica, muy bien ambientado y capaz de emocionar al espectador.

La recreación de personajes, por ejemplo el presidente Johnson (Tom Wikinson), resulta notable, así como el clima de discriminación que sufrieron los negros estadounidenses durante tan largo período, pese a la legislación de igualdad que no siguieron muchos Estados y un gran número de ciudadanos blancos. Pensar que un afroamericano como Barack Obama llegaría a presidente de los Estados Unidos era un sueño, el mismo que manifestó el propio Luther King en su discurso tras la marcha sobre Washington en 1963: “I have a dream”, también de crítica contra la guerra de Vietnam.

Martin Luther King, Jr., había nacido en 1929, y estaba licenciado en Teología y era doctor en Filosofía. Pastor de la iglesia baptista, promovió el movimiento de los derechos civiles de los negros en USA, y firmó las leyes reivindicativas junto al presidente Johnson. Esta película, candidata a los Oscar del presente año, ha molestado a algunos, ya que el protagonista queda como el gran reformador de la legislación racial y no el presidente del país.

Curiosamente, cuando apenas tenía diez años, Luther King cantó en el coro de Atlanta, durante el estreno de la película Lo que el viento se llevó (1939). Como los Kennedy, cinco años antes y dos meses después, fue asesinado el 4 de abril de 1968, a los 39 años. Su viuda, Coretta Scott (que interpreta en el film Carmen Ejogo), promovió una fundación a su nombre.

sábado, marzo 07, 2015

"EL FRANCOTIRADOR", EL POLÉMICO FILM DE CLINT EASTWOOD


El actor y director Clint Eastwood ha dado a luz otra obra maestra del género bélico, que está batiendo récords de taquilla en Estados Unidos, y al mismo tiempo ha provocado una polémica. ¿Se trata de un film neofascista?, como cuando protagonizó la serie de “Harry”.

El francotirador (American Sniper, 2014) es, ante todo, una película antibélica, que retrata magistralmente la posguerra en Irak -“otro pantano”, como el de Vietnam-, pero centrado en la trágica vida de un SEAL -las fuerzas especiales de la Infantería Marina estadounidense-, Christopher Kyle (1974-2013), un patriota paranoico, a quien su padre le enseñó que había de ser perro pastor y nunca lobo ni cordero. De entrada, parece que está a favor de ese héroe nacional; pues lo despidieron con honores cuando fue asesinado por otro paranoico de la guerra de Irak (estos días juzgado en USA). Sin embargo, puede leerse al revés: una reflexión sobre el fracaso del sueño americano y la creación de mitos.

A tal fin, Eastwood -que ofreció otras reflexiones críticas sobre la guerra y sus trágicas consecuencias en Banderas de nuestros padres y Gran Torino- toma pie en la biografía de Chris Kyle, un tirador de élite que mató a unos 255 iraquíes (al parecer fueron poco más de 160) para describirnos con pelos y señales la barbarie de esa guerra; una posguerra que ganó el protagonista en Irak, con la idea de defender a su país y proteger a sus compañeros, pero que perdió la batalla en su misma casa, en su propia familia.

El francotirador evidencia, por tanto, las serias contradicciones de una nación y de sus ciudadanos. De ahí que, dentro de la ambigüedad característica de las últimas películas de Clint Eastwood como director, en palabras del crítico e historiador Àngel Quintana, “es lo bastante inteligente para crear una de las visiones más desencantadas de toda su carrera cinematográfica”.

Perfectamente interpretada por Bradley Cooper, y ambientada con enorme realismo en escenarios naturales de Marruecos -parece que estemos en plena acción bélica-, El francotirador es una película muy violenta, que ya ha generado una polémica mundial. Con su nuevo biopic, el californiano Clint Eastwood (84 años) sigue dando que hablar. 

martes, marzo 03, 2015

ABBAS KIAROSTAMI, ENTRE NOSOTROS


El más famoso maestro del cine iraní, Abbas Kiarostami, ha vuelto a nuestro país para enseñar a hacer cine a los jóvenes. Si en 2006 estuvo en el CCCB para dialogar con el cineasta español Víctor Erice -allí tuve el honor de saludarle-, ahora va a impartir durante diez días un taller de cortos a 55 estudiantes y una masterclass con José Luis Guerín.

