domingo, abril 13, 2014

PIXAR: 25 AÑOS DE ANIMACIÓN


Con este título, se ha inaugurado en CaixaForum, de Madrid, una impresionante muestra de la firma más vanguardista del cine de animación, ahora en manos de la factoría Walt Disney.

Esta gran exposición reúne 402 piezas -entre dibujos, guiones, maquetas, esculturas de resina, vídeos e instalaciones-, ordenadas en torno a tres ejes: el personaje, su mundo y su historia. Inaugurada en el MoMA de Nueva York, conmemora el cuarto de siglo de existencia de una compañía que fundó Steve Jobs. Bajo la dirección de Elyse Klaidman, directora de Pixar University, esta exposición está recorriendo medio mundo, y posee el propósito de que el público pueda ver e incluso tocar el trabajo de los artistas. “No hablamos de tecnología. Es otra cosa: es arte. El ordenador es una herramienta que usamos como un pincel”, afirmó la comisaria de la muestra. Pues Pixar no sólo revolucionaría la industria del entertainment, sino que ha transformado la mirada del espectador. De ahí que en 2006, la major de Disney comprara Pixar a Jobs por 7.400 millones de dólares, antes de aquella histórico productora fuera barrida por el cine de animación digital.

Con 26 Oscar de Hollywood en su haber y 12 largometrajes, un grupo de artistas con talento dirigido por el genial John Lasseter  ha realizado películas de tanto éxito como la trilogía de Toy Story, filmes magistrales como Wall-E (2008) y Up (2009), la más reciente Brave (2012) o la nueva película de Pete Doc, Inside Out, que cuenta lo que ocurre en la cabeza de una niña de 13 años en 129.600 fotogramas de animación.

No se pierdan estos días la exposición, con sus hijos. Estará abierta en Madrid hasta el 22 de junio. Después se trasladará a Zaragoza y Barcelona.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 13-IV-2014)


lunes, marzo 31, 2014

CINECITTÀ, EL HOLLYWOOD ITALIANO EN PELIGRO


Los estudios más famosos y grandes de Europa, Cinecittà, están en peligro de extinción. Más de 3.000 películas se rodaron en este Hollywood italiano, cuyas instalaciones de 400.000 metros cuadrados ahora están a punto de caer en manos privadas, para levantar un complejo de hoteles, restaurantes, gimnasios, centros de belleza, piscinas y un gigantesco parking subterráneo.

El pasado verano me dirigí al 1055 de la Via Tuscolana de Roma, a fin de visitar los estudios y me encontré que eran un museo y prácticamente sólo rodaban para televisión: Grande Fratello, entre otros programas. Allí se conservan los decorados de películas del género peplum y spaghetti-western, pues en Cinecittà se realizaron producciones como Quo Vadis? (1951), de Mervyn LeRoy, Guerra y paz (1956), de King Vidor, Ben-Hur (1959), de William Wyler, Cleopatra (1963), de Joseph L. Mankiewicz… hasta la moderna Gangs of New York (2002), de Martin Scorsese, y muchos filmes de Federico Fellini, que al morir en 1993 su capilla ardiente fue instalada en el plató número 5, todavía hoy el mayor de Europa: 2.873 metros cuadrados. Y allí actuaron muchas “estrellas”, como Audrey Hepburn, Gregory Peck, Liz Taylor, Richard Burton, Frank Sinatra, Robert Taylor, Anita Ekberg, Kirk Douglas, Ava Gardner y tantas otras.


Cabe recordar que los estudios de Cinecittà fueron fundados por Benito Mussolini, en 1937, con ánimo de emular a la Meca del Cine (ese mismo año se realizaron 19 películas), y tuvieron su época de oro entre 1949 y 1964 -impulsados por Giulio Andreotti-, con 1.200 empleados (hoy quedaban unos 200). En los últimos años, en agosto de 2007, sufrieron un incendio que destruyó 4.000 metros cuadrados, y otro en 2013, que arrasó el set donde se rodaba El Gran Hermano italiano. Fortuitos o no, algunos aseguran que han sido provocados para acabar con Cinecittà y aprovechar sus vastos terrenos para inversiones inmobiliarias. De ahí que hace unos días, un centenar de personas, con el cineasta Ettore Scola al frente, protestaran ante la sede del Ministerio de Cultura de Roma para salvar el viejo Hollywood italiano.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 7-IV-2014) 

lunes, marzo 17, 2014

BULLYING, EN EL II CONGRESO DE CINE Y EDUCACIÓN



“Con el subtítulo “Poner freno al bullying, respetar a las personas” se ha celebrado en Barcelona el II Congreso de Cine y Educación, organizado por la asociación CinemaNet. Bajo la dirección del profesor Daniel Arasa, cerca de un centenar de especialistas se reunieron el pasado fin de semana en la Universitat Abad Oliba-CEU para tratar del acoso entre alumnos y sobre los profesores a través del cine.

En la sesión de apertura se proyectó una película española sobre el tema, Bullying (2009), de Josecho San Mateo. El propio director presentó su film y dirigió el coloquio entre el numeroso público asistente. Seguidamente, tuvo lugar la primera mesa redonda del congreso, con la participación de especialistas como el psiquiatra infantil Paulino Castells, que trató de las características psicológicas del agresor y del agredido en el bullying escolar, el crítico cinematográfico Miguel Fernando Ruiz de Villalobos, que ofreció una panorámica histórica del acoso escolar en la pantalla, y el director general de la Conselleria d’Ensenyament de la Generalitat de Catalunya, Miquel Garcia.

Las sesiones siguieron al día siguiente, con intervenciones de igualmente reveladoras -de un abogado, una fiscal y un policía-, junto a otras mesas redondas protagonizadas por pedagogos, o la disertación de la catedrática Gloria Tomás y Garrido sobre “El profesor ¿acosado? en el cine contemporáneo”.

En la sesión de clausura se otorgaron los Premios Cinematográficos “Familia” a la actriz catalana Montserrat Salvador, y a los Mejores filmes estrenados en  2013 por contener valores humanos, familiares y educativos, que correspondieron a las películas japoneses Una familia de Tokio y De tal padre, tal hijo, y a la china Una vida sencilla

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 20-III-2014) 

lunes, marzo 10, 2014

ADIÓS AL CINE ANALÓGICO


Estamos en plena revolución tecnológica. Como ya anunciamos, las películas de celuloide, en 35 mm, van a desaparecer. Es el final del cine analógico. Durante el 2014 se dejarán de distribuir copias en este formato tradicional. Es más, la mayoría de salas cinematográficas ya proyectan los filmes en sistema digital. Hemos entrado en una nueva era del séptimo arte.

Actualmente, en España hay 3.813 cines censados, de los cuales casi el 80 por ciento están digitalizados. En Europa Occidental y Asia ya tienen el 90% de salas con este sistema, mientras que en Estados Unidos han llegado al 92%. Están retrasadas Sudamérica y África, con sólo el 60 por ciento de pantallas reconvertidas. Francia va a la cabeza de todos los países, con el cien por cien de los cines digitalizados, gracias a las ayudas públicas y a una legislación proteccionista; le siguen Gran Bretaña, Dinamarca, Suecia, Holanda y Suiza, e Italia va algo más retrasada. 

Los productores y grandes distribuidores de Hollywood, que tienen el 70% del mercado mundial, son quienes están implantando este nuevo sistema, pues han establecido acuerdos comerciales con los exhibidores para compartir financieramente  este cambio tecnológico. Aun así, anuncian el final del soporte de celuloide y la total digitalización de las salas durante el presente año. En 2015 ya no fabricará la vieja película Kodak. Adiós al cine analógico.