El más famoso maestro del cine iraní, Abbas Kiarostami, ha vuelto a nuestro país para enseñar a hacer cine a los jóvenes. Si en 2006 estuvo en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), para dialogar con el cineasta español Víctor Erice -allí tuve el honor de saludarle-, ahora va a impartir durante diez días un taller de cortos a 55 estudiantes.

Kiarostami (Teherán, 1940), que es un gran especialista en cine infantil -fundó en 1969 el Departamento Cinematográfico Intelectual de Niños y Adolescentes en su ciudad natal-, ha sido el creador de una escuela fílmica en su país. Destacó con su premiado tríptico ¿Dónde está la casa de mi amigo? (1987), Y la vida continúa (1992) y A través de los olivos (1994), antes de brindarnos esa obra maestra que es El sabor de las cerezas (1997). Después nos ofrecería El viento nos llevará (1999) y Copia certificada (2010), entre otras.

El maestro Abbas Kiarostami ha ejercido una gran influencia en toda una generación de cineastas iraníes, algunos tan aplaudidos como su discípulo Jafar Panahi (último Oso de Oro en el Festival de Berlín’2015 y todavía en la cárcel por su defensa de los Derechos Humanos), Marzieh Meshkini (El día que llegué a ser mujer, 2001) o Majad Majidi (El color del paraíso, 2002), que como todas sus películas testimonian la evolución de su país.

Con todo, “la sombra de Kiarostami es alargada”; pues el desaparecido maestro del cine japonés, Akira Kurosawa, se manifestó así en el Festival de Tokio’94 sobre su admirado colega iraní: “Es difícil encontrar las palabras justas para hablar de las películas de Kiarostami. Hay que ir a verlas y darse cuenta de que son simplemente maravillosas. Cuando Satyajit Ray murió [el maestro del cine indio], me quedé muy triste. Pero después de ver los filmes de Kiarostami pensé que Dios había enviado a la persona para reemplazarlo. Me pregunto -continuaba el gran cineasta oriental (que antes se había declarado ateo)- por qué los países que tienen una larga historia cinematográfica me parecen menos buenos hoy, mientras los países que poseen una cultura cinematográfica más reciente son formidables. Es una pregunta que me planteo cuando veo las películas de Abbas Kiarostami”.


Sus filmes se pueden ver en la Filmoteca de Catalunya hasta el 31 de marzo; al tiempo que la productora Black Factory ha sido la organizadora del referido taller especializado, cuyo objetivo es que los alumnos aprendan y acaben esta semana con un cortometraje bajo el brazo, mientras Kiarostami realizará también el suyo. 

lunes, febrero 23, 2015

UNOS OSCAR REIVINDICATIVOS


La 87 edición de los preciados Oscar de Hollywood ha tenido un carácter bastante reivindicativo. La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas acaba de celebrar su gran fiesta anual en Los Ángeles, para premiar las mejores producciones de 2014 y, al mismo tiempo, exhibirse las “estrellas”.

Birdman, del mexicano Alejandro González Iñárritu, ha sido la principal vencedora, con cuatro estatuillas doradas: Mejor película, Director, Guión original y Fotografía. Pero ha empatado a Oscars con El gran hotel Budapest, del también innovador West Anderson; aunque este film sólo se ha llevado los premios técnicos. En sus palabras de agradecimiento, Iñárritu -ya bien instalado en la Meca del Cine- reivindicó a los mejicanos, que sufren en su país y también en los Estados Unidos. Se trata de una autocrítica del mundo del espectáculo, realizada con originalidad, narrada a modo de un falso plano-secuencia. Boyhood -la otra original candidata, rodada durante doce años- fue la gran perdedora: sólo alcanzó el Oscar a la Mejor actriz de reparto, para Patricia Arquette, que aprovechó su discurso para pedir la igualdad laboral entre hombres y mujeres.

Los galardones a los Mejores actor y actriz fueron para Eddie Redmayne, por su impresionante creación del físico Stephen Hawking, en La teoría del todo -ganando al también sufrido protagonista de Birdman, Michael Keaton-, y para Julianne Moore, por su emotiva interpretación de una enferma de Alzheimer, en Siempre Alice.

En el capítulo de Mejor película extranjera -o de habla no inglesa, mejor- ha ganado la polaca Ida, sobre la odisea existencial de una novicia hebrea tras la II Guerra Mundial, derrotando a la nominada cinta hispano-argentina Relatos salvajes. Y casi se fueron de vacío, Clint Eastwood, con su discutido film asimismo reivindicativo, El francotirador, y la magnífica Interestellar, de Christopher Nolan. Sólo ganó cada uno un Oscar técnico.

La fiesta -que hizo un homenaje al género musical- transcurrió un tanto pesada, pero tuvo su culmen con la actuación de Lady Gaga, que interpretó la melodía de Sonrisas y lágrimas -e hizo llorar a la que fuera su protagonista, Julie Andrews-, y con la canción premiada de Selma. Ahora, los codiciados Oscars aumentarán la taquilla de los filmes galardonados en todo el mundo.

Publicado en "Opinión", http://www.diarioya.es, 24-II-2015


miércoles, febrero 18, 2015

LA HISTORIA DEL CINE MUDO NORTEAMERICANO


Amb aquest títol, continuem els cursos sobre la història del cine americà que vàrem començar amb el dedicat al film clàssic, per continuar amb el cinema modern i concloure l'any passat amb el període contemporani.

Enguany iniciem altre cicle especialitzat, ara sobre el cine mut de Hollywood, 15 joyas de la época del cine mudo de americano. Projectarem 15 obres mestres de l'època silent, però mai va ser tal perquè les pel·licules se sonoritzaven amb una orquestra o directament un piano.

Totes les sesiones tindran lloc a l'Institut d'Estudis Nord-americans (IEN), de Barcelona (Via Augusta, 123), els dimecres de 10 a 14 hores.

Presentació i col·loqui un càrrec de Josep Maria Caparrós Lera, catedràtic emèrit d'Història Contemporània i Cinema de la Universitat de Barcelona. Aquest és el Programa:

18 de febrer de 2015
Fred Niblo: La marca del Zorro (1920). 90 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
25 de febrer
David Wark Griffith: Las dos tormentas (1920). 145 min.
4 de març
Rex Ingram: Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921). 134 min.
11 de març
Allan Dwan: Robin Hood (1922). 120 min.
18 de març
Ernst Lubitsch: El abanico de Lady Windermere (1925). 85 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
 25 de març
Cecil B. De Mille: Los Diez Mandamientos (1923). 131 min.
8 d'abril
Raoul Walsh: El ladrón de Bagdad (1924). 140 min.
15 d 'abril
John Ford: El caballo de hierro (1924). 133 min.
22 d'abril
Buster Keaton: El maquinista de la General (1926). 74 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble  
29 d 'abril
Rupert Julian: El fantasma de la ópera (1925). 93 min.
6 de maig
Edmund Goulding: Anna Karenina (1927). 82 min.
13 maig
Friedrich Wilhelm Murnau: Amanecer (1927). 90 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
20 de maig
Frank Borzage: El séptimo cielo (1927). 110 min.
27 d e maig
King Vidor: ...Y el mundo marcha (1928). 90 min.
3 de juny
Josef von Sternberg: La ley del hampa (1927). 80 min.
Sonoritzada a piano pel mestre Enric Ferrer i el Grup de Cambra Tactum Ensemble
10 de juny
Sesión de clausura: Exhibición de la obra maestra de la Charles Chaplin, Luces de la ciudad (1930). 