Con todo, el formato de 35 mm, con la película de celuloide, seguirá conservándose y proyectándose en las filmotecas, mientras no se pasen las copias al sistema digital. En realidad se parece a la transformación que ha sufrido el libro en papel, ahora editado y popularizado en formato electrónico. Pronto los románticos del arte de las imágenes añoraremos el cine de antes. Pero siempre nos quedará… Cinema Paradiso. 

lunes, marzo 03, 2014

UNOS OSCAR "POLÍTICAMENTE CORRECTOS"


La ceremonia de los Oscar de Hollywood ha sido el evento más esperado del pasado fin de semana. El glamur ha centrado la atención de todos los mass-media del mundo, así como los modelos que exhibían las estrellas de la Meca del Cine.

El reparto de estatuillas doradas ha sido, como casi todos los años, el previsto: premios para todos los gustos. Pero, en la 86 edición, los académicos de Hollywood han optado por lo “políticamente correcto”, que es lo que está de moda.

De ahí que los principales Oscar hayan recaído en Gravity y 12 años de esclavitud. El film del mexicano Alfonso Cuarón ha superado en premios a la película del británico Steve McQueen: 7 a 3. Es el triunfo del 3D sobre el biopic histórico. Mientras la obra alternativa de Alexander Payne (Nebraska) ha quedado en el olvido, al igual que las ambiciosas producciones de Martin Scorsese (El lobo del Wall Street) y David O. Russell (La gran estafa americana), que se han ido de vacío.

Aun así, estos últimos filmes reflejan la crisis moral y económica actual, al igual que Blue Jasmine, de Woody Allen, que ha sido galardonado con el Oscar a la Mejor actriz. Cate Blanchett ha conseguido por esta gran interpretación su segunda estatuilla, y Sandra Bullock no ha logrado su doblete por Gravity.


Por último, la Mejor película de habla no inglesa fue para la ya galardonada La gran belleza, de Paolo Sorrentino. Y el cine español ha estado presente con el cortometraje de Esteban Crespo, Aquel no era yo, sobre los niños-soldado utilizados en conflictos armados de 21 países del mundo. Pero el Oscar ha ido para un corto acerca del Holocausto, que es más “políticamente correcto”. 
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 4-II-2014)

sábado, febrero 22, 2014

NOLLYWOOD EN NIGERIA



No me he equivocado. Se trata del Hollywood africano, que se denomina Nollywood y está localizado en Nigeria, un país convulso en guerras intestinas.

Ciertamente, la industria del cine de Nigeria es la segunda que más películas de largometraje produce en el mundo, después de la India y por delante de Estados Unidos, donde está la vieja Meca del Cine, según el último informe del Instituto de Estadística de la Unesco. Veamos los datos ofrecidos de los diez principales países productores de filmes: India, 1.200 películas anuales; Nigeria, 987; Estados Unidos, 694; China, 475; Japón, 448; Rusia; 253; Francia, 230; Alemania, 216; España, 186; y Corea del Sur, 158.
 
Pero volviendo a Nollywood, Nigeria y su capital Lagos poseen una de las industrias más boyantes, pues genera entre 300 y 500 millones de dólares al año y emplea de forma directa a 300.000 personas e indirectamente a más de medio millón.
 No obstante, la mayoría de los filmes de Nollywood se ruedan o graban en una o dos semanas, con un modesto presupuesto (entre 7.500 y 12.000 euros) y se venden en DVD por las calles y los mercados a 200 nairas (un euro) por copia. Aun así, fuentes de la industria de Nigeria estiman que por cada película legal, hay entre cinco y diez copias piratas.

Sólo una minoría de los filmes de Nollywood se exhibe en salas; pues la mayoría no se distribuye en los cines y muchos se venden en Nigeria (entre 20.000 y 200.000 copias) o en países vecinos. Pocos se convierten en clásicos, pues algunos muestran la manera de vivir de un pueblo. Unas películas acaso ayudan a “soñar despiertos” a los habitantes de la nación más poblada de África (170 millones).
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 26-II-2014)

 

 

sábado, febrero 15, 2014

PREMIOS "GOYA": UNA GALA SOPORÍFICA


La gala de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España provoca cada año polémica en la prensa. Pero, una semana después del evento, quería hacer unas consideraciones no políticas sobre los galardones de este año.

La 28 edición de los "Goya" han tenido dos protagonistas principales: David Trueba (foto) y su film minoritario Vivir es fácil con los ojos cerrados, que se llevó los seis premios más importantes, entre ellos Mejor película, Director y Guión original y Actor (Javier Cámara); y otra desmadrada cinta comercial de Álex de la Iglesia -ausente en la ceremonia (como el ministro de Cultura) -, Las brujas de Zugarramurdi, que obtuvo ocho "Goyas" técnicos. La perdedora fue La gran familia española, de Daniel Sánchez Arévalo, que es una comedia destructiva sobre la institución familiar; mientras Amour, del austríaco Michael Haneke, una ambigua película sobre la eutanasia, obtuvo el "Goya" a la Mejor película europea.

Por tanto, filmes de low cost, como La herida, del debutante Fernando Franco, y la galardonada de David Trueba -que tuvo muy poco éxito de público, y ahora se reestrena en 60 salas de toda España- han sido los premios del cine español de este año pasado de crisis, como comentó el presidente de la Academia, el productor, distribuidor y exhibidor Enrique González Macho, dentro de una gala bastante reivindicativa, sosa y soporífera, presentada con muy poca gracia por Manel Fuentes.

Más emotivo resultó el "Goya" de honor para el veterano Jaime de Armiñán, que tampoco estuvo demasiado acertado en sus tristes comentarios de agradecimiento, así como los profesionales españoles que han desaparecido este año: los tradicionales In memoriam de 2013 dedicados a Alfredo Landa, Sara Montiel, Manolo Escobar, Pepe Sancho, Maruja Asquerino, Constantino Romero, Amparito Rivelles, Lolita Sevilla... hasta los realizadores Bigas Luna y Jesús Franco, o el productor Elías Querejeta -cuya hija, Gracia Querejeta, merecía ser premiada por 15 años y un día-, entre muchos otros.


Estamos en un momento difícil para el cine autóctono, como ya hemos comentado en este blog. Esperemos que el Gobierno baje el IVA del actual 21 por ciento al 10%, como ha hecho con respecto a la compra de obras de arte e implantado más dureza en la piratería; pues las películas españolas siguen teniendo poca asistencia de espectadores.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 17-II-2014) 

sábado, febrero 08, 2014

UNOS "GAUDÍ" BIEN REPARTIDOS



Desde hace seis años, los premios cinematográficos “Gaudí” preceden en Cataluña a los “Goya” de la Academia española. Una gala poco politizada, si no hubiera sido por la protesta ante la alfombra roja de los trabajadores en huelga de TV3 y los bomberos de la Generalitat.

Los últimos días, la película apocalíptica de los hermanos Àlex y David Pastor, fue la vencedora al hacerse con siete galardones; mientras la debutante Neus Ballús se llevó los cuatro más preciados: Mejor film en catalán, Dirección, Guión y Montaje por su documental La plaga.

Asimismo, Nora Navas y Clara Segura, protagonistas de la película de Mar Coll, Tots volem el millor per a ella, obtuvieron los “Gaudí” de interpretación, junto a José Sacristán y Ramon Madaula, por El muerto y ser feliz y La por, respectivamente.

Por otra parte, uno de los momentos más emocionantes de la fiesta de la Acadèmia del Cinema Català se produjo cuando la veterana actriz Julieta Serrano recogió el “Gaudí” de Honor-Miquel Porter a la Mejor trayectoria profesional, con el público aplaudiendo puesto en pie.

Muy comedida estuvo la productora Isona Passola, presidenta de la Academia catalana, en su discurso anual. Esta 6ª gala fue presentada con brillantez por el polifacético showman Àngel Llàcer y producida por Gestmusic, secundados por el pianista Manu Guix.

La semana próxima daremos cuenta de la fiesta del cine español, con la 28 edición de los “Goya”.

(Foto: Maria Lluïsa Pujol)

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 9-II-2014)



jueves, enero 30, 2014

EL CINEMA PACIFISTA DE LA GRAN GUERRA

HOLLYWOOD S'OBRE PAS
El conflicte bèl·lic va col·lapsar Europa i va accelerar el domini del cine dels EUA

BERNAT SALVÀ


Més enllà de la manera com el cinema la va reflectir, la Gran Guerra va tenir una incidència decisiva en la història del cinema: “La guerra del 1914 va marcar la decadència del cinema europeu i l'establiment de la supremacia nord-americana”, afirma l'historiador i periodista francès Georges Sadoul aHistoire du cinéma mondial. “Per al cinema –afegeix–, com per a la indústria i les finances, la guerra havia accelerat una evolució ja prevista pels esperits clarividents [...]. Els deu anys que van seguir la Primera Guerra Mundial van ser per al cinema nord-americà un període de prosperitat conqueridora. Els films estrangers van ser eliminats dels programes de les 20.000 sales dels EUA. A la resta del món, els films nord-americans ocupaven de vegades del 60 al 90% de la programació.”

El catedràtic d'història contemporània i cinema Josep Maria Caparrós ens ha proposat que citem Georges Sadoul, i ell mateix ens parla de com va afectar la guerra les indústries cinematogràfiques dels països en conflicte: “Europa va quedar paralitzada. En canvi, els Estats Units, gràcies a la Primera Guerra Mundial, van passar a dominar el mercat internacional. Abans, França, Alemanya, els països nòrdics... eren grans productors. Hollywood va colonitzar els mercats.”

El cinema i la història

Josep Maria Caparrós és també director del Centre d'Investigacions Film-Història, un laboratori de recerca creat el 1983 al departament d'història contemporània de la UB. “L'objectiu és utilitzar el cinema com a font històrica per explicar les societats, sobretot les pel·lícules de ficció, i també els documentals”, explica. Han promogut tesis doctorals i han publicat nombrosos llibres. “Estudiem des de les pel·lícules coetànies fins a determinats períodes històrics fins als films evocatius i de reconstrucció històrica: com interpreten el passat des del present. El context influeix molt en la revisió del passat, i, de fet, molts films històrics parlen més del present que del passat. És el cas, per exemple, de La marsellesa [Jean Renoir, 1938], que mostra com es veu la Revolució Francesa des del Front Popular.” Josep M. Caparrós cita també com a referent per a aquests temes Marc Ferro, un important teòric del cinema i la història


(Ver reportaje completo en EL PUNT AVUI, 30-I-2014, pp. 34-35,

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martes, enero 28, 2014

FILMOGRAFÍA BÁSICA DE LA I GUERRA MUNDIAL

Kirk Douglas, en Paths of Glory

Con motivo del centenario de comienzo de la Gran Guerra, ofrecemos un breve elenco filmográfico de las principales películas sobre la conflagración de 1914-1918. La mayoría son clásicos, que se pueden encontrar en vídeo (por orden de años de producción):

-        1915: La Cruz de la Humanidad (Civilization), de Thomas H. Ince (USA)
-        1918: ¡Armas al hombro! (Shoulder Arms!), de Charles Chaplin (USA)
-        1925: El gran desfile (The Big Parade), de King Vidor (USA)
-        1927: Alas (Wings), de William A. Wellman (USA)
-        1930: Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front), de Lewis   Milestone (USA)
-        1930: Cuatro de infantería (Westfront 1918), de G. W. Pabst (Alemania)
-        1932: Adiós a las armas (A Farewell to Arms), de Frank Borzage (USA)
-        1934: La patrulla perdida (The Lost Patrol), de John Ford (USA)
-        1937: La gran ilusión (La Grande Illusion), de Jean Renoir (Francia)
-        1941: El sargento York (Sergeant York), de Howard Hawks (USA)
-        1957: Senderos de gloria (Paths of Glory), de Stanley Kubrick (USA)
-        1957: Adiós a las armas (A Farewell to Arms), de Charles Vidor (USA)
-        1959: La gran guerra (La grande guerra), de Mario Monicelli (Italia)
-        1964: Rey y Patria (King and Country), de Joseph Losey (GB)
-        1996: Capitán Conan (Capitaine Conan), de Bertrand Tavernier (Francia)
-        2005: Feliz Navidad (Joyeux Noël), de Christan Carion (Francia-Alemania-GB)
-        2011: Caballo de batalla (War Horse), de Steven Spielberg (USA)

Y si quieren saber más, recomiendo este reciente libro de Emilio G. ROMERO: La Primera Guerra Mundial en el cine. El refugio de los canallas, Madrid, T&B Editores, 2012, 315 pp.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 27-I-2014; y también en www.cinemanet.info)


martes, enero 14, 2014

La exposición L'EXPERIÈNCIA MÀGICA DEL CINEMA abre de nuevo sus puertas en la UB

                                      Un grupo de estudiantes de Hong Kong inauguró ayer la reapertura de la expo

Nueva oportunidad para visitar la exposición “L’experiència màgica del cinema”, inaugurada el 15 de octubre de 2013 en el vestíbulo central del Edificio histórico de la Universidad de Barcelona (UB), que debido a la buena acogida que ha tenido se ha prorrogado hasta el 28 de febrero de 2014 abriendo el lunes 13 de enero de nuevo sus puertas.
Comisariada por Josep M. Caparrós, director del Centro de Investigaciones Film-Historia de la UB, la exposición está organizada por la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó, con el apoyo del Vicerrectorado de Relaciones Institucionales y Cultura de la Universidad de Barcelona y la colaboración de Apuntolapospo y Kelonik.

La reapertura de la exposición incorpora una novedad, el proyector “Pathé” de película muda de 35 mm, fabricado en París en 1913, que se encuentra en el inicio de la exposición funcionará. Aunque en su época la fuente de luz se generaba mediante carbones, Josep M. Queraltó ha hecho una adaptación sustituyendo el sistema antiguo por uno eléctrico. La adaptación incluye también un engranaje especial que permita ver la película como un sin fin para evitar tener que cambiar las bobinas.

La buena aceptación de las seis mesas redondas celebradas en el Aula Magna de la UB, así como de la conferencia “Un museo de cine, es posible en Barcelona?”, que tuvo lugar en el Paraninfo con una alta asistencia de público, ha llevado a la programación de dos nuevas mesas redondas: “Cortometrajes: ¿misión imposible?” el 23 de enero, y “Actores y actrices: sonrisas y lágrimas” el 10 de febrero, ambas se celebrarán  en el Aula Magna de la UB a las 19h.

(Publicado en http://coleccionjmqueralto.blogspot.com, 13-I-2014)

martes, enero 07, 2014

LA INÉDITA ÓPERA PRIMA DE ORSON WELLES


Ese genio del cine llamado Orson Welles no debutó con el magistral Ciudadano Kane (1941), considerado como uno de los mejores filmes de todos los tiempos, sino con un largometraje titulado Too much Johnson (1938), protagonizado por Joseph Cotten (foto).

Ciertamente, tres años antes que realizara su película más emblemática, Welles rodó una película de 70 minutos que había de servir como prólogo a los tres actos de la obra escénica homónima que estaba preparando durante su etapa en el Mercury Theatre, y la cual se creía desaparecida por el incendio de su casa de Madrid.

No obstante, el verano pasado apareció una copia en un almacén de Italia, exhibiéndose en el célebre Festival de Cine Mudo de Podenone. Y ahora se presenta en la Filmoteca de Catalunya y en las otras cinematecas españolas, perfectamente restaurada. Según el especialista Esteve Riambau, Too much Johnson, “es una rareza, con el valor de la pieza arqueológica perdida y recuperada”.