El Departament d'Història Contemporània de la UB concedeix per 60 hores lectives 3 crèdits acadèmics als alumnes que aprofitin aquest nou curs especialitzat, L'entrada es lliure i s'expedirà certificat acreditatiu.

(Publicat també, en castellà, a DE PELÍCULA, www.diarioya.es, 22-II-2015)


martes, febrero 10, 2015

LA GRAN NOCHE DEL CINE ESPAÑOL


Una semana después de la gala de Acadèmia del Cinema Català se ha celebrado en Madrid la 29 ceremonia de entrega de premios, los “Goya”, de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. La gala, conducida con gracejo por el actor Dani Rovira, fue bastante simpática y pero demasiado larga; alcanzó las 4 horas y, al final, se hizo un tanto pesada, pese a los atractivos “números” musicales. El mundillo del cine español estaba presente; no asistió el Rey pero sí el ministro de Cultura, José Ignacio Wert, que fue un ligeramente vapuleado.

Este año, los codiciados “Goya” se concentraron en una película más minoritaria: La isla mínima, de Alberto Rodríguez, con diez premios de los diecisiete a los que aspiraba: mejor película, director, actor, vestuario, actriz revelación, montaje, dirección artística, dirección de fotografía, música original y guión original. Le siguieron dos éxitos de público del pasado año: El Niño, de Daniel Monzón, que optaba a 16 estatuillas, y Ocho apellidos vascos,  de Emilio Martínez-Lázaro, con cuatro y tres “Goya”, respectivamente.

Entre los numerosos galardones, destacaron la argentina Relatos salvajes y la polaca Ida, como mejores filmes iberoamericano y europeo; mientras el Goya de Honor fue para Antonio Banderas, que hizo un largo discurso. Igualmente, el presidente de la Academia Española, el productor Enrique González Macho, fue extenso: puso el acento en el excelente año que ha representado 2014 para el cine español, pues consiguió reconciliarse con el público autóctono –al menos, en la taquilla–, en el apoyo a los cortometrajes y en reiterar al ministro Wert que baje el IVA por el bien de la cultura en España.


La verdad, desde mi perspectiva crítica –prácticamente cada año asisto a la gala como miembro de la Academia–, todo me pareció bastante autobombo. Sin embargo, fue una ocasión para saludar a colegas y celebrar en esa gran noche el cine español de nuestros amores (y dolores). 

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 9-II-2015)

lunes, febrero 02, 2015

LA GRAN NOCHE DEL CINE CATALÁN


La Acadèmia del Cinema Català acaba de celebrar su VII ceremonia de entrega de premios, los “Gaudí”, que preceden en una semana a los “Goya” de la Academia Española. La gala, conducida por el humorista Àngel Llàcer, fue bastante brillante y dinámica, acaso también porque se realizó en el club anexo al estadio deportivo San Jordi, de las Olimpíadas de Barcelona’92. 1.800 invitados fuimos los asistentes.

Los codiciados “Gaudí” se concentraron en dos películas: El Niño, el nuevo thriller del mallorquín Daniel Monzón, con siete estatuillas doradas (técnicas), y 10.000 Km, el soporífero drama de un catalán residente en USA, Carlos Marqués-Marcet, con cinco premios (artísticos); si bien el mejor film rodado en lengua vernácula correspondió a la espléndida cinta de Maria Ripoll, Rastres de sàndal, que narra la historia de dos hermanas indias, una de ellas adoptada por una familia catalana, y la otra, convertida en una famosa actriz de Bollywood que decide viajar a Barcelona en busca de su hermana pequeña.

La presidenta de la Academia, la productora Isona Passola, hizo un discurso optimista ante las autoridades asistentes, agradeciendo la puesta en marcha de una ley que obliga a las operadoras de internet a pagar 20 millones de euros al año para financiar la producción autóctona, así como el convenio firmado el pasado jueves por la Generalitat para subvencionar el audiovisual catalán con 25 millones.

No obstante, en 2014 se produjeron en Cataluña sólo 61 largometrajes, uno de cada tres filmes producidos en España, la cifra más baja desde el año 2005. Pero en 2013 fueron 77, un volumen de producción semejante a países como Bélgica y Holanda, e inferior a Suiza; aunque cuatro de cada diez películas catalanas se produjeron en régimen de coproducción con otra empresa del Estado español. De ahí que Isona Passola animará al final a los espectadores a ir más al cine y ver películas “catalanas”.

La semana que viene daremos cuenta de la gala de los “Goya”, en Madrid, que tiene previsto la asistencia el nuevo rey de España.

sábado, enero 31, 2015

LA HISTORIA, EL CINEMA I LA RELIGIÓ ES FUSIONEN





Una guia audiovisual per entendre i conèixer la profunditat teològica de grans pel·lícules religioses

Per MONTSE PUNSODA




Pel·lícules com Àgora (2009), Noé (2014), La Pasión de Cristo (2004), La Última Cima (2010), Cristiada (2012) i d’altres més antigues, com El evangelio según San Mateo (1964) o Un hombre para la eternidad (1966), entre d’altres, s’han recopilat en el llibre Cinema, Historia, ReligiónAquest, redactat pel crític en cinema i catedràtic a la Universitat de Barcelona, Josep Maria Caparrós, i pel periodista i doctor en Teologia, Ferran Blasi, es basa en una anàlisi sobre diverses pel·lícules i la seva relació amb les tres vessants que titulen el llibre.

Cinema, Historia, Religión és la primera obra literària en castellà que desenvolupa aquestes temàtiques en el món del cinema, la qual aconsegueix ser una guia per a tot aquell espectador cinèfil interessat en el gènere cinematogràfic religiós. 

Com explica al pròleg el crític de cinema espiritual Mn. Peio Sánchez “las relaciones entre el cinema y la religión siempre han sido peligrosas”, tant per la capacitat representativa del món audiovisual, com per l'estreta línia que separa en el  la realitat de la ficció. És per això, que aquesta crítica pot ajudar tractant amb profunditat teològica les pel·lícules seleccionades, i destacant els trets més característics de cada producció, així com el perfil i el recorregut dels directors que les van crear.

El relat destaca els punts forts i els més dèbils de manera que donen les bases a l’espectador per jutjar la profunditat de tota la selecció cinematogràfica escollida. A més a més, repassa i avalua la trajectòria de directors cinematogràfics tan diferents com, Alejandro Amenabar (Agora, 2009), Giacomo Campioti (Prefiero el Paraiso, 2010), Juan Manuel Cotelo (La Última Cima, 2010), Margarethe von Trotta (Visión, 2009), Mel Gibson (La Pasión de Cristo, 2004) o Martin Scorsese (La última tentación de Cristo, 1988). 

(Publicado en http://www.esglesiabarcelona.cat/node/6998)


HISTORIA Y RELIGIÓN EN EL CINE

ALFONSO MÉNDIZ


Acaba de aparecer en las librerías Cinema, Historia, Religión, un libro interesante tanto para los amantes del Séptimo Arte, como para los estudiosos de las relaciones Cine-Historia o Cine-Religión.

Los autores son dos grandes expertos en las tres materias que el título entrelaza. José María Caparrós, Catedrático de Historia Contemporánea y Cine en la Universidad de Barcelona, dirige desde 1983 el Centro de Investigaciones Film Historia y ha publicado más de 40 libros sobre historia del cine. Ferrán Blasi, Doctor en Teología por la Universidad Lateranense de Roma, es sacerdote y ha sido periodista, abogado y maestro; es autor de 8 libros, ente ellos: Los nombres de Cristo en la Biblia y Conocer la biblia.