Pobablemente, esta ópera prima de uno de los grandes maestros del Séptimo Arte viajó con Orson Welles de Madrid a Italia y acabó en un almacén. Al parecer, el incendio de su casa de Madrid no fue tan aparatoso como decía el cineasta; pues de todos es conocida -según algunos biógrafos- la fantasía de Welles al narrar hechos de su vida, como cuando dijo ante la TV francesa que había visto una película de dibujos animados realizada por Francisco Franco que nunca existió.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 13-I-2014)


martes, diciembre 31, 2013

“Mi vida ha sido el cine. El cine refleja la vida. La película es una radiografía de lo que pasa en el mundo

José María Caparrós (Barcelona, 1943) es Catedrático de Historia Contemporánea y Cine en la Universidad de Barcelona. Doctor en Filosofía y Letras, su vida está escrita por el cine: es Director del Centre d’Investigacions Film-Història, Miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, Miembro de la Acadèmia del Cinema Català, Vicepresidente de CinemaNet y ha sido premiado por el Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) con la Medalla a la Mejor Labor literaria y periodística por toda su trayectoria profesional. Después de aportarnos su visión general en la entrevista que nos concedió para Cinéfilos sin Fronteras, hablamos más a fondo con quien ya de pequeño era llamado Gary (como Gary Cooper), para seguir deleitándonos con sus conocimientos y opiniones en esta conversación sincera, didáctica y llena de amor por el cine. En ella nos habla del nacimiento y posterior politización del Festival de Sitges, de su mala experiencia en Cuba debido a la falta de libertad en la isla, de la importancia de la música en el cine y del buen nivel de calidad actual de la industria española, así como del sentido del cine y sus propios proyectos y experiencias profesionales.

Barcelona | Nerea Madrazo / Sergio Cuenca, LGEcine.org

José Ignacio Wert anunció en el 61º Festival Internacional de cine de San Sebastián la introducción de una asignatura de educación audiovisual. ¿Qué le parecen a usted las palabras del ministro de Educación, Cultura y Deporte? Tal asignatura, ¿llega en el momento adecuado o podría haberse implantado mucho antes?
Son unas palabras muy importantes. Se tenía que haber hecho mucho antes. Es una asignatura pendiente desde que Miquel Porter organizó las primeras clases en colegios en los años 60 con su mujer, y yo en los 70 en Barcelona. Muchos pedagogos hemos visto que era necesario enseñar cine en las escuelas porque la gente ha de prepararse para el mundo audiovisual, no sólo para hacer cine sino para captar las imágenes, para entender las películas, para no ser manipulados por las imágenes, etc. Ha llegado tarde porque en Francia se puso a principio de este siglo y había pedagogos que años atrás enseñaban. Ya veremos si ya se pone en marcha.
¿Hay en algún otro país donde se haya implantado?
En Inglaterra, Estados Unidos, etc. El audiovisual es muy importante.
¿Usted qué plan educativo pondría a dicha asignatura de cine?
Tendría que ser audiovisual, no sólo cine. La base seria conocer el lenguaje del cine, la sintaxis cinematográfica, la historia y luego análisis de películas y los grandes directores. También hay libros especializados para esto. Yo también he publicado al igual que discípulos míos sobre el tema, siendo el último que escribieron Juan Vaccaro y Tomás Valero “Nos vamos al cine. La película como medio educativo”, un libro que publicó la Universidad de Barcelona en 2011.
Sin perder de vista el tema de los festivales, tenemos aquí de forma inminente el Festival de Cinema Fàntastic de Sitges*. ¿Qué puede contarnos al respecto sobre dicho festival? (*Esta entrevista fue realizada antes del Festival de Sitges 2013)
Yo fui jurado en la quinta edición y estuve desde el primero, quedándome luego otros diez años más. Es un festival importante, el cual debería ser el más importante de cine fantástico y de terror. El gobierno catalán se hizo con el Festival y lo ha institucionalizado. Ahora ha evolucionado mucho hacia el canibalismo, ciencia ficción, zombis, etc. Y a mí este tipo de terror duro nunca me ha gustado, pero tiene muchos aficionados.
¿Podría ser una moda?
Sí, una moda, pero cuando empezamos recuperamos todas las grandes películas de ciencia ficción, los clásicos fantásticos, etc. Era una maravilla pero claro, todo ha evolucionado y se han metido cosas como el erotismo, sadismo, etc. Yo me retiré y vi que no era lo mío. Cosas desagradables a mí no me van.
¿Le parece curioso que alberguemos un festival así pese a que si miramos nuestro pasado cinematográfico, el género fantástico o de ciencia ficción no sea el que más abunde?
Sí. Yo creo que hay que ir a este festival porque sobre todo se hacen homenajes a clásicos, a veces monografías o ciclos monográficos y eso es interesante. Si hicieran un homenaje a un género concreto a clásicos o a un estilo concreto dentro del género de terror entonces tendría una mayor entidad, porque tienen mucho público también. Pero en fin, lo que hacen es también películas más impactantes o promocionar las películas de la escuela de L’ESCAC.
¿Con qué intención nació el Festival de Sitges?
Lo montó un aficionado a la fotografía, Antonio Ráfales, quien se asesoró de un especialista de terror (del cual no me acuerdo de su nombre) y entonces hicieron recuperar el género. Primero era fantástico, luego entró el terror y cuando ya la Generalitat lo cogió, entró todo este cine comercial que conocemos. Cuando eso sucedió, a Ráfales lo quitaron de la dirección y pusieron un director desde el gobierno catalán.
Háblenos un poco de usted. Siendo una persona que ha dedicado su vida al cine, ¿Le ha sido difícil combinar vida privada con profesional?
No me ha sido difícil porque soy soltero y mi vida ha sido dedicada el cine. Es como si me hubiera casado. Entonces toda mi vida profesional ha sido la dedicación al cine, a su enseñanza, a publicar libros sobre cine, ser crítico de cine, etc. Entonces mi vida ha sido el cine.
¿Nunca ha querido tirarse a la piscina y hacer algo de cine?
No sé hacer fotografías, por lo tanto no sé hacer películas, es decir, hay que saber. Yo soy un teórico, un historiador. Aunque hay teóricos que se han dedicado a hacer películas, siendo su excusa para poder dedicarse a hacer cine. Uno de ellos es Fernando Truebaque fue crítico en El País haciendo una revista que montó que se llamaba Casablanca.
Cambiando de tema, ¿Podría explicarnos si a lo largo de la historia del cine, la incursión de la música es importante a la hora de visualizar una película? ¿Podemos relacionar música y cine de tal modo que una mala banda sonora puede arruinar por completo una película y viceversa?
Sí. Ha habido grandes músicas que han hecho historia en películas tan flojas como la trilogía del dólar de Sergio Leone: con la música de Morricone la levantaron. De Lo que el viento se llevó hizo la música Max Steiner. Es una película de una novela muy floja pero que ha sido un hito en la historia del cine. En 2001: Una odisea en el espacio hicieron una música especial para la película pero Kubrick cogió clásicos para poner en la banda sonora. La banda sonora es muy importante en el cine, pero en la época muda también se hicieron obras maestras que no tenían música. El cine tampoco llegó a ser realmente mudo porque se tocaba piano en las películas, y las grandes películas tenían una orquesta. ¿Algún ejemplo? No soy entendido en música. Lo que ocurre muchas veces que me meto tanto en las películas que no me entero a veces de la música en sí. Es curioso, ya que hay gente que lo vive, pero yo no es que me entere mucho.
Según ha explicado a sus alumnos, este curso 2013-14 será su último como docente. ¿Qué siente sabiendo eso? ¿Le gustaría seguir ejerciendo?
Sí. Y voy a seguir ejerciendo. Me ha llegado una carta del rectorado porque cumplo 70 años en la que me retiran, porque es obligatorio y hay que dejar paso a los jóvenes. No obstante voy a seguir como emérito aunque sin dar clases porque no se permite, pero sí he conseguido en el Institut d'Estudis Nord-americans dar cursos programados para estos dos próximos dos años, si Dios me da salud. No sé hacer otra cosa.
Usted ha viajado y ha visto mucho por el mundo, ¿Podría contarnos una anécdota que recuerde con aprecio y nostalgia? ¿Y un mal recuerdo?
Hollywood, cuando lo visité. Fue residir en el Marmont Hotel, donde habían vivído Marilyn Monroe y Humphrey Bogart. Después, pasear por Sunset Boulevard o ir al paseo de las estrellas y ver a mi ídolo, Gary Cooper, y ver sus huellas. Eso fue un gran recuerdo de Hollywood. También visité los estudios Universal en los que te pasean con un trenecillo y te enseñan Tiburón, la casa de Psicosis, etc. Son vivencias, aunque la más impresionante fue cuando vi cómo rodaban una escena con un caballo de cartón y un mar que se movía pero que era de plástico, y que al pasarla en pantalla parecía verdad. Esto me impresionó.
El mal recuerdo fue cuando fui a Cuba, en el que fui jurado del Festival de la Habana y me siguió un policía todos los días y al cuarto día me entrevistó un agente de Fidel Castro, porque sospechaban que luchaba contra la dictadura de Fidel, pues habían llegado unos catalanes de Convergencia que se habían manifestado contra la dictadura y se habían refugiado en una iglesia. Como yo era catalán pensaron que tenía alguna relación porque fui de jurado y presidente, y quizás esto les desconcertó y pensaron que tenía relación. Me manipularon el ordenador, los e-mails, me habían espiado… Fue desagradable porque pensé que estos hechos sucedan en el 2010 cuando ya se ha acabado el comunismo y que ocurran estas cosas en pleno siglo XXI me pareció deplorable. No volveré allí hasta que no haya libertad.
¿Qué cree que debería replantearse la industria española de cine para poder captar a más espectadores en las salas de cine?
Estamos en un momento crítico en el que el cine español está desprestigiado y no se lo merece porque hay buenas películas. El gran público les sigue llamando al cine “españoladas”. Hay que hacer un cine que conecte más con las vivencias de la gente, un cine que refleje la sociedad y las mentalidades de los problemas de la gente joven. Han de acercarse más a la gente, un cine nuevo. Hacer cine de calidad y que la gente se sienta identificado con aquello. Aunque no sé qué hay que hacer, pero hay que ganarse al público y que vean que las películas españolas son tan buenas como cualquier otras. Lo hemos visto con Lo imposible. Si se hace cine de calidad, la gente irá.
¿En una línea cronológica de pasado a presente no cree que haya habido una mejora de la recepción del público español que se ha ido quitando la etiqueta de “españolada”?
Lo de españolada se va perdiendo, sí; pero en gente joven, que son los más interesados por las cosas cotidianas. Los mayores no van al cine porque no quieren saber nada. Se quedan en casa por comodidad. Sobre todo por la mala fama que tiene el cine español desde el franquismo.
El cine y la historia. Dígame cuál es el nexo que une ambas cosas.
Lo que une es que refleja mentalidades. Refleja la vida. La película es una radiografía de lo que pasa en el mundo. El cine es un espejo de la realidad, lo dijo Kracauer. En las películas de Woody Allen ya se ve reflejado por ejemplo los judíos, Nueva York, Manhattan, etc. El cine es un reflejo de la realidad, no es tal como es la realidad, sino una aproximación/espejo y es una ventana abierta a lo que pasa en la vida. Y la Historia se aprende más en el cine que leyendo libros (aunque también manipulados, siendo éstos también parciales muchas veces).
¿Algo que quiera decirnos u aconsejar?
Que sigáis con vuestro blog que es muy bueno. Que tenéis un público y que sigáis ahí. Es lo único que os puedo aconsejar. Lleváis un buen camino.

(Entrevista publicada en LGEcine.org, 14-XII-2013)



martes, diciembre 24, 2013

9 PELÍCULAS RECOMENDADAS PARA ESTAS NAVIDADES



Como todos los años por estas fechas, recomiendo filmes de estreno que vale la pena visionar en familia. Aquí va mi reducida lista (por orden alfabético):

CAPITÁN PHILLYPS
            Nueva película del británico Paul Greengrass, que evoca el secuestro en 2009 de un marino mercante por los piratas somalíes. Buena interpretación de Tom Hanks.

DE TAL PADRE, TAL HIJO
            El director japonés Hirokazu Kore-eda pone es escena una historia entrañable, dentro del estilo humanístico de sus maestros Akira Kurosawa y Yasujiro Ozu.

UNA FAMILIA DE TOKIO
            Otra obra maestra nipona, ahora de la mano del veterano Yôji Yamada, que es un remake-homenaje a Ozu, en su centenario. Es una delicia de película.

FROZEN, EL REINO DEL HIELO
            Película infantil para estas Navidades, que viene de la mano de la factoría Disney. Es un film de animación en 3D, con números musicales, que también conectará con el público adulto.

GRAVITY
            El mexicano Alfonso Cuarón nos ofrece un fascinante viaje espacial en 3D, con valores estéticos y humanos. Gran interpretación de Sandra Bullock, posible candidata al Oscar de Hollywood.

EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG
            Segunda de las tres películas que Peter Jackson ha dividido la trama de El hobbit, primera de las novelas en las que Tolkien desarrolló su universo mitológico.
        
EL MAYORDOMO
            Una panorámica histórica de Estados Unidos, a través de la vida del que fuera mayordomo de la Casa Blanca durante el mandato de ocho presidentes (1952-1986). Espléndido trabajo del afroanortemericano Forest Whitaker.

TIERRA DE MARÍA (MARY’S LAND)
            Nuevo documental de Juan Manuel Cotelo (La última cima), que incita otra vez a hacerse preguntas sobre la fe e indaga en torno a la conversión cristiana. Además, está narrado con sentido del humor.

UNA VIDA SENCILLA
            Delicada película china, de la cineasta de Hong Kong Ann Hui, que aborda los interrogantes del ser humano ante la ancianidad. Otra joya oriental, llena de valores humanos.


¡Y Felices Fiestas a todos!

(Publicado en www.cinemanet.info, 23-XII-2013) 

lunes, diciembre 16, 2013

UN MUSEO DE CINE, EN BARCELONA

 
Tras el éxito de la exposición L’experiència mágica del cinema en la Universidad de Barcelona (UB), procedente de la prestigiosa colección de Josep M. Queraltó, este gran cinéfilo y coleccionista impartió con Jordi S. Bonet el pasado lunes una conferencia en el histórico Paraninfo de la UB titulada “Un  Museo de Cine, ¿es posible en Barcelona?”.

Desde hace años, Josep M. Queraltó reclama un museo interactivo, educativo y lúdico de la técnica del cine y el audiovisual en la Ciudad Condal. Tal como explicaron Queraltó y el vicepresidente de la Fundación Aula de Cine, Jordi S. Bonet, “el objetivo es que sea un instrumento de preservación de la historia del cinema (toda la era analógica) y, al mismo tiempo, una herramienta educativa útil tanto para aquellos que quieran dedicarse de una manera profesional como para todos los públicos, con el fin de que se conozca la fuente de magia del cine y surjan nuevas inquietudes de crear más afición.

Como colofón a esta nueva exposición, que muestra los inicios técnicos del Séptimo Arte desde los espectáculos de sombras hasta la aparición del Cinematógrafo Lumière en 1895 -la cual también ha contado con seis mesas redondas y debido a su gran acogida continuará abierta hasta finales de febrero de 2014-, Josep M. Queraltó manifestó su proyecto, a pesar de la ausencia de las autoridades políticas de la Generalitat de Cataluña, pidiendo se apoyara la creación de ese Museo de Cine en Barcelona, dirigido al público en general, al mundo académico y a los profesionales del sector audiovisual.
 