El presente volumen analiza 23 películas de gran calado: desde El Evangelio según San Mateo (1964), de Pier Paolo Pasolini, o Un hombre para la eternidad (1966), de Fred Zinnemann, hasta Cristiada (For Greater Glory, 2012), Un Dios prohibido (2013) o la aún reciente Noé (2014), de Darren Aronofsky. En medio, grandes hitos del cine religioso, como La pasión de Cristo (2004), de Mel Gibson, o La Natividad (2006), de Catherine Hardwicke; y también biopics [Visión (2009), sobre santa Hildegarda; Prefiero el Paraíso (2010), sobre san Felipe Neri], documentales [El gran silencio (2005), Lourdes (2009), La última cima (2010)] y filmes que unen la biografía con la ficción [Encontrarás dragones (2011)]. Finalmente, tienen cabida también algunas películas “heterodoxas”, como Je vous Salve, Marie (1984), La última tentación de Cristo (1988) o Ágora (2009), que son analizadas con serenidad, rigor histórico y visión cristiana.

Como explica en el prólogo el crítico de cine espiritual Mn. Peio Sánchez “las relaciones entre el cine y la religión siempre han sido peligrosas”, tanto por la capacidad representativa del mundo audiovisual, como por la estrecha línea que separa la realidad de la ficción. Teniendo esto muy presente, parece claro que esta crítica cinematográfica, llevada a cabo por expertos, puede ayudar a los lectores por la profundidad teológica de su análisis, por la misma selección de las películas, y por el acertado contexto que rodea a cada filme: sus características como producción artística, y el perfil cinematográfico y personal de su director.

El interés por conocer el rostro de Cristo se manifiesta hoy en día en las películas: cada nuevo filme sobre Jesús levanta inevitablemente una ola de expectación y entusiasmo. Por eso no es de extrañar que 4 de los filmes analizados tengan como figura central a Jesucristo. Pero la vida de Cristo se continúa de alguna manera en sus seguidores. Por eso las vidas de santos son el segundo gran grupo de películas: porque hoy, como ayer, sus biografías despiertan un inusitado atractivo para las generaciones actuales.

El libro tiene un gran valor. Cinema, Historia, Religión es la primera obra en castellano que desarrolla esas dos temáticas (historias y religión) en el mundo del cine. Por eso consigue ser una guía muy especial para todo espectador cinéfilo interesado en el género cinematográfico religioso.

(Publicado en http://jesucristoenelcine,blogspot.com.es, 22-II-2015)


CINEMA, HISTORIA, RELIGIÓN

J. M. Caparrós Lera / Ferran Blasi Birbe 
Editorial Balmes - Barcelona (2014)
170 págs. - 25 €
Público: AMPLIO. NO FICCIÓN

En el prólogo, Peio Sánchez -director de la Semana de Cine Espiritual de Barcelona- propone una cuestión de fondo: ¿Puede haber diálogo entre el cine, donde la imagen  -la ficción- es la única moneda legal en curso, el lenguaje  exclusivo y el transmisor del relato; y la religión que es la relación real -no ficción- entre Dios y el hombre?

Sánchez dice que estas relaciones son peligrosas. Pero son necesarias porque el cine es un canal de expresión del hombre y merece la pena analizarlo. Para ello, dos buenas plumas -y sobre todo dos grandes cabezas-, que han visto mucho cine y pueden aportar en el diálogo antes anunciado, nos ofrecen veintidós largas críticas sobre películas con temática religiosa.