El acto estuvo presidido por el vicerrector de Comunicación y Ediciones de la UB, doctor Pere J. Quetglas, y entre los casi dos centenares de asistentes se encontraban los directores de cine Antoni Verdaguer y Santiago Lapeira.
 
(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 16-XII-2013)

lunes, diciembre 09, 2013

LA CRISIS DE LAS SALAS DE CINE



Tras la comentada fiesta del cine, dos empresas de exhibición -Cinesa y Yelmo- decidieron volver a bajar el precio de las entradas, y triplicaron la asistencia de espectadores.

A 3,50 euros, lunes, martes y miércoles, 42 salas de Cinesa, con 509 pantallas en total, vendieron 191.976 entradas frente a las 43.341 vendidas en el mismo período de la semana. Mientras que Yelmo, durante la misma promoción, vendió 112.021, lo que le supuso un incremento de 162,33 por ciento respecto a la semana anterior.

No obstante la protesta de otros exhibidores del sector, que anuncian la muerte de las salas con ese precio, la verdad es que los espectadores han respondido con creces. Aun así, los números no salen. Veamos, pues, cómo se distribuye el dinero de una entrada de cine.

La distribuidora de la película se queda el 38 por ciento, el exhibidor otro 38 %, el 21 por ciento es el impuesto del IVA y el 3 % para la Sociedad General de Autores. Con todo, hay que aclarar que durante la primera semana de estreno, la distribuidora se queda entre el 50 y el 70 por ciento de la taquilla; después suele ser hasta el 50 %.

Con estas cifras, las salas no pueden subsistir; habría que pensar alguna solución: que las distribuidoras revisaran su alto porcentaje o que el Gobierno baje el criticado impuesto del IVA. El cine en salas está en peligro; los espectadores no, pues responden ante un precio más asequible para estos tiempos de crisis.

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 9-XII-2013)

martes, diciembre 03, 2013

NUEVO AUGE DEL CORTOMETRAJE ESPAÑOL


Recientemente se ha celebrado en Barcelona la quinta edición del Young Values Short Film Festival, un festival de cortometrajes organizado por la asociación CinemaNet con la colaboración de la oenegé Som Joves. Dirigido por el cineasta Juan Carlos Londoño, es un certamen que promociona los valores humanos y sociales a través de películas cortas.

Cada día son más los jóvenes que se dedican a la realización de cortometrajes para llegar a dirigir películas largas. Ésta es la vía habitual de los nuevos cineastas. Tanto es así que se ha fundado en España la Asociación de la Industria del Cortometrajes (AIC), que preside uno de sus impulsores, el productor Arturo Méndiz.

Durante el pasado Festival Internacional de Cine de San Sebastián, la AIC y la Coordinadora de Comunicación del Cortometraje Español se reunieron con la directora general del Instituto de la Cinematografías y las Artes Audiovisuales (ICAA), Susana de la Sierra, con el fin de impulsar el corto autóctono, comprometiéndose a presentar en la próxima edición del certamen donostiarra los resultados obtenidos en este campo especializado. Además, con el apoyo de la AIC, la Coordinadora que gestiona Eduardo Cardoso está preparando la gran fiesta del cortometraje español. Con el título “El día más corto”, el próximo 21 de diciembre se unirán a una iniciativa europea que inundará el país numerosos eventos, con el objetico de dar a conocer el cortometraje al gran público mayoritario de forma gratuita (www.eldiamascorto.com).


Como se manifestó en la clausura del referido festival de cortos barcelonés, el futuro del cine español está en manos de los jóvenes. Esperamos, por tanto, que lo renueven. 

(Publicado en DE PELÍCULA, http://www.diarioya.es, 25-XI-2013)

domingo, noviembre 24, 2013

"BLUE JASMINE", O LA CRISIS ECONÓMICA Y MORAL VISTA POR WOODY ALLEN

Cate Blanchett

La nueva película del más famoso cineasta neoyorquino, Blue Jasmine (2013), resulta un duro análisis de la situación actual. Realizada en la línea crítica de Delitos y faltas (1989) y Match Point (2005), viene a ser una demostración que Woody Allen está mejor solo detrás de la cámara que cuando actúa como protagonista.

Lejos, pues, de sus devaneos por Barcelona y por Roma -no así en su magistral Midnight in Paris (2011)-, el genial cómico estadounidense vuelve a demostrar que sabe hacer cine de veras. Su última tragicomedia, ambientada en Nueva York y San Francisco, profundiza en la condición humana contemporánea, a través de las desventuras de una mujer de la alta sociedad de Manhattan, Jasmine, que ha quedado arruinada por la actual crisis económica y moral.  

Con reminiscencias de la Blanche DuBois de Un tranvía llamado Deseo, según la obra escénica de Tennessee Williams, que llevara a la pantalla Elia Kazan en 1951, Allen habla sin pelos en la lengua sobre la decadencia, la traición, el adulterio, la muerte y la locura, como hacía tiempo no habíamos visto en imágenes. Imágenes brillantes, comedidas, uniendo pasado y presente en una narración continuada y no exenta de cierto suspense y sorpresa final, mantiene el interés creciente del espectador en todo su original relato. 

Por tanto, con un guión magistralmente escrito por el propio Allen -puede ser otra vez candidato al Oscar de Hollywood-, combina comicidad y dramatismo, dando mayor protagonismo a las mujeres -especialmente a las dos hermanastras, adoptadas-, quienes bordan sus personajes. Veamos la valoración que hizo el crítico de El Mundo, Francisco Marinero: 

“El sentido del humor al tiempo que incisivo y compasivo, irónico y melancólico, se manifiesta a lo largo de toda la película y a cargo de los actores, con un reparto espléndido en el que destaca Sally Hawkins como la hermana de Jasmine. Pero se trata sobre todo del retrato de una mujer y una Cate Blanchett que domina todos los recursos expresivos y que sucede a Diane Keaton y Mia Farrow como actriz perfecta para la galería de Allen consigue que una desequilibrada detestable, de un egoísmo feroz, despierte finalmente cierta piedad. Sus angustias y sus ataques de furia son simultáneamente patéticos y cómicos y su distinción es tan adecuada a la riqueza en Manhattan como incongruente en su nuevo ambiente.” (22-XI-2013).

Ciertamente, Cate Blanchett está genial en su personaje -también firme candidata al Oscar a la Mejor actriz-, pues viene a ser el retrato de una clase social generadora de esta crisis que, sin duda, es más moral que económica. Así, la actuación de los protagonistas, sin escrúpulos en los negocios y en las relaciones sentimentales -el adulterio aparece como normal-, conducirá a la ruina personal. De ahí que Woody Allen refleje esas situaciones e incluso parece que condene a sus protagonistas. Pero dejemos que nos hable el propio autor:

Blue Jasmine es, por encima de cualquier cuestión, una película psicológica sobre el ser humano, a la vez que una gran tragedia sobre una mujer determinada. Se centra en Jasmine, una persona que de golpe se descubre en una situación extraña. Alguien que no quiso mirar a la realidad con los ojos abiertos en un momento dado y que ahora se ve obligada a hacerlo. Sólo que, antes de su crisis, era una mujer rica que nunca se preguntaba de dónde venía el dinero que hacía rico a su marido. Ni se cuestionaba que él pudiera mirar a otras mujeres. Cuando las cosas explotan, tiene que posicionarse y actuar. Incluso conocerse mejor”. 

No vamos a descubrir aquí el argumento del film. Pero sí decir que Allen parece ajustar cuentas con los culpables de la crisis actual. Los mira con tristeza y cierta amargura, y también con un ápice de indulgencia, en el caso del vulgar novio de la hermana pobre, que llora y sabe perdonar. Calificada como una de las mejores obras de Woody Allen de estos últimos años, el profesor y crítico de El Punt Avui, Àngel Quintana, la comentaría así: 

“Toda la película se mueve en un juego constante de dialéctica entre diversos universos. Allen estructura el relato como un ir y venir del pasado. No hay flashbacks en el sentido literal del término, sino solamente una transición permanente entre lo que ella fue y en lo que ella se ha vuelto. El pasado se encuentra allí para forjar las múltiples ilusiones, pero también para revelar alguna cosa oscura y amarga que no se puede borrar. El pasado pone de relieve la destrucción de un mundo y se convierte en una amenaza que en cualquier momento puede irrumpir en el presente para desestabilizarlo. El presente, en cambio, es el territorio del exilio forzado, de la incerteza y el de una realidad nunca asumida. Allen articula esta dialéctica alrededor de dos ciudades -Nueva York y San Francisco-, pero también a partir del juego entre un universo de falsa elegancia y un universo de vulgaridad. Para algunos todo esto puede parecer arquetípico, sin embargo Allen juega con los arquetipos para describir una situación amarga al final de la cual no hay más que la oscuridad. En la memoria de aquello perdido resonarán las nostálgicas notas de una canción: Blue Moon.” (15-XI-2013).

En definitiva, se trata de una película pesimista -en otra ocasión, su autor ya había declarado: "Hoy en día, la fidelidad sólo se ve en los equipos de sonido"- que, mal que nos pese, evoca ciertas mentalidades y miserias de la sociedad contemporánea, que Woody Allen ha sabido poner en imágenes con precisión y voluntad de etnólogo. Con los años, Blue Jasmine tendrá un valor socio-antropológico; pues es un film de reconstrucción histórica. 


martes, noviembre 19, 2013

LAS INSTITUCIONES Y LA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA, EN LA UB

 
 Como si de una saga se tratara, el Aula Magna de la Universidad de Barcelona (UB) acogió una cuarta mesa redonda relacionada con el séptimo arte, con motivo de la exposición "L'experiència màgica del cinema" que puede verse en el vestíbulo del Edificio Histórico de la UB. En esta ocasión, tuvo lugar el 14 de noviembre bajo el título “Les institucions i la indústria cinematogràfica” (“Las instituciones y la industria cinematográfica”). Los ponentes fueron Montse Majench, directora de la Acadèmia del cinema Català; Antonio Mourelos, presidente de la Academia Galega do Audiovisual; Ana Arrieta, abogada y asesora jurídica de la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de Madrid), y Juanjo Caballero, profesor de la ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya). Josep Maria Caparrós, catedrático de Historia Contemporánea y Cine de la UB y comisario de la exposición, actuó de moderador.
 
Montse Majench fue la primera en iniciar las intervenciones. Hizo una breve presentación de la academia de la que recordó su juventud al crearse hace sólo seis años. Afirmó que cuando se fundó el modelo en el que se inspiraron fue la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Explicó que existe muy buena relación entre ambas instituciones habiéndose establecido entre ellas acuerdos y convenios para promocionar e intercambiar las respectivas cinematografías. A la hora de programar eventos como los premios Gaudí, que celebrará su nueva edición el 2 de febrero de 2014, tienen en cuenta el calendarios de la Academia española para evitar conflictos de intereses. Con respecto a la Academia Galega do Audiovisual también señaló la relación fluida existente entre ambas. Recordó que durante el Festival Filmets de Badalona se acordó pasar los cortos ganadores en los Premios Mateo de la academia audiovisual gallega que entraron en concurso. Asímismo, en la sede de la SGAE de Barcelona se pasaron gratuitamente el documental y el largometraje ganadores de estos mismos premios. Destacó la importancia del intercambio de cinematografías entre las academias y que para los espectadores es interesante, ya que en un circuito comercial no tendrían posibilidad de verlas. Con la Academia de Cine de España también tienen acuerdos similares, concretamente entre el premio Goya de honor y el premio Gaudí de honor y hacemos unos homenajes respectivos en las distintas sedes, recientemente el homenaje a Concha Velasco, se hizo en Barcelona con el pase de la película "Pim, pam, pum, fuego", en Madrid se hizo con Montserrat Carulla con el pase de “Surcos” en la sede de la Academia española.

Antonio Mourelos también hizo una presentación de la Academia que preside. Aclaró que no es exclusivamente cinematográfica que nació con el objetivo de englobar todo el sector audiovisual. Cuando se dirigen a la administración para solicitar algo siempre se acercan en nombre del audiovisual, independientemente de que unos se dediquen al cine o al medio televisivo. Hizo un breve repaso histórico del audiovisual en Galicia. Recordó que en la década de 1980 la relación que existía con la administración se limitaba a temas de subvenciones, pequeñas productoras de cine que empezaban pedían ayudas a la Xunta de Galicia. Eran un complemento a las ayudas estatales. Resaltó como fecha importante de la historia audiovisual la del nacimiento de la televisión autonómica gallega (TVGA) en 1985. Aseguró que marcó un punto de inflexión. A partir de entonces se empezó a plantear hacer una producción propia hecha desde Galicia. Los programas de ficción tardarían unos años en llegar. Destacó otra fecha clave para el sector, fue en 1990, cuando el Parlamento gallego aprobó la Ley del Audiovisual en Galicia, que considera el audiovisual como un sector estratégico. Es a partir de ahí que se puede decir que la administración política empieza a tomar cartas en el asunto y considera que el audiovisual, con muy buen criterio, es un sector que se debe apoyar porque atrae dinero y así sucede. Siguiendo con la cronología, Mourelos explicó que durante esos años empiezan las primeras subvenciones y se hacen las primeras películas y puso en relieve una nueva fecha la de 1998, en la hubo alguien que consideró que se podía hacer ficción para televisión y que podía llegar a los espectadores tan bien o mejor incluso que la que se hacía a nivel estatal. Esto que para muchos era una locura, impensable, un programa de ficción propio en gallego que se dudaba que pudiera encajar en el público se hizo realidad con la serie “Mareas vivas” que obtuvo un gran éxito de audiencia. Teniendo en cuenta que en aquella época los índices se situaban entre un 19 ó 20 por ciento de share, "Mareas vivas", llegó a tener el 42 por ciento de audiencia.  Esta serie marcó un antes y después. La televisión pasó a ser el motor que impulsaba el sector audiovisual en Galicia. Otra fecha que quiso destacar es 1993 cuando se creó la Escuela de Imagen y Sonido de Galicia, una escuela que nutre a todos los profesionales técnicos de Galicia. La administración la apoyó totalmente. Se fomentaba mucho el audiovisual desde el punto de vista industrial, se buscó crear un tejido industrial y así fue hasta el 2008 cuando las elecciones las gana el PP, pero el gobierno lo hace un bipartido, formado por el partido socialista gallego (PSGA) y el bloque nacionalista gallego (BNG). Antonio Mourelos hizo hincapié en que se produce un giro en las relaciones con la Administración muy importante. Si hasta entonces se hablaba de defender el sector audiovisual como industria, a partir de entonces, sin dejar el aspecto industrial, se busca potenciar más el talento y la creatividad sobre todo de nuevos valores. Después de cuatro años de bipartidismo volvió el PP en 2008 pero coincidió con el inicio de la crisis. Volviendo al tema de la mesa redonda, afirmó que las relaciones con la Administración son cordiales en la actualidad, “desde la Academia hemos conseguido una relación cordial, nos tratamos de tu a tu, nos entendemos, valoran el trabajo que hacemos los profesionales pero siempre dicen lo mismo, no hay dinero, pero muchas veces no es dinero lo que más pedimos”. Lamentó que quizás lo que no hay, por parte de la Administración, es el interés que había en su día por el audiovisual como sector estratégico en cuanto a lo que podía aportar como talento y creatividad.