Más que críticas -término que podría malinterpretarse- son auténticas disecciones de veintidós filmes, el primero de ellos de 1964, coincidiendo con el 50 aniversario del Evangelio según san Mateo, de Pasolini. Tanto para el experto en cine, como para el aficionado, este libro es, más que una interesante aportación, una joya. 
                                                         
                                                                                         DARIO CHIMENO

(Publicado en Mundo Cristiano, núm. 656, marzo 2015, p. 66)



En cierto modo, La Pasión de Cristo (2004), del polémico director Mel Gibson, abrió la veda hollywoodiense para volver a tratar el hecho religioso. Las grandes productoras de la Meca del Cine, quizá arrepentidos por haber dado la espalda a la obra cinematográfica –pictórica, cabría decir– de Gibson, vieron un filón monetario muy interesante: The Passion es, hoy, una de las diez películas más taquilleras de todos los tiempos –600 millones de dólares en taquilla– y, al salir en DVD, sólo en Estados Unidos, se vendieron nueve millones de copias. Y, ¿quién no se emociona, aún, viéndola, en torno a Semana Santa, para rememorar –y vivir– los hechos acaecidos hace dos mil años?

Lo intentaron con El Código da Vinci (2006) –un fracaso de crítica y público, como bien recuerda el libro que nos atañe–; y también lo intentó el cine español, con la insulsa Teresa, el cuerpo de Cristo (2007), otro fracaso. En cambio, cuando se ha tratado de obras, en principio, “mínimas”, pero honestas, tanto el público como la crítica han respondido muy positivamente. Honestas en cuanto que miran, no juzgan: ahí están, por ejemplo, El Gran Silencio (2005) –una especie de “retiro cinematográfico”– o la obra maestra De dioses y hombres (2010).

Es así: lo religioso interesa; y quien piense o diga lo contrario, a este libro me remito. Cinema, historia y religión, de Josep Maria Caparrós Lera, catedrático de Historia Contemporánea y Cine (Universidad de Barcelona) y Ferran Blasi i Birbe, teólogo y periodista, a través de 22 reseñas cinematográficas, analizan este hecho religioso a la luz de la evidencia histórica y cultural. No hacen –no han pretendido hacerlo– un estudio exhaustivo del cine religioso a lo largo de la historia, pero eligen una serie de películas con las que hacen ver al lector que, detrás de este género cinematográfico, hay unas personas, unos modos de ver la vida que dan indicios de cómo es la sociedad –la historia– del momento de la película.

Así, como explica Peio Sánchez, profesor de la Facultad de Teología de Cataluña, en el prólogo, desde el “ateísmo beligerante de Alejandro Amenábar, la perspectiva de crítica cultural de la religión de Nanni Moretti, la distancia amable de Emilio Estévez, el agnosticismo inquieto espiritualmente de Philip Gröning, Roland Joffé y Jessica Hausner, el catolicismo distante de Martin Scorsese, o la militancia de Mel Gibson, Juan Manuel Cotelo, Dean Wright, Fernando Muraca o Pablo Moreno”, el tándem Caparrós-Blasi examina con detalle la teología –o ateología buscada– de cada película, sus características cinematográficas y el valor que tienen en la historia del cine.

Un libro muy bien editado por la Editorial Balmes, imprescindible para los amantes del cine; no solo religioso, sino más bien espiritual: es decir, el que habla del hombre.

JAUME FIGA

(Publicado en Aceprensa, 30-III.2015)


El catedrático de Historia del Cine José María Caparrós Lera y el sacerdore Ferran Blasi ofrecen, en el libro Cinema, Historia, Religión (ed. Balmes), un excelente panorama de las películas recientes que, de una forma u otra, abordan la cuestión del hecho cristiano. Estas 167 páginas proponen una cuidadosa selección de 23 filmes, que tocan todas las perspectivas posibles: películas sobre Cristo, biopics de santos, películas frontalmente anticristianas, cintas sobre exorcismos -tan de moda-, documentales y películas más metafóricas. De cada película, se brinda una cuidadosa reflexión crítica, rica en claves de interpretación, y siempre acompañadas de fotogramas seleccionados y de la ficha técnica de rigor. Un libro, además, de gran utilidad pedagógica, que cuenta con un brillante prólogo del teólogo del cine Peio Sánchez.

JUAN ORELLANA

 (Publicado en Alfa y Omega, 21-V-2015)
  

(Ver también entrevista, en http://www.cineylibertad.com/cinema-historia-religion/)