 

Ana Arrieta, dada su amplia relación laboral con distintas instituciones, pudo dar una visión más global en este terreno. Reconoció que ha aprendida en su vida laboral que hay dos perspectivas a la hora de ver el cine, el cine como industria y el cine como talento, coincidiendo así con Antonio Mourelos. Afirmó que últimamente se habla mucho de cine unido a la industria, a la crisis, al producto interior bruto (PIB), al trabajo, al paro, pero por otro lado hemos estado hablando durante muchos años sobre la excepción cultural, el cine francés, de nuestro patrimonio. Haciendo una reflexión, Arrieta llegó a la conclusión de que el cine ni es una industria ni es talento. Consideró que hay que buscar la parte importante del cine como industria, pero tenemos que darnos cuenta que nuestro cine es un cine especial, un cine de autor, un cine hecho por personas que viven en un país, y cada uno tiene sus características pero es un cine, en cierta manera parecido al cine francés, que es parte de nuestra cultura y de nuestro patrimonio. Para ella,  el cine es un bien que hay que proteger, como se protege el patrimonio arquitectónico. Por otro lado, al margen de las relaciones existentes entre las instituciones y las administraciones de gobierno, opinó que lo importante es también la unión entre las distintas instituciones, entre las academias y las escuelas como la ESCAC o la ECAM, que son las escuelas oficiales que tiene España. Es muy importante la idea que se de a los futuros cineastas el enfoque del cine, el enfoque de nuestros valores, el enfoque de la industria, y sobre todo destacó aportar otros valores como pueden ser el diálogo, la lucha. Manifestó su convencimiento de que se pueden conseguir muchas cosas a través de la colaboración de las distintas instituciones. La ECAM es patrono de la Academia y la ESCAC lo será de otras; la Academia es patrono de la ECAM y de la ESCAC. Insistió en que el diálogo entre las distintas instituciones para ver hacia donde vamos es importante. Recordó que cuando se hizo la ley de cine que ahora está vigente se creó la plataforma del cine español que englobó a diferentes instituciones y defendió no solo a las escuelas sino a las sociedades de gestión, entre otras. Cuando hay un problema las distintas instituciones deben juntarse para que se pueda poner sobre la mesa el apoyo al cine de todos no de un determinado sector y que todos los representantes tengan cabida. Me parece muy interesante el valor de las diferentes instituciones en el desarrollo del cine como industria y como talento. Las administraciones ya sea estatal, autonómica o local, no solo ayuda dando dinero, tienen una función importante de promoción del cine español a través de ferias, de festivales y no tiene un coste de aportación económica. Aseguró que “no todo es dar dinero”. Haciendo una mirada atrás, observó que todavía estamos siguiendo la política de promoción de Pilar Miró, quien falleció hace años afirmando que no se puede estancar uno en los mismos modelos.  

Juanjo Caballero afirmó nada más iniciar su intervención que el cine es un sector que no esta regulado, que no está sujeto a unos estándares oficiales. Manifestó que el deber de las escuelas es formar un tipo de perfil profesional, formar unos profesionales con unas competencias, con unos conocimientos, con unas aptitudes que deben tratar de crear una simbiosis entre lo técnico y lo artístico, algo que debe dar pie a desarrollos de programas y planes de estudio que no dejan de ser complejos de resolver, especialmente si se tiene en cuenta que se trata de un entorno complicado como es el sector audiovisual que debe hacer frente a múltiples problemas que afectan al conjunto de la sociedad. Insistió en que hay que conseguir que el cine sintonice con esa sociedad y que el deber de las instituciones es conseguir brindar a la ciudadanía un cine en sintonía con la realidad, lo que son las preocupaciones, las cuestiones que nos afectan a todos y eso es algo que ha resultado difícil de concretar, de llevar a cabo. Juanjo Caballero explicó que la experiencia docente dentro de lo que es el panorama estatal, en el ámbito cinematográfico, debe remontarse a la década de los años 40 cuando surge el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), que luego se transformaría en lo que es la Escuela Oficial de Cine (EOC), donde surge toda una generación de nuevos talentos, de gente como Basilio Martín Patino, Manolo Summers o José Luis Borau, que significaron un recambio generacional, una nueva apuesta de entender el cine que estuvo en sintonía con lo que era la producción cinematográfica que se desarrolló en los años 60 y la década de los 70 y de la que el cine español se nutrió por espacio de varias décadas. Eso fue un relevo que tuvo un legado que de alguna manera quedó un tanto aparcado. La EOC fue clausurada justo a la finalización del franquismo, al inicio de la propia transición democrática española y se abrió todo un lapso de tiempo en el que la formación cinematográfica estuvo muy vinculada en lo que entonces eran las facultades de Ciencias de la Información, de las Humanidades. El Estado español estuvo huérfano de una formación técnico-artística de un nivel superior que pudiera asumir el reto de estar en condiciones de generar todo ese colectivo de profesionales que pudiera tomar el relevo de lo que había sido la producción cinematográfica de las décadas precedentes. En el contexto de la década de los 80 hizo notar que surgieron distintas iniciativas dentro del ámbito de la formación profesional, por ejemplo el propio Colegio Calasanz lideró todo un proyecto que llevó al surgimiento de una rama de Imagen y Sonido dentro de lo que entonces era la Formación  Profesional de 2º grado que es el equivalente a técnicos. Partiendo de ese fermento, fue germinando la idea de desarrollar una escuela superior de cinematografía vinculada a una institución universitaria como es la Universidad de Barcelona que, gracias a la invitación del entonces rector Josep Maria Bricall y también de las instituciones como el propio servicio de cinematografía y el doctor Miquel Porter i Moix, se pusieran los pilares para sacar adelante el proyecto de la constitución de la Escola Superior de Cinema i d’Audiovisuals de Catalunya, la ESCAC, eso fue en 1994, un año más tarde se incorpora la ECAM y a raíz de eso hemos seguido un poco cada uno al amparo de los que lo hicieron posible, la ECAM de la Academia, y la ESCAC de las instituciones que le ampararon como la UB o la propia Escoles Pias  donde tuvo su origen. A partir de entonces, ambas escuelas han tratado de desarrollar una tarea formativa que tiene básicamente por objeto generar una nueva hormada de profesionales, no sólo de directores sino de otras competencias que permitan que sea posible el plantear la apertura de un nuevo horizonte en el panorama cinematográfico al menos en términos creativos, profesionales. Todo esto nos lleva a tratar de desarrollar programas, iniciativas que no se conformen tan solo con tirar adelante o propiciar el desarrollo de cortometrajes sino también en buena medida hacer posible uno de los cometidos básicos de cualquier escuela de cine ser la plataforma que propicie que los alumnos estén en condiciones de presentarse ante el sector. J. A. Bayona, Guillermo Morales, Mar Coll son un ejemplo del recambio generacional, de la capacidad de la Escuela de poner un grupo de nuevos valores. Estamos haciendo frente como escuela, como sector y en términos culturales, en términos de país, del catalán y del Estado. Estamos en un momento especialmente delicado en el que nos enfrentamos a un momento de inflexión, en el que hay que ver de que forma todo acaba reajustándose para conseguir hacer viable un nuevo modelo de cine, una nueva forma de entender el sector y hacer posible que ese cine español o catalán pueda continuar desarrollándose y que la ciudadanía española o catalana, pueda continuar disfrutando del derecho de tener a su alcance aquello que desean poner de manifiesto cineastas que se han formado, que forman parte del tejido cultural propio del país.
 

 
(Publicado en http://coleccionjmqueralto.blogspot.com, 17-XI-2013)